> Galerien in Essen

Accrochage bei Ricarda Fox

2011-12-20T14:35:00.002+01:00

Eine Accrochage, die stilvolle Präsentation von Bildern aus dem Bestand der Galerie, gibt es bei Ricarda Fox in Mühlheim zu sehen. Acht bekannte und fünf neue Positionen werden zu einer inhaltlich interessanten, ästhetisch ansprechenden Neuaufführung gebracht. Das Thema Natur und menschliche Figur zieht sich als buchstäblich roter Faden inhaltlich und im Farbverlauf durch die Schau. Neben der Auslotung medialer Möglichkeiten wird die menschliche Wahrnehmung thematisiert, ihre Prägung durch physiologische und psychologische Rezeptionsmuster. Spannend dabei ist die Kombination der unterschiedlichen Positionen im Gesamtprogramm der Galerie.

Einen Schwerpunkt bilden neue Arbeiten von Oliver Jordan, öl- und inhaltsschwere Nebel-, Meer und Flusslandschafen. Blattleere Bäume mit knorrigen Ästen biegen sich zum Wasser hin, Acker- und Erdfurchen wirken ausdrucksstark und aufgewühlt. Noch pastoser trägt die Fußmann-Schülerin Monika Taffet die Farbe auf. Sie schafft plastische Zentren im Bild, die, mit kräftigen Farbläufen kombiniert, eine eher positive Sicht der meist sommerlich wirkenden Landschaften betonen. Ähnlich sieht es die Mülheimer Künstlerin Vera Herzogenrath, die Landschaften zu ausdrucksstarken Farbflächen und festen Formationen zusammenfügt.

Setzen diese Künstler einen inneren Eindruck von Landschaft um, geht es bei Christian Hoffmann und Carsten Klein um die Wahrnehmung und Abstraktion des Motivs in den Medien Malerei und Fotografie. Hoffmann reduziert Natur auf Horizontlinien und materiell aufgeladene Flächenformationen, deren Energie der Betrachter aus der Malerei spüren kann. Von den eigenen erdigen Bildern hat er nun Fotografien gefertigt, die den Ausdruck der Ölbilder ins Kleinformat einer Dibond Platte bannen.

Anders geht Carsten Klein vor, indem er weite und typologisch komprimierte Landschaften in unbunter Farbe und trüb schimmerndem Licht fotografiert. Was der Betrachter wahrnimmt, sieht aus, als wollte es jeden Moment in der Dunkelheit verschwinden.

Auch die Ruff-Schülerin In Sook Kim setzt Fotografie malerisch ein: Frauen in Rückenansicht, weich und verschwommen, das Haar glänzend wie das von “Betty" in dem berühmten Gerhard Richter Bild.

Nicht übersehen darf man die beiden “Neuerwerbungen³ der Galerie, Andrea Küster und Aldo Cristofaros.

Die Düsseldorferin hat Anthurien gehasst, bis sie sich malerisch mit ihnen befasste. Ein wenig an Georgia O¹Keefe erinnern ihre gemalten Blow-Ups von Blättern und Pflanzenkelchen. Monumentalisiert in Farbe und Raum verfremdet sie die Details, bis der Eindruck pulsierender, plastisch transparenter Flächen entsteht, die die Vergänglichkeit der Flora im Bild fixieren.

Aldo Cristofaros Bilder, der in Italien geborene Künstler lebt in Berlin, sind seit seinem einschlagenden Erfolg in London knapp. Denn sie sind gut! Als “Sammler seiner visuellen und audiellen Umgebung³ bezeichnet er sich und malt mit kräftigen, stark verdünnten Farben audiovisuelle Psychogramme von Stadt und Natur. Farbe, Zeichnung, Form und Licht verbinden sich zu einem ebenso lichten wie stark konzentrierten Bild, das die widersprüchlichsten Empfindungen synästhetisch koordiniert. Man darf gespannt sein auf die Einzelausstellung im nächsten Jahr!

bis 25.2.2012, Ricarda Fox, MH, Liverpoolstraße 15, Di-Fr 15-19, Sa 12-16 Uhr u.n.V.

Zwei zeitgenössische Klassiker

2011-12-17T12:50:00.005+01:00

Zwei Künstler hat Frank Schlag in seiner Schau zusammengeführt. Joachim Czichon, den der Galerist seit 30 Jahren kennt, und Toon Teeken, der, in Holland sehr bekannt, auf dem deutschen Kunstmarkt noch unterrepräsentiert ist. Beide gehören der Generation Ü50 an und sind Klassiker, ein jeder auf seinem Gebiet.

Czichons dekorativ farbigen Arbeiten lieben die einen, andere gibt es, die finden sie konventionell. Den Gestus vom Informel, das Dripping von Pollock, dazu die Grundfarben eines Mondrian - heraus kommt eine abstrakt figurative Formenmixtur, die den Vergleich mit den Vorbildern der Klassischen Moderne nicht scheuen muss. Der in Carlsruhe, Polen, geborene Künstler entwickelt im Umgang mit der Klassischen Moderne eine eigene ästhetische Position, die sich zum positiven, hell und offen wirkenden Einsatz der bildnerischen Mittel bekennt.

Vor weißem Grund stehen Linien-, Farb- und Formgeflechte, durchdringen und überlagern sich, ohne ganz ineinander aufzugehen. Jedes der expressiven Elemente hat Raum auf dem in dieser Serie aufgelockerten weißen Grund. Linien und Drippingspuren behaupten ihre Eigenständigkeit. Auch die Grundfarben ergänzen, jedoch brechen sich nicht, so dass aus deren Mischung niemals ein Grün oder dumpfes Violett entsteht. Klar und harmonisch bedingt ein Element das andere in frei gewählter Autonomie.

Große Tableaus gibt es zu sehen und kleine, dazu seltene Keramikobjekte, die an der Staatlichen Majolikamanufaktur in Karlsruhe entstanden sind. An der Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe hat der Künstler studiert.

Ganz anders, doch ebenso offen und positiv sind die Arbeiten von Toon Teekens gestrickt. Aus dicker schrundiger Ölfarbe schälen sich die Portraits, überzogen mit Mustern, Linien, spiegelverkehrten Schriftzügen. Gebrochene, z. T. pastellfarbige Töne dominieren die ausdrucksstarken Gesichter von Musikern, Dichtern, Künstlern, Philosophen. Dargestellt sind Personen, die jeder kennt, durch ihre bahnbrechenden Werke und nicht primär über ihre Physiognomie. Wer Celan kennt, denkt an die Todesfuge, bei Bonnard ist es die Farbe, bei Beckett vielleicht “Warten auf Godot“. Künstler, die den Künstler interessieren, stellt Teeken dar und verleiht ihnen ein z.T. unlesbares, jedoch charakterstarkes Gesicht. “Elliot Carter meets Igor Strawinsky“, ähnliches Outfit, andere Köpfe, gegensätzlich die Musik. Das Künstlerduo Gilbert & George, ihre strenge Disziplin und unbedingte Liebe zur Kunst werden über die typische Haltung und ihre karierte Anzüge charakterisiert. Es ist eine plastisch aufbauende Malerei und das Bild erhält Präsenz durch etwas, was zwischen den Farbmassen liegt: Die Aura der Figur und die Hand des Künstlers. Es ist seit 1991 als Dozent an der Akademie der bildenden Künste in Den Bosch tätig.

Bis 20.1.2012, Galerie Schlag, Meisenburgstraße 173,

di-fr 14-19, sa 11-16 Uhr

Grützke bei Kiefer

2011-12-14T15:53:00.005+01:00

Parallel zur großen Grützke Schau in Nürnberg stellt Klaus Kiefer den Berliner Künstler aus. Eine Ausstellung mit Öl- und vorwiegend grafischen Arbeiten ist hier in Essen zu sehen, die motiviert, die Reise ins Germanische Nationalmuseum anzutreten, wo das Gesamtwerk des Malers mit Malerei, Druckgrafik, Skulptur und Arbeiten aus Literatur, Musik und Theater derzeit umfangreich dargestellt wird. Von 1992 bis 2002 hat Grützke in Nürnberg doziert.
Was die breite Öffentlichkeit derzeit zur Kenntnis nimmt, weiß Klaus Kiefer schon lange. Dass hinter dem sarkastischen Humor und lauten Auftritt der Bilder ein sensibler Künstler steckt, dessen clowneske Maskierung der Welt einen theatralischen Spiegel vorhält. Was man da sieht, gefällt einem nicht immer.
Wahrhaftigkeit lautet die oberste Maxime des quer denkenden Malerfürsten der "neuen Prächtigkeit". Mit dem Appell "rettet Euch aus der Kläglichkeit" wandten sich einige Berliner Maler im Januar 1973 an eine Öffentlichkeit, die feierlich im Bann der abstrakten Malerei stand, blind für einen Humor, der schonungslos und satirisch menschliche Laster attackiert.
Grützke ist ein Meister des Portraits, beliebtes Motiv ist er selbst. Nicht weil er schön oder eitel ist, sondern weil die eigene Person die Maskierung des Individuums so sichtbar macht. Er zeigt Rollenspiel und Gruppenzwang, gesellschaftliche Neurosen, private Regression. Eine Sittengeschichte der deutschen Gesellschaft tut sich da auf, Hauptakteur und Drahtzieher bleibt der Künstler in zahlreichen Einzel- und Gruppendarstellungen.
Doch seine Bilder, so bizarr und verstörend sie auch anmuten, formulieren keine Botschaften. "Denn Malerei ist Denken mit dem Pinsel und das Bild ein Abfallprodukt malender Forschungstätigkeit." Erfahrungen des Künstlers in der ihn "umgebenden kleinen Welt" bilden den Ausgangspunkt, "denn diese kleine steht stellvertretend die gesamte große und meine Person demzufolge für die aller Personen." Das Herzklopfen angesichts dessen, was er am Ende eines Malprozesses in seinen Bildern sieht, überfällt den Peter Jansen-Meisterschüler auch heute mit 72 Jahren noch.
bis 30.11., Galerie Klaus Kiefer, Rüttenscheider Str. 221, di-fr 11-18.30, sa 10-14 Uhr

Sightzeichen 2011

2011-11-29T14:20:00.003+01:00

30 Künstler stellen 30 Bilder, eigens für die Ausstellung angefertigt aus. Neu ist neben der Vielfalt, die sich daraus ergibt, das kleine, man kann sagen handliche Format. Zur Mitnahme bereit, integriert es sich mit 50/50 cm fast überall. Die Form, das Quadrat, stellt eine geschlossene Einheit dar, nicht dynamisch wie der Kreis, sondern klar konturiert und in sich

geschlossen. Ein Format also, das ein präzises Statement erlaubt und einen, wenn auch kleinen Einblick in das Gesamtwerk der Künstler; in ihre Motive, Techniken und individuelle Sicht auf die Welt.

Auf zwei Wänden gehängt ergeben die unterschiedlichen Arbeiten ein stimmiges Bild, fast so, als hätten die Künstler kommuniziert. Das taten nicht sie, sondern die Bilder an der Wand entfalten einen eigenen Dialog aus Farbe, Form und Material.

Der Mensch und sein Tun stehen immer wieder im Zentrum, expressiv in den meisten, naturalistisch in einigen Bildern. Bei Max Uhlig, einem der renommiertesten Künstler der Galerie, schälen sich Gesichter aus einem linearen Netzwerk hervor, bei Kwang Sung Park aus diffusen Nebeln in Schwarz und Weiß oder bei Titus Lerner aus einem Gewirr farbiger Pinselschläge. Jörg Schirmer verzerrt die Proportionen seiner Figuren extrem. Extremitäten wie Hände oder Füße wachsen plastisch und mit feiner Ironie aus dem Bildgrund heraus, während bei anderen hier ausstellenden Künstlern eine ästhetisch idealisierte Überhöhung der Darstellung zu beobachten ist. Bei Ramon Lombarte halten sich Personen in atmosphärisch verdichteten Räumen auf, in symbolisch besetzten die Figuren von Peter Handel.

Andere Künstler wie Kirsten van den Bongaard malen Menschen, hier asiatischer Herkunft, auf weißem Dibond- Grund und stellen so die Frage nach der Relation von Malerei und Fotografie. So auch das Fotografenduo Frank Hohmann und Daniela Szczepanski, die Industriemonumente des Ruhrgebiets in malerische Lichteffekte tauchen, oder auch Siegrid Nienstedt, die ihre fotorealistischen Räume entleert und neben der Landschaft auch gerne Tiere thematisiert.

Folgende Aktivitäten der Galerie seien erwähnt:

- Teilnahme an der KIAF in Seoul und an der C.A.R. in Essen. Letzte war ein voller Erfolg und führt zu einer weiteren Zusammenarbeit.

- In Seoul wurde der Kontakt zu einer großen Galerie mit weiteren Projekten ausgebaut. Etwas außerhalb der Metropole in einer japanisch anmutenden Landschaft gelegen, nutzen viele Besucher die malerische Natur, um Kunst und Erholung in musealer Architektur zu genießen.

- Der Umzug in die Rüttenscheider Str. habe sich bewährt und u.a. zu mehr Besuchern mit Muße und Konzentration geführt.

Bis 7.1.2012, Galerie Klose, Rüttenscheider Str. 221, mo-fr 10-18.30, sa 10-15 Uhr

BILDLANDSCHAFTEN

2011-11-29T12:20:00.004+01:00

Seit seinem 5o.Geburtstag kreist Bühler malend um den Mythos Berg. Massiv und doch in der Detailschau fein geädert erheben sich Berge in seinen Bildräumen. Vor bläulichem Himmel behaupten sie unverrückbar ihre Stellung, mal als unbezwingbarer Monolith, mal als sanfter Bergrücken. Bisweilen sind Gipfel stimmungsvoll in Nebelschwaden getaucht, bisweilen kündigen Schneeverwehungen von eisigen Zonen.

Bühlers Berglandschaften sind jedoch weder Abbild, noch erinnernde Wiedergabe eines realen, eines bestimmbaren Ortes. Bühlers Berglandschaften bleiben Bild-Landschaften. Sie sind abstrakte Farb- und Strukturspielereien. Nur scheinbar behandeln sie einen konkreten Gegenstand. Sie sind eben nicht der Blick auf die rohe Natur, sondern Utopie. Der griechische Begriff Utopie bedeutet in der Übersetzung zunächst "Nirgendheim", in der Übertragung "Idealzustand". Wolfgang Bühler formuliert es so: " Das Bild selbst ist eine parallele Landschaft zur Landschaft der Welt und nicht deren Abbildung."

(Auszug aus Katalogtext 2011 von Dr. Anna Scherbaum)

Bis 30.12.2011, Galerie Schütte, Kettwig, Hauptstraße 4, di-fr 14.30-19, sa 12-14 Uhr

Eine opulente Schau

2011-11-29T12:04:00.003+01:00

liefert der “kunstraum³ zum Ende eines erfolgreichen Jahres und zum Auftakt des 10-jährigen Bestehens der Galerie.

Zur Vernissage fuhr ein Shuttle vor und transportierte die zahlreich erschienenen Gäste zur “galerie goltz", der  dieses Jahr eröffneten zweiten Galerie auf der Huyssenallee. Antiquitäten und moderne Kunst bestimmen hier das Programm - in einem Ambiente, das mit erlesener Eleganz den puristischen Stil der Rüttenscheider Straße erweitert. Ausgefallene Sammlerstücke begegnen zeitgenössischen Arbeiten und entfalten in diesem Kontrast ihre Zeitlosigkeit. Jugendstil- und Art-Deco Lampen, Kostbarkeiten aus Porzellan, asiatische Terrakottafiguren oder barocke Holzschnitzereien ergänzen sich mit einer Selbstverständlichkeit, als hätten sie von jeher zusammengehört. Das liegt auch an der stilsicheren Hand des Galeristen, mit der er Historisches neu ordnet und in ungewohntem Kontext aktualisiert.

Ausdrucksstarke Malerei und malerisch inszenierte Fotografie mit einigen Skulpturen, dominieren die Räume aller drei Etagen in der Rüttenscheider Straße. Im Erdgeschoss hängen große museale Formate von Martin Herler, Ivo Lucas oder Matthias Köster, den aus langjähriger Zuammenarbeit bekannten und in Museen und großen Sammlungen arrivierten Künstlern der Galerie. Shooting-Stars wie Alpay Efe mit wunderbar komponierten ölfrischen Stillleben und Newcomer wie Isabel Friedrich mit ihren Urban Animals oder Martin Kurt Jäger begleiten sie. Dessen “Waschlappenportraits³ von Unportraitierbaren luden auf der Kölner Messe fast jeden Passanten zum Verweilen ein. Berlusconi, Gadaffi, Hitler, den Papst und Showgrößen wie Dieter Bohlen malt der Düsseldorfer Künstler in Öl auf 99 Cent pastellfarbigen Waschlappen. In der Ausstellung jetzt belegt er einmal mehr, dass er Ölfarbe und Spraydose beherrscht und auch im großen Format naturalistisch zum Einsatz bringt.

Vittorio Zambardis ovales Boxerportrait oder das von Amy Winehouse werden eine Etage höher kontrapunktiert mit den Arbeiten von Andreas Flügel, James Larsen oder den Fotografien jugendlich schräger Paradiesvögel von Wolfgang Kleber. Entstanden sind sie auf Streifzügen des Künstlers mit seinem Galeristen durch Paris.

34 Künstler vereint ergeben ein breites Bild der Gegenwart, von Menschen und ihren Begegnungen, ihren kleinen Schwächen und großen Stärken.

Folgende Aktivitäten seien erwähnt:

- Teilnahme an der C.A.R Essen und erstmalig an der Art Fair Köln

- großes Charity Projekt mit Martin Herler im Rahmen einer Benefizveranstaltung im Universitätsklinikum Essen

- Advents-Matineen in der “galerie goltz", Huyssenalle 85 am 27.11., 4., 11., 18. 12. 2011 mit handgefertigtem Künstlerschmuck von Anja Husmann, jeweils von 11-15 Uhr

- Ausstellungsvermittlung von Künstlern: Angela Schilling im Bayerischen Nationalmuseum München, Wolfgang Kleber in der Museumsnacht im Rathaus von Paris, Stefan Marienfeld im Museum Lemgo, James Larsen in der Kunsthalle der BASF, David Curtis: Malereiaktion mit der Schauspielerin Martin Gedeck

bis 28.1.2012, kunst-raum schulte-goltz+noelte, Rüttenscheider Str. 56, di-fr 12-19, sa 10-16 Uhr u.n.V.

Neue Malerei und rätselhafte Objekte in der Galerie Frank Schlag

2011-10-27T10:23:00.010+02:00

Spannende und gegensätzliche Positionen aktueller Kunst, Malerei und Objekte, sind in der Galerie Schlag ausgestellt.

Tomomi Morishima, der junge Japaner, geboren in Paris, aufgewachsen in Hiroshima, studierte in Tokio und  Karlsruhe bei Helmut Dorner, er ist eine Neuentdeckung der Galerie.
Große Tableaus und ganz kleine Formate strahlen Farbe  aus, öffnen Bildräume, beziehen den Betrachter ein: mit Rückenfiguren, deren Blickrichtung man folgt, mit Rauminterferenzen, die man nicht zuordnen kann und geometrischen Konstruktionen, die Bildflächen verspannen.  Schleier, Tupfen, Flecken, Lasuren ziehen sich in taghellen lichten Tönen über das Bild und wirken wie abstrakte Übungen, besser gesagt wie eine Klaviatur, die der Künstler anschlägt, um daraus den Bildgegenstand aufzubauen: Figuren, Kinder, Erwachsene, die sich traumwandlerisch in der Natur bewegen und dabei ganz alltägliche Dinge tun. Schwimmen oder spazieren gehen, ins Gespräch vertieft sind. Dennoch hat man den Eindruck, die Szenerien fänden nicht statt, als seien sie des Betrachters Projektion. Zu luftig und fiktiv sind die Räume, die der Künstler mit Konstruktionslinien andeutet, aber inhaltlich architektonisch nicht definiert.
Morishima sagt dazu: “Es ist immer mein größter Ehrgeiz ein Bild zu schaffen, in dessen Bildraum der Betrachter hineintreten und darin spazieren gehen kann." Konkrete Festlegungen und Narrrationen meidet er, sondern schafft vielmehr deutungsoffene, doch bewusst komponierte Stimmungsräume.

Interpretationensoffen sind auch die gleichermaßen surrealen wie konkret lesbaren plastischen Chiffren des 1962 in den Niederlanden geboren Düsseldorfer Künstlers Adrian Schoormans. Auf runden flachen Sockeln, einer allseitig einsehbaren Experimentierbühne gleich, stehen schrundige anthropomorphe Figuren, eine Mischung aus Monster, Mensch und Natur. In verschiedenen existenziellen Situationen stehen sie da wie ein aus der Natur gefallenes und sich die Natur anverwandelndes Wesen. Blätter kahler Bäume bilden die Kleidung, ein anderes nährt sich von einem Stamm, jedoch sind die natürlichen Kreisläufe unterbrochen und ausgedorrt.

Künstlich und ästhetisch kühl wirken die perfekt inszenierten Materialien und metallischen Farben, die Symbole abgrenzen und sie unverbrüchlich in die Gesamtaussage einbinden. Alle Arbeiten thematisieren die Manipulation des Menschen, der eigenen Natur und der fremden, ein roter Faden, der sich auch durch sein artifiziell wirkendes zeichnerisches Werk zieht. Kaum zu glauben ist, dass die technisch virtuos konstruierten Zeichnungen mediale Vorlagen zum Anlass nehmen, um daraus verfremdete, an Computer-Grafiken erinnernde erzählerische Collagen zu formulieren.

Galerie Frank Schlag, bis 2.12.2011, Meisenburgstr. 173, di-fr 14-19, sa. 11-16 Uhr

28. - 30.10.2011 C.A.R. contemporary art ruhr, Zeche Zollverein Essen, Halle 5 (gezeigt werden: Tim Beeby, Franck Gohier, Andrea C. Hoffer, Bitgit Klerch, Terry Taylor, Johannes Vetter, Zhong Biao)

Der Galerist als Regisseur

2011-10-26T11:57:00.009+02:00

Wieder einmal inszeniert Colmar Schulte-Goltz eine perfekte Eröffnungsschau. Interessant zu beobachten ist, wie präzise die Dinge ineinander greifen, wenn man Interessen und eigene Präferenzen unbeirrt verfolgt. Das taten beide, der Galerist und der Künstler. Rhetorisch geschliffen, mit Humor und Fachwissen gespickt präsentiert der Galerist einen hochbegabten jungen Künstler, und zwar so, dass dessen Arbeiten zu noch moderaten Preisen kurz nach der Eröffnung fast ausverkauft sind. Ein Erfolg, den Alpay Efe sich wohl kaum träumen ließ, und den man ihm, dem unprätentiösen Schüler von Markus Lüpertz und Katharina Grosse, nur allzu gern gönnt. Aufrichtig klingt das Understatement des 24-Jährigen, wenn er sagt, er habe schließlich nur das getan, was er konnte, das sei malen, und er hoffe, es sei gut.

Augentäuschend und technisch versiert, inhaltlich in der Balance zwischen kunsthistorischem Rückgriff und zeitgenössischer  Aktualität präsentiert er seine in Öl auf Holzgrund gemalten Bilder. Originell geben sie sich in der Kombination vermeintlich nicht zusammengehöriger Bildgegenstände, sinnlich opulent, wenn sie halb enthüllte Damen und verführerische, genauer gesagt verführte junge Männer zeigen. Denn sein “Odysseus³ von heute  hat gegen die Übermacht blonder Sirenen kaum eine Chance. Zu eindeutig ist die Dominanz der Damen, die lässig  in sich ruhen, mit Reizen nicht geizen, ohne sie offensiv in Pose zu setzen. In beiläufigen Szenen präsentieren sie sich, in Dessous, Straßenkleidung, im Pelz oder mit einem Manga bedruckten Tuch verhüllt neben zerzaustem Bett.

Ob man deswegen ernsthaft an das Erwachen der Psyche, Kassandra und das goldene Vlies denken muss, so suggerieren es die Titel, ist eine andere Frage. Kunsthistorisch auftragen müsste der Künstler nicht, um seine Figuren mit Bedeutung zu versehen. Denkbar vielmehr ist, dass Alpay Efe, der sich auch auf Comics versteht, die Fetischisierung von Gebrauchswerten ironisiert, wenn er die junge Asiatin nackt unter einem edlen Pelzmantel zeigt. Denn das goldene Vlies war ursprünglich nichts als ein dichtwolliges Schaffell, das die Bewohner von Kolchis ins Wasser hielten, damit sich daran der Goldstaub fängt.

In Lederjacke und Captain America T-Shirt stellt sich Efe vor einer Spiegelwand dar. Grünes Farblicht umfließt das Selbstportrait und verleiht ihm wie auch den anderen Motiven seiner Kunst eine einladend fremdartige Aura.

bis 12.11.2011, kunstraum schulte-goltz und noelte, di-fr 12-19, sa 10-16 Uhr,  Rüttenscheider Str. 56

28.10. - 01.11 ART.FAIR 21 /Staatenhaus am Rheinpark, Köln

28.10. - 30.10. C.A.R. contemporary art ruhr, Zeche Zollverein Essen

Neues von Ricarda Fox

2011-10-25T12:03:00.003+02:00

Zwei Ausstellungen werden in den Galerien von Ricarda Fox gezeigt. In der Kreuzeskirchstraße stellt sich die Fotografieklasse von Thomas Zika vor, in Mühlheim der Kölner Künstler Oliver Jordans.

"Obstructions", Widerstände, sind das Thema, mit dem sich die Studenten in einem Worhshop in Oostende ein Wochenende lang beschäftigten. Jeder bekam eine persönliche Themenstellung, eine Herausforderung entsprechend dem künstlerischen Entwicklungsstand und der inneren Voraussetzungen, ein individuelles Thema als “konstruktive Verwirrmethode zur Erweiterung der Kreativität³ zu nutzen. Routine sollte ausgehebelt, Grenzen überwunden werden, um zu neuen Bildfindungen zu gelangen. Es ging darum, den “eigenen blinden Fleck³ zu erkennen, wenn möglich zu formulieren, ohne daran zu scheitern, aber auch dies sei eine “Grundvoraussetzung künstlerischen Gelingens³, so der experimentierfreudige Dozent der “Freien Akademie der Bildenden Künste Essen.

Das Ergebnis kann sich sehen lassen: Unterschiedliche Arbeiten von abstrakt bis figurativ, von rätselhaft mysteriös bis alltäglich in den unterschiedlichsten Techniken. Cyanotypien, Pigmentdrucke, eingelegt in Blut, Wein oder Milch, Fotografien auf Keramik oder Aludibond, digital die meisten, einige auch analog in vorwiegend kleinen Größen zu erschwinglichen Preisen. Die meisten sind in der Stimmung nachdenklich, einige nostalisch, andere zu Chiffren verdichtet.

Sarah Bleckmann, Evelyn Burs, Johannes Dreuw, Tanja Fliege, Mario Curado Sulo, Ole-Kristian Heyer, Chiara Nardini, Eva Krebel, Roland Regner, Britta Ries-Drygall stellen aus.

Ricarda Fox, Kreuzeskirchstraße 29, Mi 15-19, Sa u. So 12-18 u.n.V., 0208-3787734

OLIVER JORDAN NEUE LANDSCHAFT UND PORTRAITS

Oliver Jordan ist aus seinem Atelier in der Bretagne zurück mit ölschweren Bilder im Gepäck, die ölfrisch riechen, als seien sie gestern fertiggestellt. Doch so jung sind sie nicht, denn es braucht Zeit, bis die zentimeterdicken pastosen Farbschlieren getrocknet sind.  Bekannte Themen mit neuen Motiven und einer leicht veränderten Sicht auf die Welt sind zu sehen, die, stimmig mit älteren Arbeiten kombiniert, ein neues Licht werfen auf das expressive Werk eines ausdrucksstarken Künstlers.

Schwere, wolkenverhangene  Strand- und karge Winterlandschaften, menschenleere, mediterran wirkende Panoramen mit malerischen Architekturen, raue Industriebrachen aus seiner “Heimat³, dem Ruhrgebiet, dazu farbintensive und linienstarke Portraits, gemalt und gezeichnet. Bekannte von Pop- und Bluesgrößen wie Bob Dylan sind dabei, aber auch neue, von Amy Winehouse und andere noch nicht gezeigte Arbeiten aus des Künstlers Kölner Atelier.

Alle Bilder, auch die positiv klingenden, stark farbigen vom Land und aus der Kleinstadt tragen den unvergesslichen Jordan Blues: diese melancholisch schwermütige Stimmung, die in ihrer Gebrochenheit niemals ins Depressive entgleitet, weil sie dafür zu widerständig und wehrhaft ist. Eine Stimmung, die Vergänglichkeit in der Natur und der Existenz des Menschen zeigt, Abgründiges greifbar und Hintergründiges sinnlich erfahrbar macht. Ein Blues klingt an, dem man sich getrost überlassen kann, weil er ganz irdisch und substanziell verhaftet bleibt, auch wenn die Oberfläche Spuren des Lebens zeigt. Im Gesicht von Amy Winehouse, die früh verstorben und nachhaltig zur Ikone reift oder einer regenschweren Landschaft, die vom Unwetter heimgesucht im Grau versinkt.

Bis 25.11., Ricarda Fox Mülheim, Liverpoolstraße 15, di-fr 15-19, sa 12-16 Uhr u.n.V., 0208-3787734

Farbe-Raum-Konzept & Fotografie

2011-09-30T10:10:00.003+02:00

Den zweiten Teil seiner 25-jährigen Jubiläumsschau präsentiert Gerd Schütte jetzt. Nach der Malerei werden 13 Positionen konzeptioneller Fotografie vorgestellt, mit Künstlern der Galerie, die das Medium schon immer und ausschließlich verfolgten und jenen, die es einsetzen, um die Fotografie parallel zu anderen Darstellungsmitteln zu erproben. Allen gemeinsam ist das Bemühen, neue Aufnahme-, Entwicklungs- und Printtechniken, konzeptionell, abstrakt oder figurativ für die eigene künstlerische Aussage nutzbar zu machen.

Zu sehen gibt es ein großes visuelles Irritationspotential! Keine Position bildet ab, was sie meint, keine Fotografie, ist zu entschlüsseln als das, was sie darstellt. Jede Künstlerin, jeder Künstler erfindet die Wirklichkeit neu, inszeniert, arrangiert, konstruiert Bildgegenstände, Räume und Flächen mit den Mitteln der Fotografie - so  unabhängig von der Wirklichkeit, wie die Malerei es immer tat. Fotografie profiliert sich dabei als anderes, technisches, aber im Innovationsgehalt als ein der Malerei gleichberechtigtes Medium.

Auch bei dieser Schau hat der Galerist mit den Künstlern gemeinsam die Hängung erstellt, so dass jedes Bild, so unterschiedlich sie auch sind, einen eigenständigen Wirkungsraum im Diskurs mit anderen Positionen erhält. Ein schlüssiges, stimmiges Konzept ergibt sich so, inhaltlich und im Arrangement der Ausstellung.

Gerda Schlembach, Martin Bürger, Klaus Schneider, Alke Reeh, Roland Geissel, Laura Ribero, Thomas Hanappel, Wiebke Elzel/Jana Müller, Oster/Koezle, Nina Brauhauser, Siegfried G. Koezle, Sebastian Fritsch, Eberhard Ross stellen aus, jeder ein Werk in übersichtlich klarer Ordnung.

Was es zu sehen gibt? Historische, private, imaginierte und konstruierte Räume, Rauminterventionen, Flächenräume, Vexierbilder. Zeit, Konstanz und Vergängnis werden thematisiert sowie Ordnung und Form in strukturellen Systemen, den organischen, gesellschaftlichen und digitalen.

bis 22.10., Galerie Schütte, Essen-Kettwig, Hauptstr. 4, di-fr 14.30-19.00, sa 11-17 Uhr

Flüchtige Passanten und Monumente der Industriekultur

2011-09-28T17:05:00.005+02:00

In neuen Ausstellungsräumen auf der Rüttenscheider Straße, transparent, klar strukturiert und einsehbar, präsentiert die Galerie Klose “night and day³, eine Ausstellung zum Thema Mensch und Stadt, in der jedes der fotorealistischen Bilder und jede der vorgestellten Fotografien Architektur und ihre Bewohner als getrennt voneinander definiert.

Kirsten van den Boogard beobachtet Menschen in alltäglichen Situationen, beim Hasten, Promenieren, Verweilen, in der Freizeit, beim Gang ins Büro, in offenen und undefinierten Räumen. Auf glänzenden weißen und schwarzen Dibondtafeln stellt sie Personen dar, in Rückenansicht zum Betrachter, der die Tätigkeit und Bewegung der Protagonisten verfolgt. - Eine junge Frau auf dem Weg ins Theater, eine andere, die ihren Hund ausführt, Jugendliche im Rapper-Stil, die sitzen, schauen, warten. Über die Kleidung schließt der Betrachter auf Status und Alter, über die Tätigkeit der Figuren, auf den öffentlichen Raum - der Platz lässt zum Verweilen oder  Menschen in den Strom städtischer Umgebung zwingt. Die anonymisierten Figuren werden zu Stellvertretern: für das Flüchtige, Unauffällige, im Alltag nicht Wahrgenommene, zu liebens- und bemerkenswerten Zeichen für das, was einem in der Routine entgeht.

Die geborene Hamburgerin über ihr Werk: “ In unserer visuellen Welt bleibt zwischen Sensation und Katastrophe wenig Raum für den alltäglichen Moment. Deshalb beobachte, sammle und dokumentiere ich menschliche Augenblicke. Die Malerei funktioniert als Filter, die so gewonnene Essenz stellt das echte Leben zur Schau,³ also das, was es zu bewahren gilt.

Im Gegensatz dazu sind die Arbeiten des Fotografenduos Frank Hohmann und Daniela Szczepanski menschenleer. “Aufnachtschicht³, so der Titel der Objekte, zeigt in Licht und Farbe monumentalisiert, Industrie- und Architekturobjekte des Ruhrgebiets: einen Kühlturm aus dem Steinwerk von Thyssen Krupp in Duisburg, einen Baum aus dem Garten der Villa Hügel oder den Erzbunker der Henrichshütte in Hattingen. Die vermeintlich vertrauten Motive wirken fremd und schön, wie Ikonen einer Industriekultur, die abgedankt hat.

Bis 17.10.2011, Galerie Klose, mo-fr 10-18.30, sa 10-15 Uhr, Rüttenscheider Straße 221

Buddha und die Affen ... die Ruhe und das Toben im Werk des chinesischen Künstlers Zhu Xianwei

2011-09-24T14:16:00.005+02:00

Ist das Denken ein wilder Affe und Buddha die Erleuchtung, so sind dieseBilder die Gedanken eines respektlosen Zen-Schülers über die Welt.

Zhu Xianwei greift das Ideal der Leere auf, um es mit Assoziationen zu füllen: pop-artige Traumfragmente aus der Kindertagen, poetische Sehnsuchtsphantasie und irdischer Wirklichkeitssinn gehen Verbindungen ein mit Zitaten aus der chinesischen und europäischen Kunst und werden aufgemischt zu einer expressiv surrealen Bildsprache der unverkennbar eigenen Art. Logik, Kausalität, Anfang und Ende? Der Weg zum Berg der Erleuchtung ist weit. - Also ist der Weg das Ziel und die Gesetze der Welt
werden im Werk des chinesischen Künstlers auf wunderbare Weise von ihrer Schwerkraft befreit.

Aus Grauschleiern tauchen wie Kobolde farbige Motive auf. Wie die Affen im Bild taumelt der Betrachter davor durch die Zeit, besteigt den Berg der Erkenntnis und stürzt die Klippe zur Wirklichkeit hinab, verfolgt von einem visuell visionären Erinnerungsschub. Ein Affenhaupt mit Krawatte, ein Jackett ohne Herr, ein feister Buddha, ein Panzer, Berge, Landschaften mit Spielzeugautos, dazu Gewehrkolben, die ballern, Kanonen, die schweigen, Kampfflieger und Mickey Maus inszeniert als Revolvermann. Dazwischen eine Rose, ein Fernrohr, ein Esel, eine schlafende Katze oder ein verdorrter Baum, an dem eine Damenhandtasche hängt. Schwindel erregend ist die Fülle der Motive, ohne jemals das Bild zu überfrachten.

Wer will, kann die Bilder lesen: als Persiflage, als Geschichte, Phantasie oder Albtraum der Gegenwart. Man kann barocke Kompositionen erkunden und die Logik der Symbole rational fundieren. Wer so verfährt, stößt schnell an die Grenzen der eigenen Denkeskapaden. Wer das nicht will, geht einen anderen Weg: Er genießt die Bilder, die Farben, die dissonant synchronisierten Gedankenfetzen und den Humor, mit dem man sie in satter Malweise vorgeworfen bekommt. Hingehen und genießen!

Bis 9.9.2011, kunst-raum Schulte-Goltz und Noelte, di-fr 12-19, sa 10-16 Uhr, Rüttenscheider Str. 56

Parallel findet in den Scheid¹schen Hallen in Kettwig eine Ausstellung mit japanischen Portraits des Fotografen Wolfgang Kleber statt und in der Galerie in der Huyssenallee 85 zeitgenössische Malerei und Art Deco.

Wenn Wahrnehmung fremd wird - Fotografie und Designobjekte in der Galerie Fox

2011-09-24T13:59:00.003+02:00

Ein Erdbebengebiet aus der Luftperspektive mit Grünflächen und eingestürzten Häusern? Das, zum Glück, ist es nicht. Was wie ein Google-Earth Satellitenbild von einem Katastrophengebiet aussieht, sind zerschredderte Computer-Platinen auf einem Wertstoffhof, und was anmutet wie der Blick in brodelnden Brotteig, erweist sich als chemischer Zersetzungsprozess in einer Kläranlage, gesehen und fotografiert aus mikroskopischer Nahsicht. Spuren im Sand entpuppen sich als Spuren auf einem gefrorenen Flusslaufs,plastische, haptisch einladende bunte Strukturen als Verpackungsabfall unserer Konsumgesellschaft.

What you see is what you get? Von wegen! Diese Beschwörungsformel, der subjektiven Wahrnehmung zu vertrauen, etabliert in der hohen, Pop- und Computerkunst, erweist sich angesichts der Fotografien von Frederick Vidal als grundlegend falsch. Vidal fotografiert, was im Verborgenen unserer Gesellschaft ruht, unansehnlich, unappetitlich und visuell nicht toleriert. Mülldeponien, Kanalisationen, Tierkörperverwertungen, Klär- und Verbrennungsanlagen, die Schattenseiten unseres Lebensstils, stehen im Fokus der Arbeiten des Kasseler Fotografen.

Senkrecht und in sehr geringer Distanz steht er mit seiner altertümlichen Plattenkamera dort, wo der Gestank “bestialisch³ und unbeschreibbar ist, ebenso wie “die Bakterien, die ihn nach dem Besuch einer Kläranlage“ heimsuchten. In seinen Bildern manipuliert, inszeniert, verfremdet er nichts, setzt “keine Effekte, weder Filter noch Unschärfen³ ein, bis auf die Perspektiven, die in ihrer Direktheit ungewöhnlich sind. Ohne die Dokumentation aufzugeben, schafft er ästhetisch ansprechende abstrakte Bilder, “die an Malerei erinnern und von bizarrer Schönheit sind.³ Ein viel versprechendes neues Thema in der Fotografie hat er gewählt, eines, das Abwehr und Anziehung gleichermaßen provoziert.

Zusätzlich werden in der Galerie Fox Objekte vorgestellt, die aus der Zusammenarbeit von Sandra Groll und Frederick Vidal entstanden. Vidals Fotografien liegen hinter Plexiglas, begrenzen die Außenwände besonders hochwertiger, geometrisch genau geschnittener Designstücke, die ihren Gebrauchswert als Möbel erst auf den zweiten Blick erkennen lassen: Um die Fotografie aus der Fläche zu befreien, ihr faktische und nicht nur abbildende Raumwirkung zukommen zu lassen. Gebrauchswert und Kunst, Design und Funktion gehen in diesen kubischen Obejekten eine ästhetisch gelungene und hochwertige Verbindung ein.

Bis 9.10., Galerie Ricarda Fox, Liverpoolstraße 15, 45470 Mülheim, di-fr 15-19, sa 12-16 Uhr

Slava Seidel und Christian Boltanski in der Galerie GAM

2011-09-24T13:49:00.016+02:00

Mit zwei sehr gut fundierten künstlerischen Positionen tiefenpsychologischer Prägung startet die Galerie GAM, nun auch mit zweitem Standbein in Zürich, die

Eröffnung der Herbstsaison in Essen.

Slava Seidels Bilder, in Sepiatusche gezeichnet und mit Einbeziehung alleatorischer Verfahren gemalt, stellen surreale Albtraumwelten dar,Phantasien, die den Grotesken von Tintoretto, Goya oder G.B. Piranesi entsprungen sein könnten. Perspektivisch “unmögliche³, frei erfundene und historische Architekturen aus Renaissance und Barock stellen Bühnen für Menschen dar, phantastisch und von suggestiver Wirkung. In endlos gestaffelten, stürzenden und fliehenden Räumen irren Figuren wie in Filmen umher, einsam, ohne erkennbares Ziel, ohne einsehbaren Grund oder Halt, jedoch getrieben und von traumwandlerischer Sicherheit. Auf der Suche nach dem Nichts wie der Apotheker von Dali oder auf der Suche nach dem Selbst? Einer eindeutigen Interpretation entziehen sich diese z.T. großformatigen und bisweilen beklemmend wirkenden, eindrucksvollen Papierbilder.

Slava Seidel kam aus der Ukraine nach Deutschland und beendete ihr Malereistudium an der HdBK Frankfurt als Meisterschülerin von Christa Näher.

Auch Christian Boltanski, 1944 in Frankreich geboren, hat Wurzeln in der Ukraine. Man erinnert sich an den französischen Pavillion, den er dieses Jahr für die Biennale in Venedig gestaltete mit schwarz-weißen Bildern von Menschen auf raumhoch surrenden Filmspulen.

In der Essener Ausstellung stellt Boltanski mit der Serie “Reconstitution“ entwicklungs-psychologisch typische Kinderaktionen nach: das Versteck-, Cowboy-, Polizeispiel, Stationen, in denen die Kinder sich selbst und ihren Platz in der Welt erkunden. Jede Aktion, mit fiktivem Datum versehen bezeugt des Künstlers Faszination für die Wissenschaft, mit der er persönliche Geschichten von Menschen im Medium der Kunst fotografisch archiviert.

Bis 15.10.2011, Galerie GAM, Kahrstraße 59, mi-fr 12-18, sa 10-16 Uhr

Andrea C. Hoffer und Dorothee Golz in der Galerie Frank Schlag & Cie.

2011-09-20T10:59:00.020+02:00

Andrea C. Hoffer und Dorothee Golz, zwei Künstlerinnen stellen aus, transparente luzide Interieurs und konzentrierte malerische Fotoportraits. Beide formulieren, was traditionell als weiblich bezeichnet wird: Eine harmonisch ruhige Stimmung geht von den Arbeiten aus, die auf selbstverständliche Art Divergierendes integriert, und zwar so, als habe es schon immer zusammengehört.

Andrea C. Hoffer, geb.1964, lebt und arbeitet den größten Teil des Jahres in Trinidad und Tobago. Dort entstehen groß- und kleinformatige Leinwände, die sie aufgerollt nach Deutschland bringt, um sie in ihrem Düsseldorfer Atelier zu beenden. Biografische, multikulturelle Eindrücke, Erinnerungsfragmente, Alltagswahrnehmungen, die Aura von Gegenständen von Gegenständen, Landschaft und Raum bindet sie ein in luftigen Interieurs, die jede Abgrenzung von Innen und Außen, Landschaft und intim wirkender Privatsphäre verschmelzen.Innenräume wirken, als stünde die Zeit still, als seien die Bewohner nur für einen Moment außer Haus.

Es ist die vierte Einzelausstellung der Penck Schülerin in der Galerie Schlag. Mit “moving spaces³ stellt sie aktuelle Arbeiten in Mischtechnik vor, Ei-Tempera, Öl, Acryl, teils wässrig transparent, teils in pastos expressivem Farbauftrag.

Dorothee Golz, geb. 1960 in Mülheim an der Ruhr, studierte 1981 bis 1986 an der Ecole Supérieur des Arts Décoratifs in Straßburg, von 1981 bis 1985 Kunstgeschichte und Ethnologie an der Universität von Freiburg. 1997 nahm sie an der Documenta X in Kassel teil.

Die Ausstellung “digitale Gemälde“ ist die vierte Einzelpräsentation ihrer Arbeiten in der Galerie Frank Schlag mit Arbeiten, die in den letzten sechs Jahren entstanden sind, und zur Werkgruppe der so genannten “digitalen Gemälde“ gehören. Auch hier geht es um den Raum, in dem jedoch Personen im Mittelpunkt stehen. Gesichter aus altmeisterlichen Gemälden von Da Vinci, Holbein oder Vermeer montiert die Künstlerin auf moderne Frauen- und Männerkörper, die man aus Modezeitschriften zu glauben kennt. Epochen, Rollenbilder, Klischees, Malerei und Fotografie verschmelzen zu einem zeitgenössischen und poetischen Bild.

Bis 14.10.2011, Galerie Schlag, di-fr 14-19, sa 11-16 Uhr, Meisenburgstraße 173

Studio Shanghai

2011-07-22T16:18:00.004+02:00

Einen lang gehegten Traum hat sich Colmar Schulte-Goltz erfüllt mit einer neuen Galerie auf der Huyssenallee, ganz nah an der Philharmonie. Dieser geschmackvoll modern gestylte Standort knüpft mit Gegenwartskunst an das Programm im Kunstraum an und erschließt mit dem Angebot hochwertiger Kunstantiquitäten ein neues Publikum. Beide Segmente themenzentriert in kunsthistorischen Schwerpunkten gezeigt und ergänzen sich perfekt.
Den Auftakt bildet „studio shanghai“. Antike Figuren, einzelne Vasen, Schmuckstücke, fast 2000 Jahre alt und entsprechend hochpreisig, werden mit klassisch anmutender Malerei von Liu Gang und Sebastian Heiner gezeigt. Beide Künstler arbeiten in Shanghai, Heiner halbjährig auch in Berlin. Während Liu Gang chinesische Traditionen neu definiert, formuliert Heiner chinesische Erfahrungen in abstrakter Farbe aus europäischer Sicht.
Der Tisch ist das Thema des Chinesen. In Shanghai renommiert und bestens bekannt, stellt er seine flächigen Tische hier einem neuen Publikum in einer ersten Ausstellung vor. Frontal blickt der Betrachter auf hochgeklappte Tischplatten, bemalt mit chinesischen Schriftzeichen und Collagefragmenten aus Briefen, Landkarten, Fotos und Malereizitaten. Verschieden geformte Ornamente deuten die soziale Herkunft des Tisches an. Auf Boden oder Bett, zur öffentlichen Austausch oder privatem Müßiggang aufgebaut, entfaltet er aus der Distanz die Materialanmutung von Holz. Nähert man sich dem Bild, werden die Farbe abstrakt und die erzählerischen Elemente lebendig. Sie berichten vom privaten und kulturellen Umfeld des Künstlers, von der Kulturrevolution, der Familie, kleinen Alltagsfundstücken und malerischen Vorbildern.
Sebastian Heiner thematisiert die Ausdruckskraft der Farbe vor kulturellen Schablonen. Scherenschnitte, Silhouetten mythologische Figuren deuten sich im Hintergrund an, während die Farbe ihr Eigenleben entfaltet: gegossen, gestrichen oder mit der Fliegenklatsche wird sie zu ausdrucksstarken Formationen gebannt.

Bis 27. 8., Galerie goltz, Huyssenallee 85, do-fr 16-20, sa 12-20 Uhr

Zeitgenössische Skulptur

2011-07-21T17:59:00.005+02:00

So wie sie bei der Eröffnung war, ist die Ausstellung nicht mehr zu sehen. Ein großes Objekt von Stephan Marienfeld stand im Zentrum der Schau, eine fast raumhohe Säule aus Edelstahl, in der sich die Arbeiten und die neugierigen Besucher spiegelten. Verkauft, leider, muss man fast sagen, befindet es sich bereits in der Hand seiner neuen Besitzer.
Sommerzeit, Gruppenausstellungszeit? So ist es in vielen Städten, häufig mit dem Effekt inhaltlicher Beliebigkeit. Kann das in Essen anders sein? Ja! Alle der hier gezeigten Gruppenausstellungen präsentieren ein inhaltlich präzises und schlüssiges Programm. Colmar Goltz+Noelte haben zum Thema die zeitgenössische Skulptur gewählt. Holz, Gips, Edelstahl, Bronze, Ready-made, unterschiedlicher könnten die Arbeiten kaum sein. Dennoch fügen sie sich zu einem stimmigen Ganzen, weil alle von cooler, konstruktiver Ästhetik sind, häufig mit ironischem Unterton. Einige der 22 ausstellenden Künstler sind seit etlichen Jahren, andere als Newcomer im Programm der Galerie, zusammen zeigen sie Bandbreite und technische Entwicklung, die es im Medium Skulptur heute gibt.
Mit der Kettensäge bearbeitet Roger Löcherbach sein Material, fräst weg und zersägt, was das Objekt nicht braucht. Meist von filigraner Statur sind die typisierten Figuren, die sich aus Platanen- oder Buchenblöcken schälen, tragen Spuren, Kerben, Kanten auf einer rauen, mit Farbe markierten Oberfläche. Auf einem Tischlein stehen der Aggressive, der Hamoniebedürftige, der himmelwärts Gewandte und die 6 Urlauber lümmeln im Fenster der Galerie. Jeder späht, schaut, sinniert, individuell und scheinbar ohne Kontakt.
Der Tony Cragg-Schüler Suleyman Rzayev dekonstruiert traditionelle Personen- und Herrscherportraits, indem er Physiognomien mit Tonwülsten unkenntlich macht oder gleich einen Affen portraitiert. Frank Bernemann verunsichert Sehgewohnheiten, inhaltlich und perspektivisch, indem er Innenräume in lackierte Holzflächen schneidet, Vertiefungen mit Industriewachs füllt, industrielle und handgearbeitete Flächen natürlich nebeneinander bestehen lässt. „Opiate zum Sonnenaufgang“ heißt sein gekerbtes Holzrelief.
Schon 2007 hat Anja Luithle das Essener Stadtbild bereichert durch ihre große, rote Dame im Schlosspark Borbeck, ein Kleid ohne Figur mit erkennbarem Bezug zu den Äbtissinnen, die die Essener Stadtgeschichte prägten. Mittlerweile ist die Künstlerin in überregionalen Museen repräsentiert und zeigt weiterhin eine gute Portion Humor im Umgang mit Gechlechtsrollenklischees. In Endlosschleife rollt sich die Kravatte rauf und runter. Dazu Reifröcke auf einem Rotor, sie drehen und schütteln sich mit dem Klatschen der Besucher. „A bad day at the office“ denken sich da der Wolf im Schafspelz und der Jack Russell. Eine Friedens-Zigarette auf grünem Plastikrasen rauchen sie, wie die Angestellten vor der Tür ihrer Firma.

Bis 27.8.2011, kunst-raum/ schulte-goltz+noelte, Rüttenscheider Str. 56, di-fr 12-19, sa 10-16 Uhr

17.7.-27.8., James Larsen stellt im Kunstverein Dorsten aus, Wiesenstr.4, m+do15-18, sa 10-15Uh. „Get out of town“...Globale Kulturen begegnen sich in Architekturen, wo geflügelte, bepelzte, Krallen schwingende tierische Protagonisten Zwiegespräche führen.
Bis 7.8., „Now“, Ausstellung Stefan Marienfeld in der Städtischen Galerie Lemgo

Selfmade Landscapes

2011-07-13T16:33:00.001+02:00

Er schätzt ihre Arbeiten und sie seine. Mit dieser Feststellung begannen sie ein Projekt ohne definiertes Ziel, außer dem, zu warten, was entsteht. Das Ergebnis kristallisiert sich in einer wunderbar leicht wirkenden Ausstellung zum Thema Landschaft. "Selfmade landscapes", so der Titel, zeigt, wie Zufall und Konzept, Malerei und Fotografie sich ergänzen, wenn man ihnen Raum zur Entwicklung gibt und die Leistung unterschiedlicher Medien nicht gegeneinander ausspielt. Vertrauen in den Arbeitsprozess und Gelassenheit gehören dazu, und das haben sie: Die Malerin Bianca Müllner und der Fotograf Helge Emmaneel, beide aus Hamburg, sie eine Newcomerin in der Galerie, er mit der zweiten Ausstellung schon etwas länger dabei. 

"Ich mag es, wenn das Auge Dinge zusammensetzt, die auseinandergerissen sind" sagt Bianca Müllner, "wenn der Kopf ergänzt, was man nicht sieht." Beobachten, fühlen, durchdenken, die Verbindung von Innen und Außen zu einem stimmigen Bild, das von der Landschaft, die sie sahen abstrahiert und ihr dabei ein spezifisches Gefühl verleiht, ein dem Zufall der Natur entlockter Moment, in der Kunst konserviert. So kann man das Konzept der Künstler skizzieren. Erfahren sollte man es am besten vor dem Bild. Denn hier wird deutlich, was die Reproduktion vorenthält: Dass es beiden Künstlern gelingt, die Stimmung eines Moments anhand eines Landschaftsausschnitts zu verdichten und im Bild erfahrbar zu machen.

Müllner arbeitet mit kalkuliertem Zufall und der chemischen Reaktion von Farben, die sich abstoßen. Die geschüttet werden, die zu brodeln und dampfen scheinen bis sie reißen, wie Lava, die beim Erstarren Spuren hinterlässt. Manchmal sei sie selbst erstaunt, wenn sie am nächsten Morgen entdeckt, welche Formationen sie nachts auf die Leinwand brachte. Rinnsale, schrundige Krümel, Flocken aus Grundfarben, deren Ursprung man in den vielfältigen Brechungen nicht mehr erkennt. Die dann ergänzt, systematisiert und übermalt werden, bis Täler, Berge, Fels-, Wasser-, Wolkenformationen in Abstraktion konzentriert auf der Leinwand stehen.

Helge Emmaneels Arbeiten muten fast noch mystischer, noch malerischer an. Es sind Fotografien von inneren Orten, die er in der Landschaft findet, die er aufsucht und wartend beobachtet, bis ihm der Lichteinfall für den Ausschnitt gefällt. Ein Licht fixiert er, welches die Landschaft vernebelt und emotional unterwandert, bis sie atmosphärisch verdichtet ihre naturalistischen Details verliert. Manche Motive doppelbelichtet er. Jedes ist analog entstanden, weil digitale Manipulation Emmaneels Seherfahrung zuwiderläuft und weil er den Zufall der Natur braucht, um einen Moment zu fokussieren. 

In einem Sonderraum stellt er zeichnerische Arbeiten aus, inspiriert von Ausschnitten aus Müllners gemalten und geschütteten Landschaften: Gezackte Linien, aufgerissene Horizonte und manchmal bleischwarze Konzentration von Finsternis. 

Aus dem Bestand der Galerie sind im Showroom weitere Arbeiten zu entdecken, kleine Kostbarkeiten von Araki, Paas, Bauer, Meyerowitz, Werling, Zika.

Bis 4.9.2011, GAM Galerie Obrist, di-fr 12-18, sa 10-16 Uhr, Kahrstr. 59

Abstrakte chinesische Kunst

2011-07-12T21:41:00.009+02:00

Chinesische Kunst ist anders, das weiß man. Dass sie jedoch nach der Figuration neue Formen der Abstraktion erzeugt, konnte man so oft noch nicht erkunden. 11 Positionen abstrakter chinesischer Kunst sind in der Galerie Schlag zu entdecken, Arbeiten, die großformatig und endlos wirken, weil sie von selten gesehener handwerklicher Präzision und detaillierter Kleinstarbeit sind. Spontan und schnell entstanden ist keine der hier auf zwei Etagen großzügig ausgestellten Werke. Asketische Wirkung und meditative, ruhige Ausstrahlung entfalten sie. Fast alle sind so fein gemacht, dass sich ein westlich geprägter Mensch die jahrelangen Fingerübungen, auf denen sie basieren, kaum vorstellen kann. Ebenso wenig die Bedingungen, unter denen sie entstanden. In kleinen,  dunklen, beengten Ateliers und in sehr großen, in Ateliers, die von heute auf morgen niedergerissen und ebenso schnell wieder aufgebaut worden sind.

Langsames Arbeiten, endlose Wiederholungen von  Pinselstrichen, Linien, Punkten, Sorgfalt und handwerkliches Können prägen diese Bilder und für viele Künstler muss der Weg ebenso wichtig wie das Ziel gewesen sein. „Slow“ lautet die Devise, das Drosseln der Geschwindigkeit in einer Gesellschaft, wo das einzig Bleibende der Wandel ist. Die zyklische Wiederholung, die Wiederkehr des Immergleichen, einer Linie, eines Punktes, einer Farbverbindung, die sich kaum manipulieren lässt. Es ist der Glaube an „die Verbindung der Dinge“, der zählt, sagt Lao Fu, ein anderer Künstler formuliert ähnliche Erfahrung anders: „ Ich war immer dem Langsamen verpflichtet, der Rhythmus des Lebens in China ist heute extrem schnell.“ (Wang Guangle) Dazu kommt die Erfahrung positiver Selbstbeschränkung. „ Jeder Tag ist anders, aber wir wiederholen bestimmte Dinge immer wieder jeden Tag“ so wie manche Künstler ihre mentalen Körper- und Atemübungen, frühmorgens zur Konzentration bevor der 12-Stunden Tag beginnt. 

Allen Positionen gemeinsam ist, dass sie den Raum, die leere Fläche langsam und sehr nachhaltig füllen. Bis es vollendet, bis ein Bild fertig ist, ein Prozess, dessen Ende man am Anfang nicht absehen kann. Auch der Betrachter, der diesen Bildern ausgesetzt ist, muss langsames Sehen lernen oder er erfährt den Inhalt solcher Bilder nicht. 

Kreuz- und Querstrukturen in Schwarz-Weiß wie bewegte Schlittschuhspuren (Xu Ruotao), in feinen Farblinien auf Tartan verdichtet wie  zu Rohrgeflecht (Ding Yi) oder in meterlang mit der Hand gezogen Linien im rechten Winkel gesetzt von Zhou Yangming. Der Stoff einer Jeans könnte es mikroskopisch vergrößert sein, in China produziert, im Westen getragen und schnell entsorgt. Mit Mischtechnik auf Reisgrund arbeitet Liang Quan, mit gegossenen Ölfarben Yin Ge, Shen Chen produziert feine monochrome, Ma Shuoqing farblich pulsierende, sich öffnende Räume. 

Bis 13. 08., Galerie Schlag, Meisenburg 173, di-fr 14-19, sa 11-16 Uhr

Farbe, Raum, Konzept

2011-07-10T15:17:00.005+02:00

Farbe, Raum, Konzept - das ist konstruktive Malerei zum 25-jährigen Jubiläum der Galerie Schütte. Fanden die ersten der nunmehr 166 Ausstellungen noch in Privaträumen statt, zog der Galerist dann in die Bornraße und von dort in den Essener Süden. Ein „soziostrukturelles“ Kontrastprogramm war es zunächst, doch dies zählt weniger als die Liebe zur Kunst, die ungebrochen den konzeptionell reduzierten, geradlinig klaren Positionen gilt. 

19 Bilder, von jedem Künstler eins, stellt Gerd Schütte zur Jubiläumsschau vor, Künstler, die seit den Anfängen dabei sind, und andere, die er soeben entdeckt und zu fördern beschlossen hat. Wer glaubt, dass sich 19 kreative Individualisten, jeder sein eigener und des anderen schärfster Kritiker, konkurrierend ins Gehege kommen, der hat sich getäuscht. Es ist Gerd Schütte bestens gelungen, konzeptionelle Unterschiede   auszugleichen. Jedes Bild fand seinen passenden Platz, dass trotz anfänglicher Skepsis jeder die Organisation überzeugend und stimmig fand. Nichts wirkt überladen in den schlichten, übersichtlichen Räumen, kein Exponat stört das andere. Ob ihm die Selektion schwer gefallen sei? Bei machen habe er sofort gewusst, welches Bild er brauche, bei anderen hatte er die Qual der Wahl, so der Galerist, der sich zu recht über den Rückblick und positiven Ausblick auf seine zukünftige Tätigkeit freut.  

Und so wurde die Ausstellung, auch das ist guter gegenstandsloser Kunst zu eigen, ein großes bescheidenes Understatement, denn der ungeübte Betrachter erkennt nicht immer, was an einer glattgeputzten Aluminiumtafel, einem Papierschild mit der Aufschrift 20 € oder einer Kiste mit pink gespachteltem Ölüberzug Besonderes sein soll. Vieles erschließt sich nicht auf den ersten Blick und das ist gut so. 

Nicht auf jede Position kann an dieser Stelle eingegangen werden, dafür gibt es einen sinnfällig gestalteten Katalog mit aufschlussreichen Erklärungen. Stattdessen ein paar Impressionen vom Rundgang, bei dem sich Gegensätze kontrastreich ergänzen.

Cathy Jardons Bild „broken“ mit scharf kantigen, intensiv farbigen Quadraten hängt gut in der Nähe von Thom Barths 6-teiligem Ensemble aus kleineren quadratischen Leinwänden, aufgerissen, zerrissen, getackert und rudimentär bemalt, und der Papierarbeit des Österreichers Ingo Nussbaumer, der die Lichtbrechung physikalisch und malerisch erforscht, indem er Farbflächen mit interferierenden Schattenzonen zu Farbräumen konzentriert. 

Klaus Schneider, einen Raum weiter, konstruiert Blindenschrift mit Buchstabenfetzen auf und hinter Glas, während Kurt Ryslavy sein herausziehbares Tafelbild im schwarz lackierten Bildschuber verbirgt, vor dem sich der Betrachter spiegelt.  Ahn Hyu-Ju baut Farbstreifen auf Aluminium zu prismatisch gebrochenen Räumen aus, wohingegen Armin Turks meditativ wirkende Farbfelder pulsieren im Widerschein des Lichts. Daneben hängt eine kleine Scheinlandschaft aus Acryllasuren haarfein gemalt von Wolfgang Bühler, gefolgt von Christiane von Wittgensteins grünfarbiger Latexarbeit auf Papier/Dibond  oder dem „Jeu des couleurs 11“ von Ines Hock. Zurück im Eingangsbereich lässt man den Dialog schwarzweißgrauen Streifen auf der Arbeit von Norbert Fleischmann an sich vorüberziehen oder die an den Rändern ausglühenden Farben von Marita Damkröger.  

Bis 10.Sept, Galerie Schütte, di-fr 14.30-19.00, sa 11-17 Uhr, Essen-Kettwig Hauptstraße 4

Farbe-Raum-Konzept

2011-07-10T15:15:00.001+02:00

Farbe, Raum, Konzept

Farbe, Raum, Konzept - das ist konstruktive Malerei zum 25-jährigen Jubiläum der Galerie Schütte. Fanden die ersten der nunmehr 166 Ausstellungen noch in Privaträumen statt, zog der Galerist dann in die Bornraße und von dort in den Essener Süden. Ein „soziostrukturelles“ Kontrastprogramm war es zunächst, doch dies zählt weniger als die Liebe zur Kunst, die ungebrochen den konzeptionell reduzierten, geradlinig klaren Positionen gilt.

19 Bilder, von jedem Künstler eins, stellt Gerd Schütte zur Jubiläumsschau vor, Künstler, die seit den Anfängen dabei sind, und andere, die er soeben entdeckt und zu fördern beschlossen hat. Wer glaubt, dass sich 19 kreative Individualisten, jeder sein eigener und des anderen schärfster Kritiker, konkurrierend ins Gehege kommen, der hat sich getäuscht. Es ist Gerd Schütte bestens gelungen, konzeptionelle Unterschiede auszugleichen. Jedes Bild fand seinen passenden Platz, dass trotz anfänglicher Skepsis jeder die Organisation überzeugend und stimmig fand. Nichts wirkt überladen in den schlichten, übersichtlichen Räumen, kein Exponat stört das andere. Ob ihm die Selektion schwer gefallen sei? Bei machen habe er sofort gewusst, welches Bild er brauche, bei anderen hatte er die Qual der Wahl, so der Galerist, der sich zu recht über den Rückblick und positiven Ausblick auf seine zukünftige Tätigkeit freut.

Und so wurde die Ausstellung, auch das ist guter gegenstandsloser Kunst zu eigen, ein großes bescheidenes Understatement, denn der ungeübte Betrachter erkennt nicht immer, was an einer glattgeputzten Aluminiumtafel, einem Papierschild mit der Aufschrift 20 € oder einer Kiste mit pink gespachteltem Ölüberzug Besonderes sein soll. Vieles erschließt sich nicht auf den ersten Blick und das ist gut so.

Nicht auf jede Position kann an dieser Stelle eingegangen werden, dafür gibt es einen sinnfällig gestalteten Katalog mit aufschlussreichen Erklärungen. Stattdessen ein paar Impressionen vom Rundgang, bei dem sich Gegensätze kontrastreich ergänzen.

Cathy Jardons Bild „broken“ mit scharf kantigen, intensiv farbigen Quadraten hängt gut in der Nähe von Thom Barths 6-teiligem Ensemble aus kleineren quadratischen Leinwänden, aufgerissen, zerrissen, getackert und rudimentär bemalt, und der Papierarbeit des Österreichers Ingo Nussbaumer, der die Lichtbrechung physikalisch und malerisch erforscht, indem er Farbflächen mit interferierenden Schattenzonen zu Farbräumen konzentriert.

Klaus Schneider, einen Raum weiter, konstruiert Blindenschrift mit Buchstabenfetzen auf und hinter Glas, während Kurt Ryslavy sein herausziehbares Tafelbild im schwarz lackierten Bildschuber verbirgt, vor dem sich der Betrachter spiegelt. Ahn Hyu-Ju baut Farbstreifen auf Aluminium zu prismatisch gebrochenen Räumen aus, wohingegen Armin Turks meditativ wirkende Farbfelder pulsieren im Widerschein des Lichts. Daneben hängt eine kleine Scheinlandschaft aus Acryllasuren haarfein gemalt von Wolfgang Bühler, gefolgt von Christiane von Wittgensteins grünfarbiger Latexarbeit auf Papier/Dibond oder dem „Jeu des couleurs 11“ von Ines Hock. Zurück im Eingangsbereich lässt man den Dialog schwarzweißgrauen Streifen auf der Arbeit von Norbert Fleischmann an sich vorüberziehen oder die an den Rändern ausglühenden Farben von Marita Damkröger.

Bis 10.Sept, Galerie Schütte, di-fr 14.30-19.00, sa 11-17 Uhr, Essen-Kettwig Hauptstraße 4

Animalisch...

2011-07-09T00:10:00.010+02:00

so der Ausstellungs-titel, doch was man sieht, ist so laut nicht, sondern zeugt von eher hinter-gründig leisem Humor. Es geht um Mensch und Tier, um menschliche und manchmal allzu menschliche Projektionen und den tierischen Ernst, mit dem die Vierbeiner sie erdulden.

Exoten in der Geschichte der Kunst waren Tiere seit jeher. Exotisch ist aber auch der Mensch, das „Tier auf zwei Beinen“, der sich unter dem Deckmantel abgöttischer Liebe das wehrlose Wesen unterwirft.

Tierbilder gibt es in fast jedem Atelier, besonders beliebt waren sie nie. Populärer wurden sie, seit der Rokoko-Maler Jean-Baptiste Oudry mit dem Nashorn Clara von Marktplatz zu Marktplatz tourte. Tierbilder fanden sich in Jagdzimmern, hoch geschätzt ist die Kunstgattung bis heute nicht. Verweist sie zu sehr auf die Spezies Mensch und dessen rüden Umgang mit der Natur?

Ausgehend von kunst- und historischen Überlegungen greift Ralf Koenemann das Motiv Nashorn auf, im Aus- und Anschnitt fast lebensgroß, vermalt es mit Farbe und Lack, Materialien, deren Mischung schrundige Schichten auf der Leinwand produziert. Günter Sponheuer dagegen verlegt seine Kampfhähne hinter Schichten aus Glas, jede einzeln bemalt, so dass vorn und hinten bearbeitete Flächen ein dreidimensional schillerndes Abbild widerspiegeln, welches ganzheitlich wahrgenommen werden will. Mike MacKeldey, Schüler von Volker Braun, stellt eine Prüfungsabschlussarbeit vor, zu der sie sich eine Nacht in der Düsseldorfer Kunstakademie einschließen ließ, um sich ganz dem Thema Esel zu widmen. In Drehungen, Verzerrungen und vielfach gebrochenen Übermalungen erinnert das verzweifelt sich windende Tier an Picassos Guernica.

Persönlicher geht Stephan Geisler mit seinen Motiven, den Kühen, um. Rapunzel, die Rapskuh, Gitte, Rosi oder Billy Boy heißen sie und schauen unendlich treu und traurig durch den Betrachter hindurch. Monika Witte zeigt Pinscher an langer Leine, denen die Haare zu Berge stehen, während Kirsten van den Bongaard auf weißen Dibond- Platten Passanten bannt, deren Hunde mit Leine einen ganzen Teil des als Dipthychon gefassten Bildes bilden. Jannis Markopoulos zeigt in surrealen Bildern Tiere fast menschengleich. Vom Affen über den Neanderthaler zum Bodybuilder mutiert oder als Steinzeitpaar würdevoll durch den Präsidentenpalast stolzierend.

Sigrid Nienstedt bleibt mit ihren fotorealistischen Tierportraits so dicht an der Wirklichkeit, dass Windhund oder Dalmatiner, Pinscher oder Boxhund Fragen nach dem Gesicht ihrer abwesenden Herrschaft aufwerfen. Sala Lieber dagegen lässt Affe und Hund in barocker Umgebung auftreten, inmitten von Samt, Seide und Ritterrüstzeug, als stilisierte Zitate von Velasquez Bildern. Auch hier ist die Malweise in jedem Detail altmeisterlich, die Tier- oder Affenschnauze in historischem Ambiente zum Greifen nah. Joanna Jesse distanziert ihr „Mädchen mit Hund“ in kaltem Schwarz-Weiß, während Christa Brenner Huhn, Hund und Hahn in Bronze gießt. Jörg Schirmers Kettenhund aus Holz geschlagen und grün bemalt fletscht stumm die Zähne in Richtung Betrachter und schärft die Krallen.

Eine lehrreiche leichte Schau mit unterhaltsamem Tiefgang.

Bis 15.8.2011, Galerie Klose, Zweigertstr. 3-7, mo-fr 10-18.30, sa 10-15 Uhr

Ab September 2011 auf der Rüttenscheider Straße 221

Christian Hoffmann Horizonte

2011-06-13T20:16:00.004+02:00

Entweder wendet man sich ab oder vergisst sie nie. So unscheinbar diese Bilder auf den ersten Blick sind, so nachhaltig wirken sie, wenn man sich ihnen überlässt. Wenn man vage Stimmungen, Stille, Vieldeutiges aushält und
diffus Dargestelltes nicht definiert, sondern Energie sich entfalten lässt: bis sie im Bild erfahrbar wird, im Licht nur und verschwindet bei Dunkelheit.

Tageszeiten- und ortsabhängig sind die Bilder des Berliner Künstlers Christian Hoffmann und sie funktionieren nicht überall. Manche der Arbeiten habe sie nicht gewollt, bei anderen lange probiert, bis sie schließlich den Platz fand, wo sich die subtile Bildwirkung zeigt, berichtet die Galeristin.

Vordergründig sind undefinierbare Schlamm- und Erdtöne dargestellt, lasierend oder pastos mit pulverisierten Pigmenten vermalt, durchzogen von flüchtigen Farbspuren aus Gelb, Rot, Blau, deren Kombination aus der Entfernung Horizonte aufscheinen lässt, die den Bildgegenstand diffus umreißen. Einen Flusslauf, das Meer, Felsen, Bäume, Gebirgs- und Erdformationen erkennt man, vage, verschwommen im Dunkel des Farbmaterials aufscheinend. Grundlegende ikonografische Motive der Landschaftsmalerei werden aufgerufen, reduziert auf ihre typisierte Erkennbarkeit.

Es sind diese stimmungsreichen Zwischenzonen, die den Künstler interessieren, das Erscheinen von Landschaft im Licht, das Zusammenwirken widerstrebender Elemente, der zerstörenden und ordnenden, Momente von Erhabenheit in der Begegnung von Licht und Dunkelkeit, Raum und Zeit, Fläche und Tiefe im Bild. Ein unfassendes, introspektives Sehen ist hier gefragt, so wie bei den Fotografien von Carsten Klein, der ähnliche Phänomene mit der Kamera zeigt. Beide Künstler vertreten eine meditative Erfahrung von Natur, die an klassische Konventionen, an die der Romantik und die Kategorie des Sublimen anknüpft oder an die amerikanische Farbfeldmalerei. Die totale Abwendung vom Gegenstand oder die abstrakt entmaterialisierte Erfahrung eines Rothko werden hier jedoch inhaltlich gefüllt.

Bis 30.6., Ricarda Fox, Liverpoolstraße 15, 4547 Mülheim, di-fr 15-19, sa
12-16 Uhr

2011-06-05T14:28:00.003+02:00

Ahn Hyun-Ju Malerei

Punktgenau und präzise teilt das Bild die Wand: eine messerscharf formatierte Aluminiumtafel, aus spitzen Winkeln und schrägen Streifen, jeder etwa 4 cm breit, plan und monochrom mit einer Farbe bemalt, deren Bezeichnung man vergebens sucht. Denn sie leuchten wie aus einem
futuristisch anmutenden Katalog, grell, neonbunt oder leicht getrübt, jeden Farbton treffend, variierend, verändernd und dabei mit herkömmlichen Begriffen kaum zu bezeichnen. Denn es gibt sie nur einmal, und zwar im Labor der Künstlerin. Kein Farbstreifen ihrer Bilder hat denselben Ton, und hätte er ihn, könnte man die feinen Nuancen nicht wahrnehmen. Simultan verändern sie sich im Lichteinfall und mit jeder Bewegung des Betrachters vor dem Bild. Die Streifen Daniel Burens, Zitate der Farbfeldmalerei klingen an. Ob die Künstlerin sie bewusst zitiert, bleibt offen, denn zu zielstrebig stringent und ist die eigenständige Kombination konstruktiver und zufallsbestimmter Verfahren. In einer anderen Serie schüttet die Künstlerin Tusche in dreiecksförmig gesetzten Streifen, der Aluminiumgrund leuchtet auf und Farbmischungen, aus der Nähe betrachtet, gehen brodelnde Verbindungen ein. Aus der Ferne sieht es aus als, als ergössen sich Farben in eine Flussmündung. Im hinteren Raum der Galerie bauen sich Bildflächen aus übereinander liegenden Rechtecken auf und ergeben prismatisch gebrochene Farbstufen.

Die südkoreanische Künstlerin Ahn Hyun-Ju, sie lebt in Düsseldorf, ist Schülerin von Helmut Federle, ist eine Neuerwerbung der Galerie und lebt seit 18 Jahren in Deutschland.
Bis 25.6.2011, Galerie Schütte, Hauptstr. 4, Essen- Kettwig, di-fr 14.30-19,
sa 11-14 Uhr

Ivo Lucas my liquid renaissance

2011-06-05T14:17:00.003+02:00

Man kennt Ivo Lucas nicht nur aus internationalen Kunstsammlungen, er ist einer der “ältesten³ der vielen jungen Maler im Programm der Galerie. Er ist ein großer Erzähler, der seine Bildgefüge aus unglaublich vielen Schichten akribisch zusammenbaut. Mit einer Technik, die wie hinter Schleiern verborgen, historische Zeiten, Zitate und Ereignisse enthüllt auf eine malerisch unnachahmliche Weise, die er schon zu Studienzeiten in der Düsseldorfer Akademie vor seinen Mitstudenten verborgen hielt. Kopieren jedoch kann sie keiner, denn dafür ist sie zu vielschichtig, zu dicht, zu gekonnt verwebt. Die illusionistischen Perspektiven und utopischen
Illusionen steigert er stufenweise und in immer neuen Ebenen, mit Zitaten der Pop-Art und Malstilen der Klassik und Moderne, um sie zum Schluss allesamt zu demontieren. Die vielen Farb- und Stilebenen dieser Bilder entdeckt auch der versierte Betrachter nur langsam und Schritt für Schritt. Belohnt wird die Entdeckungsreise wird mit subtilem Humor und einer guten
Portion Erkenntnisgewinn. Aus Ölen, Lacken, Pigmenten und Sprayfarben bestehen diese hybriden Gebilde.

Opern-, Atelier-, barocke Schlossszenen werden in dieser Ausstellung wie auf einer Bühne aufgebaut. Humphry Bogart schleppt seine Partnerin durch den Wald, schwarz ebonisierte Möbelstücke aus der Donaumonarchie, der Dandy mit Monokel, ein Affe mit Barett, alchimistische und wissenschaftliche Gerätschaften sind aufgebaut vor einem fiktiven Rollenportrait des Künstlers als manisch malendes Genie, die Zigarette im Mundwinkel vor einer kolossalen Batterie aus Bier- und Weinflaschen. Der Künstler, der sein Ego erfinden soll, übermalt stattdessen Risse und zeigt, was sich schwer vereinbaren lässt. Privates und Öffentliches, die hohe Schule der Kunst, ihre politische Verantwortung in der Gegenwart, der schnelle Wechsel der Stile im ewigen Zugzwang der Tradition. Die “Atelierszene³ spielt auf die Zeit des Künstlers in der Düsseldorfer Kunstakademie an, auf Albert Oehlen und Max Immendorff, dessen Meisterschüler Ivo Lucas ist. Mittlerweile füllt Lucas 2,50 zu 3.00-meter Formate mit Ein-, Aus- und Durchblicken, ohne dass eine einzige Leerstelle entsteht.

Auch wer die Ausstellung kennt, sollte sie mehr als einmal sehen, denn sie entsteht neu mit jedem verkauften Bild. Im oberen Geschoss der Galerie hängen neue Arbeiten von Alpay Efe, der im September seine erste Einzelausstellung zeigt neben denen von Martin Herler oder den
Understatement-Skulpturen von Michael Dekker. Bronzen patiniert der Cragg-Schüler schwarz, so dass sie wie übereinander geschichtete Fundstücke aussehen.

Bis 25.6. 2011, Kunstraum Schulte-Goltz+Nolte, Rüttenscheider Str. 56, di-fr
12-19, sa 10-16 Uhr

2011-06-05T14:06:00.002+02:00

TRAUM UND TRAUMATA Fünf Malerinnen und ihr Blick auf die Welt

“Kunst ist da, zu zeigen, was viele nicht mögen, die Suche nach oberflächlicher Schönheit ist nicht das Ziel.³ So der Galerist. Dass Klaus Kiefer mit seiner Kunst provoziert, ist bekannt. Dass er eigene Provokationen mit neuen toppt und dabei technisch perfekte Malweisen zeigt, kann man in der derzeitigen Ausstellung sehen. Zum Nachdenken über das Leben regt sie an, auch wenn nicht alles jedem gefällt, denn Kunst ist schließlich auch subjektiv.

Fünf Malerinnen aus Essen, Gelsenkirchen und Berlin zeigen ihre Arbeiten erstmals gemeinsam. Kindheit und Kindheitstraumata, Mythen und Märchen sind die Themen.

“Muss das sein?³, hatte man Hans Helnwein gefragt, als er mit malträtierten, hyperrealistischen Kinderbildern an die Öffentlichkeit trat. “Ja!³, antwortet der Künstler, “denn der Tod bleibt ein Abstraktum, das schwer auszuhalten ist.³

Heike Ruschmeyer, geb. 1955, lebt und arbeitet in Berlin. Pressefotos und gerichtsmedizinische Archive durchforstet sie, neuerdings eigene Fotoalben, die der Familie oder von Freunden. Zutage treten Abbildungen freiwillig oder gewaltsam aus dem Leben Geschiedener, von geschundenen, verworfenen Kindern. Ruschmeyer zeichnet sie analytisch genau, bevor sie alles in schwerer Ölfarbe vermalt, spachtelt, überzeichnet und Spuren von Misshandlung betont, bis das Gewalttätige des Motivs auf der Leinwand steht. In dieser Ausstellung hängen Bilder verstorbener Kinder neben dem Portrait ihres Bruders, die Grenzen zwischen Leben und Tod sind fließend. “Ich hole sie zurück in die Gesellschaft, denn ihr Bild ist noch da. Um es mit Heiner
Müller zu sagen, gehört es zu meinem Demokratieverständnis, sich Gedanken über die Toten zu machen.³

Auch Michaela Classen entzieht sich mit ihrem Werk profitträchtigem Mainstream. Grafikerausbildung, Malereistudium und eine frühe Sensibilität für “magisch-okkulte Konstellationen³ prägen sie. Umso fremdartiger nehmen sich ihre Bilder aus. Knaben stecken in Matrosenkluft, bezopfte Mädchen in Schürzenkleidern, manche tragen Uniform. Emotionslos sezieren sie Tiere, reißen Faltern Flügel aus, verdrehen Köpfe von Katzen, sperren Fische in
Käfige ein. Vorstellungen einer heilen Kinderwelt werden radikal unterwandert und im kalten Stil einer Neuen Sachlichkeit zur Schau gestellt. “Menschen sind keine Engel, sie können brutal, verschlagen, verlogen sein³, so die fünffache Mutter heute erwachsener Kinder. Tatenlos
betrachten die Kleinen ihr schändliches Tun in diesen Bildern, lesbar wie Chiffren kreatürlicher Triebhaftigkeit. Heike Feddern schöpft ihre eigenwillig-fantasievollen Bilder aus dem Fundus
der Mythen und Märchen, verbindet Menschen mit Kobolden, Märchen- mit Fabelfiguren in einer sachlich surreal anmutenden Malweise.

Mit kräftigen Pinselstrichen schafft Bettina Moras expressive psychologische Porträts und Stillleben. Auch sie ist eine Neuentdeckung der Galerie so wie die 1976 in Kasachstan geborene Lilli Hill, die heute in Berlin arbeitet und lebt. Mit ihren nackten Frauenkörpern in barock gesteigerten Formen sprengt sie lustvoll das heutige Schönheitsideal, inszeniert sich in schonungslosen Selbstportraits ohne jedes Tabu. Altmeisterliche Malweise kennzeichnet ihren
Stil, der in Lagen aus Licht entsteht und zum Schluss gefirnisst wird.
bis 31. August 2011, Galerie Klaus Kiefer, Rüttenscheider Str. 59, di-fr
11-18.30, sa 11-14 Uhr

Weibsbilder reloaded

2011-05-24T11:34:00.000+02:00

Es ist kaum zu glauben, wie es der Galerie Klose nach gut einem Jahr gelungen ist, die Qualität einer Schau mit einer Fortsetzung und leicht verändertem Konzept zu toppen. Der Blick auf die Welt aus weiblichen Augen wird thematisiert, jedoch nicht im Sinne überholter Gender-Diskussion. Spannend zu beobachten ist, wie die bekannten Künstlerinnen sich weiterentwickelt haben und wie sinnfällig die neu Entdeckten sich integrieren ins Programm der Galerie.
Maike Gräf aus Berlin stellt Kunstherzen und einen Medusenkopf vor, massiv aus Holz und in abstrahierender Farbe gefasst. Denn die braucht es, um "unherzliche Themen", die sonst "ästhetisch kaum darstellbar sind, distanziert zu betrachten", so die attraktive, zierliche Künstlerin, die im Staub ihres Berliner Ateliers mit Kettensäge und Kränen beherzt zu Werke schreitet, um ihre Skulpturen aus Baumstämmen zu schlagen.
Auch Diana Akoto-Yip mit einem kühlen Schaukasten und Sigrid Nienstedt mit intensiv farbigen Stadtbildern sind neu dabei. Fotorealistisch, kühl und sachlich ist der Blick auf die Horizonte der Stadt und lässt dennoch kaum Objektivierungen zu, obwohl allgemein bekannte Wahrzeichen zu erkennen sind. Die in Hamburg lebende Künstlerin schafft es immer wieder, in konkreten Beobachtungen eine allgemeine Aussage über die menschliche Lebensart aufleuchten zu lassen. Mittels intensiv gesteigerter Farben und einer brillianten Malweise.
Ähnlich geht Sala Lieber vor, die Figuren des spanischen Barocks vor pechschwarzem Grund zu sarkastischen Chiffren über die Conditio humana vermalt. Der Hund, ein Opfer des Menschen, die Hasen als Jäger der Täter, ein Äffchen in höfischer Robe, zusammengepresst in der Hand des Besitzers.
Herrschaftsverhältnisse verkehren sich und weiten sich über Generationen hinweg aus. Wunderbar, wie sie antike Utensilien fotorealistisch vermalt und ihnen Luft zum Atmen lässt. Die motivisch konzentrierende Reduktion hat ihrer jungen Kunst sehr gut getan!
In den mystischen Wäldern von Ellen Dederichs suchen Menschen mit verbundenen Augen Spuren ihrer Kindheit und die Sehnsucht der Romantik vergebens. Die psychologisch aufgeladenen Orte wirken wie bedrohliche Kulissen, die ihre umherstreifenden Sinnsucher schlucken. Auch in Joanna Jesses Bildern in Schwarz-Weiß scheint die Vergangenheit gefährlich auf, hier in Form historischer Spuren der Nachkriegszeit.
Spuren der Gegenwart, von Menschen und flüchtigen Momenten fängt Kirsten van den Bongaard ein, auf weiß glänzendem Dibond Grund in Acryl gemalt. In der Haltung staunender Touristen ziehen die Motive ziehen vorbei, unwiderruflich, so wie man sie nur einmal sieht. Es sei denn, man besitzt eines dieser ästhetisch ansprechenden Bilder.
Kommentarlos, sarkastisch, gut hängen Carol Feuerman's Skulpturenausschnitte an der Wand: Männerhände, die begehrlich an Schlüpfern zerren, ohne das verdeckte Gesäß der Begierde fassen zu können. Eine hyperrealistische Auffassung der Skulptur, die jedes Härchen, jedes Fältchen täuschend echt
imitiert, und damit ganz im Kontrast zu einer klassischen Bronzeversion von Christa Bremer steht. Männliches und Weibliches gehen hier eine konfliktfreie Verbindungen ein.

Bis 25.6.2011, Galerie Klose, Zweigertstr. 3-7, mo-fr 10-18.30, sa 10-15 Uhr

Abstrakte und figurative Menschenbilder in der Galerie Schlag

2011-05-24T11:20:00.001+02:00

Die klassische "Figura", die menschliche Gestalt steht im Zentrum der Schau, in den abstrakt reduzierten Arbeiten von Hans Steinbrenner (geb. 1928) und den realistisch figurativen des 1959 in Italien geborenen Bruno Walpoth. Unterschiedliche Generationen und künstlerische Auffassungen ergänzen sich in einem Moment inneren Gleichgewichts. Beide Bildhauer formulieren diesen auf ihre je eigene Weise.
So kraftvoll, variationsreich und dynamisch die Wirkung, so klar und einfach sind die Formen, die der 2008 in Frankfurt verstorbene Hans Steinbrenner benutzt. Rechteck und Kreis, die Grundformen eines Cézanne werden eingesetzt, weit entfernt jedoch vom Vorbild in der Natur, eingesetzt, um den Formenreichtum der Kunst unabhängig malerisch und skulptural zu gestalten.
Auf Hartfaserplatten und aus dunklem Grund leuchten Farben in geometrischen Formen und verleihen jedem Exponat eine reliefartige Wirkung, so dass man sie berühren möchte, um sie in den Raum hinein zu verlängern. Die seriell gefertigten Kleinformate verstand der Künstler als "Fingerübung" für die großen Bilder und die Skulpturen aus Bronze und Holz, Materialien, die Steinbrenner makellos schwärzte, um Haptik und Form des Objekts zu konzentrieren. Die stereometrischen Grundformen türmen sich in komplexen Positionen und labilem Gleichgewicht auf, jede einzelne, sei sie biomorph oder kubistisch, mit ihrer inneren Konstruktion und äußeren Anmutung im Gleichgewicht.
In sich versunkenen, in einem melancholischen Moment verharren die androgyn anmutenden Holzskulpturen von Bruno Walpoth. Durch Kleidungsfragmente als zeitgenössisch gekennzeichnet weisen sie allgemein zeitlose Züge auf. Mit eingefrorener Gestik und Mimik, regungslos still stehen die hageren Figuren da, die Arme frontal oder seitlich ausgestreckt, angespannt wie in einem Augenblick innerer Rat- oder Hilflosigkeit. Die individuelle Physiognomie mit sinnlichen Lippen, geschlossenem Mund, abgewandtem oder in die Ferne schweifendem Blick verschließt sich gegenüber jedem direkten Kontakt. Während die unbekleideten Körperstellen glatt geschliffen und hautähnlich sind, dominieren in Haar- und textilen Bereichen gröbere Meißelspuren. Ins Holz eingeriebene Pigmente in entmaterialisiertem Weiß oder zarten Pastellfarben entrückten die Figuren in eine einsame, kontext- und zeitlose Sphäre. Dort sind sie ganz für sich in ihrer erhaben Schönheit und Melancholie.

Bis 17.6., Galerie Schlag, Meisenburgstr. 173, di-fr 14-19, sa 11-16 Uhr

Vortrag zu Max Liebermann

2011-05-20T11:10:00.000+02:00

Am kommenden Sonntag, 22. Mai, ab 18 Uhr findet im Atlantic Hotel Essen ein Vortrag von Dr. Jenns Howoldt, Hamburger Kunsthalle, statt: "MAX LIEBERMANN - EIN MALER ZWISCHEN REALISMUS UND IMPRESSIONISMUS".
Dr. Jenns Howoldt ist Leiter der Galerie des 19. Jahrhunderts an der Hamburger Kunsthalle, und Kurator der aktuellen Liebermann-Ausstellung in Bonn und Hamburg. Der Vortrag findet statt im Rahmen von "KUNSTVISITE - Aktuelle Ausstellungen und Sammlungen im Gespräch", Konzept und Moderation Dr. Anke Repp-Eckert.

Einlass ab 17.30 Uhr, Eintritt 8 Euro, Atlantic Congress Hotel, Norbertstraße 2a, 45131 Essen

Weiße, weiche Skulpturen

2011-05-19T14:26:00.000+02:00

"Amygdala", (die Mandel), heißt die Ausstellung und bezeichnet die beiden mandelgroßen Kerne im menschlichen Gehirn, die für die Filterung von Sinneswahrnehmungen und die Steuerung emotionaler  Bedeutungen und Affekte zuständig sind. Um Wahrnehmung, Empfindung und Emotionalität geht es in dieser Ausstellung, die in Kooperation mit der Folkwang Universität der Künste entstanden ist und  Objekte von Jana-Lina Berkenbusch zeigt. Jana ist Exzellenzstipendiatin kurz vor ihrem Abschluss im  Fach Kommunikationsdesign. Die Professoren Martin tom Dieck und Rolf Lieberknecht begleiten sie.

"Ich renne dich um, um dir zu zeigen, wie sehr ich dich liebe!" Aus dieser Idee entstand eine Skulptur, aufgebaut aus schmalen, biegsamen, weißen kantigen Schaumstoffbalken. Unterschiedlich weich oder fest fühlen sie sich an und bilden, so wie sie scheinbar auf dem Boden auseinandergefallen, einen flexiblen Stapel. Einen, den man neu zusammensetzen kann, in den man sich hineinlegen, den man verwerfen, den man sich anverwandeln kann.

Dieses Objekt mutet hart an, ein anderes umgarnt den Betrachter weich mit tentakelartig wuchernden Armen, auch hier ist jede Form aus Schaumstoff und weiß umhüllt mit Stoff. Legt man sich hinein, legt man es um sich herum, dann gestaltet der Betrachter nicht nur die Skulptur, sondern auch die eigene Befindlichkeit. "Heute so, morgen so, je nachdem, was man entdeckt, wie man sich fühlt" berichtet ein Tänzer, der mit und für die Künstlerin potenzielle Wirkungen erprobt. "Bedrängend, klaustrophobisch, indifferent oder distanziert fühlt sich die Berührung des Objekts an, manchmal wie die Gestaltung einer Kindheitserfahrung."

Das nächste Objekt mutet futuristisch an, so wie es von der Decke hängt, glatt gelackt, schlohweiß. Außen schrundig, innen mit Stoffpyramiden ausgefühlt, überrascht es mit widersprüchlichen taktilen Reizen.

Auf diese Entdeckung durch den Besucher sind die Objekte angewiesen, will man sie nicht nur fragend bestaunen, sondern ihre Wirkung erkunden: von innen und außen, durch Begehen, Ertasten, Erliegen, je nachdem wie man sie sich anverwandeln, welche Erfahrung man zulassen kann. Objekte, die einfordern, was im Museum verboten ist, nämlich die Materialerfahrung und die Konstruktion der Skulptur durch den, der sie im wahren Sinn des Wortes begreift.  

Bis 10.6., Ricarda Fox, Kreuzeskirchstraße 29,  45127 Essen, Tel. 0208-3787734, mobil: 0171-8350042,  kontakt@k29-essen.de

Popplanet - eine Ausstellung von Jürgen Paas

2011-04-23T10:58:00.002+02:00

Nun also ist es offiziell. GAM Galerie Obrist baut ein zweites Standbein auf und hat sich dafür Zürich ausgesucht. Eine vortreffliche Wahl: komfortabel das Umfeld, kunstinteressiert das Publikum, hochkarätig die Gesellschaft der dort ansässigen Galerien, kurzum eine Entscheidung, die man beglückwünschen darf. Das Programm in Essen bleibt unverändert erhalten, ausgeweitet wird das Segment Kunsthandel. Und mit Sicherheit sind durch erweiterte Netzwerke profilschärfende Effekte auch für die Tätigkeit hier zu erwarten. Man darf gespannt sein! (http://www.orgalerie.com)

Signalwirkung geht fraglos von der frisch eröffneten Ausstellung aus: Jürgen Paas mit "Popplanet", ein Titel, der neue Akzente setzt in der Galerie und im Werk des renommierten Essener Künstlers. Spielerisch erweitert er den Raum und füllt ihn an mit Farbenergie durch eine künstlerische Geste, die ebenso locker und selbstverständlich wie verschlossen erscheint.
Über 25 Werke sind zu sehen, farbige, geometrische, streng gegliederte, dabei leicht und beweglich anmutende Arbeiten. Es sind Aquarelle, Acryle, Malerei, Skizzenbücher, Bucharbeiten auf Papier, allesamt in verzinktem Stahl gerahmt. Eine hermetische Anmutung strahlen sie aus, obwohl die Intensität der Farbe in Quadraten und konzentrischen Kreisen eine deutlich andere Sprache spricht. Monochrom und dynamisch leuchtet sie in den Skizzenbüchern hinter Glas, mal mit erkennbarem Duktus, mal ohne jede Spur individueller Einwirkung auf klarem, oft weißem oder schwarzem Grund. Flirrende Kontraste oder harmonische Ausgewogenheit stellen sich ein, je nachdem, wie und aus welchem Blickwinkel der Besucher sie betrachtet.

In dem kleinen Projektraum ist die Installation "Popplanet" zu sehen. Quadratische Metalltafeln in verschiedenen Farben, monochrom und hintereinander geschichtet, werden gehalten und gebündelt mit Stahlklammern, die wie industrielle Bauelemente wirken. Einen deutlichen Kontrast stellen sie dar zu den Kreisen in poppigen Farben, direkt auf die Wand der Galerie gebracht. Eine Komposition wie eine Petersburger Hängung, in Reihen geordnet, in spannungsvollem Widerspruch.
Unendliche Vielfalt ergibt sich durch die potentielle Veränderbarkeit der Werke durch ihre Besitzer. Farbspulen, die an Filmmaterial erinnern, sind abspulbar und bilden, einmal in Bewegung, Farblinien im Raum. Ein Effekt, der durch bewussten Eingriff oder Zufall entstehen kann, aber "ebenso berechtigte Resultate zeigt, wie der Farbvorschlag des Künstlers." Jürgen Paas jedenfalls ist einverstanden, wenn ein Käufer die Farbschichten seiner Arbeiten neu ordnet, denn genau darauf spielen sie an. Auf Abwechselungsreichtum, das Sammeln, Ordnen, Verwahren und Präsentieren von Kunst, nicht in einem musealen Raum, sondern in einem Prozess der Begegnung
und Auseinandersetzung.

Im "Sammlerraum" werden Fotografien von Henri Cartier-Bresson gezeigt, in einem anderen Galeriesegment informelle Arbeiten von Bernhard Schultze, dem "Nestor der Nachkriegsmalerei."

Bis 4.6., GAM Galerie Obrist, Kahrstraße 59, di-fr 12-18, sa 10-16 Uhr

Schwimmer und die Schönheit von Einsamkeit

2011-04-07T15:08:00.000+02:00

Accrochage bedeutet die Hängung von Bildern aus eigenem Bestand, im Museum oder einer Galerie, mit dem Ziel, den Dialog der Bilder oder den Blick auf die eigene Sammlung neu zu beleuchten. In der Galerie Schlag präsentiert sich eine Sammlung mit fast 40 Arbeiten, nicht alle sind aus der Galerie. Eine Verkaufsschau für den gefüllten Geldbeutel und den Genießer guter, mit einer Prise erotischer Angstlust gewürzter Kunst. Mit 75.000 Euro liegt eine kleinformatige Schwarz-Weiß Fotografie (19 /13 cm) Cindy Shermans gut im Rennen, ebenso wie die rücklings taumelnden Großstädter von Robert Longo, ein Vietnam-Multiple von Wolf Vostell  oder ein abstrakter Mark Francis.

Im oberen Stock ist der Chinese Zhang Jian mit Landschaften von Houhai und dem Tian An Men Square zu sehen. Vier Stunden mit des Vaters Fahrrad, aber ohne dessen Wissen fuhr er allein dorthin, überwältigt von der Größe, der Berühmtheit, den Farben des Platzes. Zwanzig Jahre später schrumpft dasselbe Motiv zu einem kleinen roten Fleck am Horizont seiner Bilder. Abstrakte, weich verwischte Bilder, in denen der in der Nähe Pekings lebende, international bekannte Künstler die chinesische Tradition figurativer Malerei ebenso hinter sich lässt wie seine eigenen frühen Bilder in zeichenhaft abstrahierten impressiven Stil.
Ästhetisierte Images einer Landschaft schafft er nun, in harmonisch hellen, freundlichen Tönen und reduzierten Motiven. Einzelne Schwimmer im See, emotionslos gegen das Wasser Kämpfende malt er winzig klein und aus großer Distanz. Die "Schönheit von  Einsamkeit" verdichtet er zu einer Ästhetik, die fremdartig entrückt erscheint.

Bis 29.4., Galerie Schlag, Meisenburgstr. 173, di-fr 14-19, sa 11-16 Uhr

Standortsuche

2011-03-31T13:47:00.000+02:00

Wieder ist es Gerd Schütte gelungen, mit wenigen Exponaten und treffsicherer Selektion eine konzentrierte, spannende Ausstellung zu präsentieren. Aus vier Serien zusammengestellt ergeben die Exponate einen fruchtbaren Dialog, obwohl sie anfangs den Eindruck vermitteln, als könnten sie kaum aus der Linse einer Kamera kommen. Inszenierte narrative Fotografien aus dem Werk des jungen Essener Künstlers Sebastian Fritzsch werden gezeigt, denen man ansieht, dass der Klauke-Schüler auch Filmemacher war.

1. Portraits von jungen Menschen in unaufgeräumten Privaträumen, fast lebensgroß. Freunde des Künstlers standen Modell: Eine Studentin vielleicht, einen Architekten, einen Maler vermutet man aufgrund charakterisierender Attribute im Raum: Stapel von Büchern und Papier, Turnschuhe, ein Bett, gerade verlassen vielleicht, Ziegelwerk in der Schafzimmerwand, Farbtöpfe. Intimität wird hier einer irritierenden Objektivierung durch die Kamera unterzogen. Unterschiede zu den Portraitserien von Thomas Ruff können assoziiert werden.

2. Nachtaufnahmen von bürgerlichen Wohngebieten, wie es sie überall in Deutschland gibt: gepflegt die Gärten, dunkel die Häuser, schwach beleuchtet, kurz bevor die Bewohner den Tag beschließen. Menschen sind nicht zu sehen. Aufgenommen hat Fritzch sie in der Nacht, als mit Hubschraubern, Hunden und Wärmebildkameras die Großfahndung nach Heckhoff und Michalski lief, ausgebrochen aus dem Hochsicherheitstrakt der JVA Aachen. Fritzschs Fotografien davon entstanden in Kettwig und Mülheim.

3. Vorstädtisch provinziell und tödlich trist mutet auch die Tagessicht anderer Städte an. Zwischen Brückenpfeilen und Schnellstraßen hindurch gleitet der Blick auf Betonsilos. Zum Wohnen gedacht, taugen sie heute fürs Survival im täglichen Überlebenskampf. Menschenleere, allenfalls ein Stadtstreicher, der sich verlaufen hat. Duisburger Einblicke sind es, wie es sie in jeder Großstadt gibt.

4. Vorbei an einem fast “abstrakten Bild“, ein Flugzeugabsturz in grober Körnung als Hommage an Andy Warhols Katastrophenbilder vielleicht, widmet sich der Besucher den Collagen: Hochwertig mit Passepartout fast nostalgisch gerahmt, zeigen sie Vor- und fotografisches Nachbild sowie einen Begriff, der den visuellen Inhalt auf eine allgemeine Bedeutungsebene transportiert. Hier verfolgt der Fotograf eigene Spuren, die der Kindheit, Jugend, Filmgeschichte.

Bis 7.5.2011, Galerie Schütte, Essen Kettwig, Hauptstr. 4, di-fr 14.30-19.30, sa 11-17 Uhr

Orale Fixierungen

2011-03-31T13:43:00.001+02:00

Nicht nur mit dem Auge entdeckt der Mensch die Welt, sondern als Säugling primär mit dem Mund. Raumsinn und Kommunikation entwickeln sich im “oralen Abtasten der Gegenstandswelt“, im lustvollen, erschöpfenden Einverleiben der Außenwelt.

“Oral fixations“ nennt Karen Hsiao, die in Los Angeles lebende Künstlerin chinesischer Abstammung ihre eigens für die Galerie Fox entwickelte Serie von Fotografien, die sie auf den ersten Blick kaum erkennbaren Übermalungen unterzieht. Darstellungen junger Frauen sind es, konstruierte, künstlich wirkende Rollenportraits, deren Stilisierung fremdartig erscheint. In der Typisierung wirken die Individuen anonym, ein wenig exotisch vielleicht, und das nicht nur, weil die chinesische nicht der europäischen Physiognomie entspricht. Zu ebenmäßig und formschön präsentiert die Amerikanerin makellose Körper und Gesichtszüge, deren jugendliche Künstlichkeit in meist sinnlich verführerische Pose nur getoppt wird von der kunstvollen Stilisierung der Haare. Wie ein Schleier verbergen sie Körper und Physiognomie, sind zu modisch kunstvollen, barocken oder edelpunkigen Schnitten aufgetürmt, bisweilen brav zu Zöpfen geflochten. Vor oder in ihrem Mund halten die Models, die die Künstlerin alle persönlich gut kennt, ebenso stilisierte Früchte: Rettich, Rüben, Kohlrabi, Feigen, Passionsfrucht, Kiwi, rote oder gelbe Beete und allerlei mehr, manche wirken wie ein Füllhorn, andere wie die klaustrophobische Blockade weiblicher Befindlichkeit.
Als Quelle individueller Befindlichkeit begreift die Künstlerin den Mund, als Organ der vieldeutigen Beziehung zur äußeren und inneren Welt, das den Ausdruck von Emotion und Kommunikation, von lebensspendender Nahrung, sexueller Lust und Tod bringender Tabus formuliere. In diesem Sinne verweist die Unmöglichkeit oraler Äußerung, die Verschlossenheit des Mundes in einigen Fotografien auf das Ende oder die Nicht-Erfüllung des Lebens. Dementsprechend ambivalent, mythologisch und normativ aufgeladen ist auch die Bedeutung der Früchte: Reichtum, Verführung, Genuss, Fruchtbarkeit, Rausch, Ekstase, Gift oder Heilung repräsentieren sie.

Zusätzliche kulturelle Bedeutung unterlegt die Künstlerin ihren Rollenportraits, indem sie darauf verweist, dass eine Befreiung zur Individualität noch nicht überall auf dem Globus stattgefunden habe, so in den ländlichen Regionen Chinas und im Denken der traditionsverhafteten älteren Generation.

Bis 14. 5., Galerie Fox, Mülheim, Liverpoolstraße 15, di-fr 15-19, sa 12-16 Uhr

“Picture Gallery“ oder die Bedeutung der Bilder

2011-03-31T13:41:00.000+02:00

Mit einem intelligenten Debut präsentiert Frederic Spreckelmeyer, 26 Jahre alt und künstlerisch schon etabliert, seine erste Einzelausstellung im kunst-raum Schulte-Goltz+Noelte. Illusionistisch ist die Malweise, fein, lasierend, opulent und dennoch immer kontrolliert, Stofflichkeit und Strukturen minutiös betonend. Brilliante Farben beleuchten das Spiel, ein Puzzle im Umgang mit der Kunstgeschichte. Das Thema? Ikonografische Konventionen werden leergemalt und einer ironisch kritischen Neukonstruktion unterzogen.

Déjà-vu Erlebnisse stellen sich ein und begleiten den Besucher mit jedem Bild: ein gestürzter Transformer, fliegende Häuser, drum herum in ovalem Bildformat schwebende Spielzeugfiguren, Düsenjets, Robots, lichtgetränkte Wolkenformationen. In anderen Bildern vor diffus schwarzem Hintergrund werden gold glänzende Helme in grotesker Formation aufgetürmt. In einem nächsten Werkabschnitt erhält der Betrachter Einblick in eine Portrait- und eine Kriegsgalerie mit gesichtslosen Helden, die nur aus Haltung und Status charakterisierenden Attributen bestehen. Dazu gibt es zwei Selbstportraits des Künstlers: als feiner Herr in repräsentativer Haltung mit Blick zum Betrachter, posierend neben “Mr. Atomic“, dem Metallmonster. Wenig später in einem kleinformatigeren Bild stellt Fred, der Künstler, sich als Rocker in Rückenansicht dar, auf der Kutte ein Backpiece mit Totenschädel und Staffelei.
“Kurz ist das Leben, lang die Kunst“. Liest man die Bilder, liest man den Diskurs mit der Geschichte der Kunst, in Komposition, Farbe, den Motiven oder der historisierenden Figurenkonstellation. Bismarck, Lord Nelson, Napoleon, indische und nordkoreanische Kriegsherren tauchen als Hülle, charakterisiert durch ihre Insignien auf, dazu Maler-Koryphäen wie Vermeer, Rembrandt, Velázquez. Goya mit Misanthrop und dem Schrecken der Menschheit wird zitiert, die christliche Ikonografie mit Höllensturz und Himmelfahrt und heiliger Krippe in prekärer Fertigbauweise montiert. Dazu: Repräsentations- und Reiterstandbilder mit Anspielungen auf die tonale Tradition des flämischen, spanischen, italienischen Barock... und noch viel mehr.
Erstaunlich ist, mit welch reichhaltigem kunsthistorischen Fundus der junge Künstler spielt, der in Münster bei Michael van Ofen studiert hat. Die Preise sind zu bekommen zum Einstandskurs - noch!

Im oberen Teil der Galerie hängen neue Exponate bekannter Künstler: Martin Herlers Blütenbilder, die musikalisches Genres vermalen, Roland Schmitz mit Material verfremdenden Plastiken, u.a. dem Autuobahnkreuz Duisburg-Nord aus Neusilber geformt, Alpay Efe mit “Lovely Girl“ oder Wolfgang Kleber mit einem hinreißenden Portrait von Charlotte, diesmal im Großformat.

Bis 30.4. 2011, Rüttenscheider Str. 56, di-fr 12-19, sa 10-16 Uhr

Im Sheraton findet zeitgleich eine Ausstellung von Martin Herler statt, bis 25.4., Huyssenallee 55

Fernher – die Öffnung in den anderen Raum

2011-03-31T13:38:00.000+02:00

Ein fruchtbarer Moment in der Bildenden Kunst ist gemeinhin der, “der das Vorher und Nachher eines bildlichen Geschehens“ einfängt, und schon Lessing philosophierte darüber, wie dies im “räumlichen Nacheinander von Figuren und Farben“ gelingen kann. Mehr als einen zufälligen Augenblick aus dem Fluss der Zeit versinnbildlicht ein solcher Moment, nämlich die Vorstellung zielgerichteter, Sinn stiftender Aktion.

“Fernher“ – die Öffnung in einen anderen Raum“ heißt die Ausstellung von Carsten Klein in der Galerie K29 von Ricarda Fox. Gezeigt werden See-, Wolken-, Gebirgs-, Meer- und Landschaftsstücke, abstrahierte Fotografien mit einer idealtypischen Vorstellung von Natur. In jeder ruht Weite, in jeder wohnt Sinn, jedes Bild verdeutlicht Stille und Ewigkeit. Eingefangen wird genau jener transitorische Moment, in dem Tag und Nacht, Vergangenheit und Zukunft, Raum und Zeit sich begegnen, sich in Ruhe gegenüberstehen. Ein Moment, in dem der letzte Schimmer des Tages im Schwarz der Nacht versinkt oder ein Sonnenstrahl eine Formation vorbeiziehender Wolken durchbricht.

Gezeigt wird eine meditative, pathetische Auffassung von Natur, die an klassisch romantische Bildkonventionen und an die Kategorie des Erhabenen und Sublimen eines Rothko oder Newman anknüpft.
Keine spiegelnde Reflexion auf der mattierten Bildoberfläche der Fotografie trübt den Blick, keine intensiv bunte Farbe stimuliert Gefühl, nicht ein Detail enthält Überfluss. Alles konzentriert sich auf den Prozess des Sehens, des Wahrnehmens dessen, was die Kamera zeigt: Formationen von Wolken, Strukturen von Schnee, Lichtkaskaden und dunkle Landschaften in unbunten Braun- und Grautönen, deren Details verschwimmen in Unwirklichkeit.
Aufgenommen sind die Landschaften unterwegs, in St.Peter Ording, Bayern, der algerischen Sahara, mit einer Großbildkamera und langer, fast malerischer Belichtungszeit.

Bis 31.03. 2011, K29, Ricarda Fox, Kreuzeskirchstraße 29, di-fr 15-19 Uhr u.n.V.

Krisenengel auf großem Fuß

2011-03-31T13:33:00.001+02:00

Unter dem Titel “Machen und Tun“ stellte der von der  Galerie Klose vertretene Künstler Jörg W. Schirmer eine retrospektiv  angelegte Ausstellung mit fast 100 Arbeiten im Kunstforum am  Kopstadtplatz vor. Vom 10.2. bis zum 13. März war die Ausstellung  zu sehen, eine kurze Zeit also für den großen Transportaufwand und die  gute Qualität der oft zentnerschweren, raumhohen Arbeiten aus  Holz,  Birke, Tanne, Fichte, Multiplex. Daneben waren viele farbige Arbeiten in  Öl auf Sackleinen, Leinwand und Hartfaser, vorwiegend aus den letzten 10  Jahren zu sehen, Skizzen, Studien und ausgearbeitete Bilder, die den  Werdegang des Essener Künstlers mit typischen Themen und Motiven  belegen: die auf ganz großem Fuß Schreitenden, mit langem Finger  Greifenden, mit geballter Faust Nachdenkenden. Es sind Figuren, die über  sich selbst hinaus wachsen, sich in den Raum oder um die eigene Achse  winden, rohe Gesellen und fragile Gestalten, die gespickt sind mit  ironischen Zitaten und allegorischen Anspielungen. Aus der  Ameisenperspektive schrumpft der Kopf im “Pyramidischen Akt“, den der  Künstler erfunden hat, um seine Figuren detailliert zu studieren. Denn  naturalistisches Zeichnen, die Kenntnis von Farbe und Form wollen geübt  werden und sind dem Lüpertz-Schüler trotz hochtalentierter Ahnenschaft  nicht in die Wiege gelegt. Sein Ururgroßvater Johann W. Schirmer  (1807-1863) war bekannter Landschaftsmaler und Gründungsvater der  Karlsruher Kunstakademie. Der 2007 entstandene Zyklus “Zukunft braucht  Herkunft“ ist der künstlerischen Herkunft als Hommage gewidmet.  “Weibliche Aktfiguren in knallrosa, grün oder blau schreiten - natürlich  auf den großen Schirmer-Füßen - durch arkadisch anmutende Landschaften,  die wie Werk-Zitate Johann Wilhelms wirken.“ Humorvolle und ironische  Sichtweisen beinhalten sie.

 
Forum Kunst und Architektur, Kopstadtplatz

Winterausstellung mit Werken der Klassischen Moderne

2011-02-22T12:45:00.001+01:00

Eine lichte, freundliche Winterausstellung mit zahlreichen Klassikern der Moderne wird in der Galerie Neher gezeigt. Ungefähr 40, im Kontext sensibel zusammengestellte Arbeiten sind zu sehen, unbekannte von bekannten Künstlern und neu zu entdeckende von nicht so bekannten Klassikern der Moderne. Ölmalerei, Zeichnung, Plastik, optische Lichtkunst sind dabei von Heckel, Macke, Otto Modersohn, Paula Modersohn-Becker, Schmidt-Rottluff, Jawelensky, Münter, Rohlffs, Werefkin, also den expressionistischen Künstlern der Klassischen Moderne.
Abstraktion in der Nachkriegskunst bis zur Gegenwart stellt ein zweites Ausstellungssegment dar mit Künstlern wie: Walter Dexel, Günter Dohr, Piero Dorazio, Ulrich Erben, A.R. Fleischmann, Raimund Girke, Adolf Luther, Heinz Mack, Otto Piene, Ritschl, Ernst W. Nay, Hilgemann oder Jo Niemeyer u.a.
Trotz der bekannten Namen hat man nicht den Eindruck Bekanntes zu sehen. Vielmehr ergeben sich bei einem Rundgang forschende Fragen nach Entstehung, Bezug und Stellenwert der einzelnen Arbeiten in der Epoche und im Werk des Künstlers. Und solche nach dem oft langen Weg, den die Bilder zurückgelegt haben, bis sie beim Galeristen landeten. Wie kommt die Kunst zum Händler? Wie verändert sich im Lauf der Jahre ihr Wert? Und: Warum bleibt gute Kunst aktuell?
Es sind Fragen, die um Wertbestand und die Tätigkeit des Sammelns kreisen, Fragen, die sich ein passionierter Sammler jedoch oft gar nicht stellt. Denn der kauft, was ihm und seinem Geldbeutel gefällt, oder das, was ihm zufällt. So wie Otmar Neher die Zeichnung einer Enkelin Mackes erwarb, die sie anstatt einer baren Erbschaft, in Kartons mit geerbten Arbeiten unter dem Bett bewahrte, bis die Not sie zwang, Verkäufe zu tätigen.

Bis 25.2., Galerie Neher, Kaninenberghöhe 8,

Here and Now

2011-02-22T12:39:00.001+01:00

Eine leichtgängige Ausstellung ist es nicht, eine, wo der Kunde frisch von der Wand Bilder kaufen kann. Zwei kleine Zeichnungen hängen dort und eine Fotografie, eine, die Raumwahrnehmung irritiert und damit das Thema der Schau vorgibt. Eine junge Frau steht auf einem schwebenden Grashügel, hält eine Grasnarbe davon in der Hand, unter ihr ein Schwindel erregender Raum. Undefiniert, so wie man sich das Nichts vorstellt, unendlich, dunkel und ohne irgendetwas.
Drei audiovisuelle Installationen ordnet Julia Willms in der Galerie an, die den Raum und die Sehgewohnheit des Betrachters multidimensional und neu organisieren. Wie konstruiert man den öffentlichen und privaten Raum, wie belebt man ihn oder wird ein Teil davon? Was ist dieses eigentlich unfassbar Nichts, das man mit jeder perspektivischen Verschiebung so oder auch anders sehen kann? Um diese Fragen kreisen die Ausstellung und das Werk der 1974 in Wilhelmshaven geborenen Medien- und Performancekünstlerin, die heute in Wien und Amsterdam lebt.
In Video Nr.1 agiert eine Frau von heute, die C.D. Friedrichs Bild "Frau am Fenster" in seinen raumerweiternden Möglichkeiten spielerisch durchdekliniert. Sie verändert den romantischen Raum von gestern, hängt gemalte Bildausschnitte ab, auf und um, sitzt als Bildbetrachterin im Raum des per Video animierten Bildes, stellt ihn nach, organisiert ihn, öffnet ihn in die Ferne, bis Vögel vorbei und scheinbar durch den Galerieraum schwirren.
Videoinstallation 2 zeigt einen privaten Innenraum mit einen am Nachthimmel vorbei ziehenden Planeten. Wie im Märchen bewegen sich die Räume, durchdringen und verschränken sich, so dass sichere Perspektiven, das Erleben von Innen und Außen, Nähe und Ferne distanziert, analytisch wie die Logik eines Schachspiels erfahren werden können.
Im dritten Ausstellungssegment nimmt der Besucher zu sphärischem Klang innere Farbräume wahr. Erfährt sich selbst im fiktiven individuellen Raum, meditativ, entgrenzt, so er sich auf eine solche Erfahrung einlassen mag. Was also ist diese Welt, in der wir uns bewegen? Ein Konstrukt? Eine Fiktion?

Bis 19.3., GAM Obrist Gingold Galerie, Kahrstr. 59, di-fr 12-18, sa 10-16 Uhr

Kaleidoscope Eyes

2011-02-22T12:33:00.000+01:00

Kaleidoskop Augen, im LSD-Trip geweitet zum Rundumblick von 360Grad! Welch Bewusstsein beschleunigende Perspektiven wären damit erreicht, welch eine Wahrnehmung, die die Welt gleichzeitig und nicht im sukzessiven Nacheinander zeigt!
Über Kaleidoskop Augen scheinen auch die ausstellenden Künstler zu verfügen, holen sie sich doch, scheinbar beliebig, ihre Motive von überall her. Breit gefächert werden Themen und Motive in Öl und Acryl vermalt: Landschaften, Stadtszenen, Portraits, Tierdarstellungen bei Günter Sponheuer, dem Lehrer, Tierdarstellung und Abstraktionen von Städten, Kugelhaufen, Fischlaichen bei Ralf Koenemann, dem Schüler. Doch auch das Lehrer-Schüler Verhältnis ist für diese Ausstellung zweitrangig, da man malerische Verbindungen und Verweise eher vergebens sucht. Ergeben hat sich die Kombination der beiden Maler aus der Organisation der Ausstellung und der Tatsache, dass sie als "Essener Jungs", so der Galerist, mit der Stadt verbunden sind. Der Folkwang-Schüler und Preisträger Sponheuer, Mitbegründer im "Kunsthaus Essen", war lange tätig im Wirtschaftsverband bildender Künstler NRW, Koenemann, der mittlerweile außerhalb der Stadtgrenzen wohnt, schreibt theoretische Bücher über Kunst.
Bei beiden Künstlern zählt mehr die Malweise als das Motiv, die Bildoberfläche mehr als der Inhalt. Denn der, so Sponheuer, "diktiert das Bild". Ob er Grass oder Böll, Ausschnitte von Weiden oder Vorgärten, Landschafts- oder Stadtpanoramen malt, jedes Mal anders ist der gestisch expressive Farbauftrag, figurativ fast oder mit Tendenz zur verwischenden Abstraktion. Vielleicht liegt es an der Alltäglichkeit und einem gewissen Desinteresse Sponheures gegenüber dem Motiv, dass dem Betrachter der Inhalt bekannt vorkommt, so dass man ihn relativ resonanzlos auf seine Besonderheit hin befragt.
Den riesigen Elefantenschädel auf Koenemanns großformatigem, in der Oberfläche aufgewühltem Bild erkennt man nur mit Distanz. Aus der Nähe mutet die Textur wie die einer eruptiven Kraterlandschaft an. Dunkel, brodelnd, glühend, bis zum Bersten gespannt, mit Öl, Lack und verbranntem Material getränkt, was sich chemisch abstößt, aber auf der Leinwand verbindet. Daneben gibt es die in der Oberfläche beruhigten, aber in der Fülle autonomer Details berstenden Bilder, rotierende Galaxien, architektonische Lichtspuren von Großstädten, natürliche Strukturen, wahrgenommen aus verfremdender Distanz.

Bis 20.3. Galerie Klose, Zweigertstr. 3-7, mo-fr 10-18.30, sa 10-15 Uhr

Farbfrische Sensenmänner, nichts bleibt...

2011-02-10T18:06:00.000+01:00

Für zart besaitete Gemüter oder Freunde dekorativer Ästhetik ist diese Ausstellung nichts.

In der unteren Etage: großformatige Bilder, figurativ vermalt, von irritierender, bisweilen unheimlicher inhaltlicher und farbiger Wirkung. In den oberen Räumen: Sculls und Skelette, fast fotorealistisch vermalt, Knochenmänner und Damen in braun-grauen Unfarben, manche von ihnen riechen farbfrisch. So sehr sie sich  ähneln auf den ersten Blick, weisen sie auf den zweiten doch Unterschiede auf. Die Kleidung, das Format, der Knochenbau, manche sehen sehr düster, andere etwas freundlicher aus. Brokatstoffe, Bordüren, Spitzen, charakterisierende Attribute zieren sie, manche sind an Kordeln aufgehängt, andere im klassischen kunstgeschichtlich tradierten Portrait stehend oder sitzend erfasst, wieder andere als Zeichnung postkartengroß. Im Format sich wiederholend hängen sie da, ein bisschen wie in einer anonymen Ahnengalerie.

Wirklich delikat ist die altmeisterlich anmutende Malerei. Haarscharf und monochrom wird jedes Detail erfasst und erzwingt dabei eine unmittelbare Konfrontation. Nah und näher tastet sich der Betrachter an die morbiden Sensenmänner heran, verliert die Scheu, vielleicht auch die Aversion gegen das so sperrige, ungeliebte Thema. Um zu entdecken vielleicht, dass es so schlimm nicht ist?
Eigentlich wollte sie Kriminalpathologin werden, Knochenstücke zusammensetzen, Tathergangs- und Täterprofile erstellen, um den abwegigen Seiten der menschlichen Natur auf die Schliche zu kommen. Heute ist Terry Taylor (geb. 1958) Künstlerin, die der Galerist Frank Schlag vor fast drei Jahren im australischen Melbourne entdeckte, und die auf eine beeindruckende Karriere blicken kann.
"Aus der Kopfstruktur eines lebenden Menschen ertaste ich die Knochenstruktur" sagt sie und aus der rekonstruiert sie Bilder vergangenen Lebens. Und so kommt es, dass jedes Motiv individuell und anders ist, dass bei aller Ähnlichkeit sich keines wiederholt. Sie entwirft fiktive oder rekonstruierte Rollenportraits, um die Aura, die spezifische Atmosphäre einer Person einzufangen, in dem, was von ihr bleibt; oder zumindest bleiben könnte.

Auch bei Johannes Vetters Bildern geht es nicht ganz mit rechten Dingen zu. Profane Realitäten gerinnen in Unwirklichkeit. Ein gemalter Mann steht vor einem gemalten Bild, greift nach dem Inhalt, "Nichts bleibt", so der Titel des Bildes und des Künstlers Schau. Ein anderes zeigt die schwarze Fläche eines gold gerahmten Bildes, darauf ein unheimliches Licht. "Flash", der Titel, gibt Auskunft über den Inhalt und die Vorgehensweise des Karlsruher Künstlers. Fotografien, manche mit Selbstauslöser erstellt, halten alltägliche, jedoch skurrile Ausschnitte fest, die Johannes Vetter (geb. 1979) mit Licht-, Schatten-, Materialeffekten vergrößert, isoliert, verfremdet und in der Bedeutung überhöht, bis die Motive ihren ursprünglichen Inhalt verlieren. Kopflose Männerfiguren, über dem Boden baumelnde Hosenbeine, eine schwarze Katze mit Ketten geschmückt erscheinen als ironische Kommentare einer Welt, die mit ihrer Unmenge an schwer verdaulichen Informationen und Klischees Geheimnisse birgt. Oberflächen, Klischees und kunstgeschichtliche Ikone deckt der Künstler auf, lässt sie nicht ohne Augenzwinkern als Mysterium auf meist großformatigen Gemälden stehen.  

Bis 5.3. 2011 in der Galerie Schlag, di-fr 14-19, sa 11-16 Uhr, Meisenburgstraße 173

Glamour Girls und Kunstgeschichte

2011-02-10T17:55:00.000+01:00

Mit Matthias Köster hat Colmar Schulte-Goltz einen neuen Künstler in die Galerie geholt, keinen New-Comer, sondern einen, der punktgenau das hauseigene Profil trifft. Mit glatten Oberflächen, brillianten Farben und frivolen Themen, fein mit medienkritischen oder kunstgeschichtlichen Exkursen gespickt, bieten Kösters Bilder einen opulenten Augenschmaus: eine sinnliche, bisweilen barock aufscheinende Ästhetik in zeitgenössischem Gewand mit pop-artigen Zügen und leichtem Touch zum Morbiden, jedoch ohne den Glauben an Gott.

Was zählt, ist die Lust an der Farbe. Der Glanz glamouröser Details, von Leder, hochwertigem Stoff und Edelstein, dazu die Verführung durch erotisch aufgeladene Motive der Medienwelt in einer Technik, die ebenso einladend wie distanzierend ist: weil das vordergründig gefällige Thema nicht das eigentlich gemeinte ist. Kein Wunder also, dass neben internationalen Museen auch die Werbewelt diese Bilder schätzt, allen voran Stefano Gabbana.
Mit 2.50 mal 3.70 m Höhe ist das "Atelier" das größte Ölbild auf Aluminium,was es bislang in dieser Region gab. Denn die malerischen und skulpturalen Experimente eines Roy Lichtenstein geschehen weit weg und haben bisher wenig Nachahmer gefunden. Zu teuer, zu riskant ist dieses Material als Trägergrund, hinterlässt doch jeder falsch gesetzte Strich untilgbare Spuren. Doch das ist Kösters Problem nicht. Ausgangspunkt von "dresden atelier" war eine Zeichnung Kirchners, die er zu seinem Bedauern nicht erwerben konnte. Und so blinken hinter den punkigen Vamps von heute autobiografische Anspielungen des Künstlers auf Frenzi, Kirchners Muse und Model, und die 20er-Jahre auf.
Die sichere Handhabung einer alla prima Malerei mit der Brillianz hauchdünn aufgetragener Ölfarben auf Aluminium ist zweifellos die Stärke des Braunschweiger Künstlers, der bei Graubner und Lüpertz studierte, früh schon in New York lebte und dort mit dem DAAD-Preis ausgezeichnet wurde. Professionell nutzt er die Haptik samtiger, transparenter oder glitzernder Materialien, setzt schimmernde Highlights, gestische Farbzeichen, fein fließende, dekorative Linien. Und dann die Motive! Blond, blauäugig, anonym oder als Stars kommen die Damen leicht und leger bekleidet einher, verführen, locken und geizen niemals mit ihren weiblichen Reizen. Marylin,Monroe, Madonna, Michael Jackson, Grace Kelly oder unbekannte "tatoo girls" treten auf, putzen in Dessous, schlummern in seidigem Negligee, tanzen in Strapsen um einen Heinrich Heine gewidmeten Schrein oder das Grab von Claude Debussy. Überlässt man sich einer solchen Zeitreise, entdeckt man viel in
diesen skurril bis surreal akribisch verwebten historischen Räumen.

Ein Katalog ist erschienen und in den oberen Räumen werden Künstler der Galerie in wechselnder Besetzung und neuen Arbeiten ausgestellt.

Bis 12.03., kunst-raum, Essen, Rüttenscheider-Str. 56, di-fr 12-19, sa 10-16 Uhr

Neue Malerei aus Berlin

2011-02-03T13:01:00.000+01:00

Ein großformatiges hyperrealistisch gemaltes Bild im Fenster der Galerie, sieht nicht gerade einladend aus, denn was es zeigt, denkt man, will heute kaum jemand sehen. Oder doch? Eine nackte, noch junge Fettleibige flegelt sich auf rotem Samt, zeigefreudig mit all den rosa und pinkfarbigen Nuancen ihres aus den Fugen geratenen Fleisches. Mit Lust und Freude und sonnigem Gesicht bietet sie es dem voyeuristischen Betrachter preis. Sportstudio ade, denke ich und betrete dennoch die Galerie. Dort begegne ich, der Neugier sei dank, thematisch auch anders gearteter Kunst und einem freundlich schmunzelnden Galeristen.

Klaus Kiefer, dem meine Irritation natürlich nicht verborgen bleibt, verweist auf die perfekte Malweise der 1976 in Kasachstan geborenen Künstlerin und auf die Tatsache, dass diese Bilder hier gut nachgefragt sind. Ein überlebensgroßes Portrait Lilli Hills sorgte schon letztes Jahr auf der Artfair 21 Köln für Furore.  Die Malweise ja, das Thema ist mein Ding nicht, zumal ein Humor, womit Boteró seinen dicken Damen Grazie verlieh, ebenso fehlt  wie der kritische Blick. Oder sitze ich einem Tabubruch auf, der die letzten Züge von Schönheit tilgt, Form, Disziplin, Proportion und Maß, all das, wofür die Kunst seit der Antike kämpft?

Wie dem auch sei, es gibt Interessanteres zu sehen: Die expressive Kunst von Johannes Heisig mit Selbstportraits und Historienbildern der Gegenwart. Ein Erlebnispark, so der Berliner Künstler, verbirgt sich hinter hoch aufgespachtelten Farben und tief gefurchten Pinsel- und Kratzspuren, mit denen der Maler seine gesellschaftsbezogenen Motive freilegt aus einem satten, ölhaltigen Grund, um sie an der Oberfläche des Bildes vage und assoziationsreich anzudeuten. Anstrengen darf sich der Besucher, um Deutungen zu finden: Ein Mann, vielleicht Crack brennend im Dunkel eines Brückenpfeilers, ein anderer, der die Hand aufhält, eine Uhr, ein Mädchen ohne Kopf mit Luftballon, es sind lose gewebte, symbolisch verschlüsselte Großstadtszenen in wunderbarer Farbe, ebenso klassisch wie modern. In anderen Bildern bindet der Sohn und Schüler Berhard Heisigs religiöse

Chiffren und mythologische Verweise ein. Selbstportraits und groteske "Stilleben mit Hammer" gibt es von Johannes Grützke, dem Altmeister der "Neuen Prächtigkeit", zu sehen, intelligent ironische, fein gemalte Szenen von Michael Sowa, ein Interieur "mit Murmeltier" oder ein "Feuerwerk" mit Angela Merkel. Selbstverständlich sind auch Volker Stelzmann, Pavel Feinstein, Torsten Holtz und Heike Ruschmeyer mit neuen verstörenden Kinderportraits dabei.

"Neue Bilder aus Berlin", so der Ausstellungstitel, zeigt wichtige Künstler mit neuen Arbeiten aus der Geburtsstadt des Galeristen.

bis 13. April 2011, Galerie KK Klaus Kiefer, Rüttenscheider Str. 56, di-fr 11-18.30, sa 10-14 Uhr, Fon +49 (0)201 78 82 66

Staunen und Stille

2011-02-03T12:56:00.000+01:00

Entweder geben Besucher lautstark Erstaunen preis oder sie werden ganz still. Manchmal geschieht beides. Denn kaum jemanden lassen Armin Turks Arbeiten unberührt, und das, obwohl sie außer einer pulsierenden, fast monochromen Farbfläche nichts Gegenständliches abbilden. 

An den Rändern klarer verschwimmen helle, gelbliche und blaugrün fließende Farben unmerklich zu einem Zentrum hin. Pigmentnebel sind es, pulverisiert sehen sie aus. Ohne individuellen Duktus gesetzt, verdichten oder lösen sie sich auf und entfalten ihre Energie nicht nur auf der Leinwand, sondern auch im Raum, besonders wenn sie wie in der Galerie Schütte in kühles, taghelles Licht getaucht sind. Fehlt es, nimmt sich die Wirkung der Bilder anders aus. Die zarten Farbnebel glühen auf, trüben ein oder verglimmen bei Dunkelheit. 

Was diese hauchdünn übereinander liegenden Flächen aufscheinen lassen, ist Licht, Licht auf ebener Leinwand durch Farbe gebannt. Manch ein Besucher meint, es gehe "die Sonne auf." Doch mehr noch als das, ist es die immaterielle Erfahrung von Licht, die berührt. Als könne man eintauchen in eine Sphäre, die einen freundlich umfängt und in andere Regionen trägt. Eine erhebende Erfahrung von Zuversicht und Trost ist vor diesen Bildern möglich, so wie es Religion oder das  Erleben von Natur vermitteln können. 

C.D. Friedrich war einer der ersten, der den sehnsuchtsvollen Blick des Wanderers über ein Nebelmeer hinaus in eine religiös metaphorische, tief romantische Ideallandschaft beschwor. Konequent ist, Künstler 200 Jahre danach das Bild entleert, den Inhalt neutralisiert und das Geschehen auf die Fläche und in den Kopf des Betrachters verlegt. Das Erhabene wird bei Turk wird hier subjektiv und wahrnehmungstheoretisch fundiert. Was auf jeden Fall bleibt, ist der Wunsch nach Entgrenzung, der Blick nach innen oder die tendenzielle Auflösung des Subjekts.

Klar also ist, dass die Bilder des Velberter Künstlers schwer zu beschreiben sind. So wie die Farben: Perlmuttgelb oder sollte man sagen hellviolettbraun, Farben, die mit dicken Pinseln aus hellwässrigen Töpfen und Tiegeln schnell, scheinbar spontan und transparent lasierend auf Segeltuch gewischt Höhen, Tiefen, Volumina suggerieren, die mit jeder Bewegung vor dem Bild anders wahrnehmbar sind? Die Weite, Tiefe, Fläche andeuten, wo einfach nur Öl und Eitempera gemischt auf dem Bildkörper stehen? Dem Lärm, der Reizüberflutung heute, soviel ist klar, setzt Armin Turk Stille und Konzentration entgegen, die nachhaltig und hoffentlich nicht

von gestern sind.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, zur Finissage wird der Künstler anwesend sein.

Bis 5.3. Galerie Schütte, Essen-Kettwig, Hauptstraße 4  di-fr 14.30-19.00, sa 11-17.00

Sightzeichen

2010-12-16T14:44:00.000+01:00

Eine abwechselungsreiche, anregende Schau farbenfroh figurativer Kunst gibt es in der Galerie Klose zu sehen. 24 Künstler der Galerie stellen jeder mit 2 bis 6 Arbeiten aus, die Malerei überwiegt deutlich vor der Skulptur. Bilder des Menschen von heute prägen das Thema der fast 70 Exponate unter dem Titel "Sightzeichen".

Das mit 21.600 Euro teuerste Objekt stammt von Carole Feuerman. "General's daughter" oder besser gesagt ihre Büste mit Bikinioberteil und Bademütze schaut auf den Betrachter hinab. Lebensecht fast sieht sie aus die farbige Schwimmerin mit langen Wimpern und Plastiktropfen auf der wächsernen Haut, eine plastische Geste voller Lebensfreude und Energie. 

Wegen großer Nachfrage aus Korea und den USA sind auch die Arbeiten von Kwangsung Park und Ramon Lombarte im Preis gestiegen. "Haben und Sein", so tituliert der Koreaner fast all seine delikat in schwarz-weiß gemalten Bilder, auf denen Landschaften und verwischte Gesichter aus monochrom schwarzen Flächen auftauchen, zart wie Nebel im Morgenlicht. 15.0000 Euro kostet mittlerweile die 40/81 cm große "Summer Siesta" in Öl auf Holz  des Spaniers Lombarte, in dessen schattigen Räumen Licht über weibliche Körper und fließende Stoffe streift.

Fast ebenso edel, aber preiswerter und weniger heiß aufgeladen geben sich die neuen Stillleben von Peter Handel. Auch seine jungen Damen verführen mit Erotik und nackter Haut, doch sind die Farben kühler, die Interieurs klarer, die Accessoires künstlicher. Pinsel, Palette, ein Fläschchen mit Pigmenten fügt er seinen Personen bei, transparente Hüllen aus Samt und Seide werden durch Lack und Leder ersetzt.

Sarkastisch bis ironisch geht es in anderen Arbeiten zu. Der Chinese Dehui Lu parodiert einen Turbokapitalismus, in dem die Welt ächzt und aus den Fugen kracht und Euronoten im Affenkäfig sicher aufgehoben sind. Stefan Geisler lässt durch expressive Farbzeichen Kuhköpfe sprechen, "Gudrun", "Olaf", "Bruno" und Jörg Schirmer den "Schnösel", ein Banker in Birkenholz farbig gefasst. Subtilen Humor lässt Michael Schwarze in kleinen Bronzen bisweilen bissig aufblitzen: Im "Po-Ei" erblickt ein Gesäß das Licht der Welt, der "Kontaktsucher" eine anthropomorphe Gestalt aus  Kopf und Ohr, lauscht händeringend in sich selbst hinein. Zwischen 500 und 4.500 Euro ungefähr liegen diese Arbeiten und damit im durchschnittlichen Preisniveau der Ausstellung.

Vieles sonst gibt es zu sehen. In differenzierter Acryl-Malerei auf schneeweißen Dibondplatten die eilenden, fotografierenden, verweilenden Touristen von Kirsten van den Bogaard, Rotlicht- und Straßenszenen mit Leerstellen von Ellen Dederichs oder Jub Mönster und die expressiven Farbportraits von Titus Lerner und Anton Petz, in denen Köpfe aus Farbschlieren empor wachsen ähnlich wie bei Max Uhlig aus grafischen

Zeichen.   

Bis 5.2.2011, Galerie Klose, Zweigertstraße 3-7, mo-fr 10-18.30, sa 10-15 Uhr

Das Wachsen und Wuchern im Glasgehäuse

2010-12-15T16:23:00.000+01:00

Spröde und sperrig, empfindlich und widerstandsfähig ist das Material, das sie bricht oder schneidet, ein Prozess, der bei aller Übung nicht immer ohne Verletzungen verläuft. Gerda Schlembach baut mit ihrer Kunst auf Glas, baut Gehäuse, die, bei aller Transparenz, den Gegenstand, den sie bergen, nicht preisgeben. Er ist sichtbar, aber nicht greifbar, erkennbar, oft nicht definierbar. Veränderbar ist er, obwohl er fixiert ist, denn mit jedem Schritt, den der Betrachter tut, mit jedem Lichtstrahl, der das Objekt trifft, verändert es sich. Schimmert grünlich, ist matt gebrochen, reflektiert oder bleibt manchmal nahezu unsichtbar.

Verschiedene Werkgruppen stellt die renommierte Essener Künstlerin in der Galerie Schütte  aus: Fragmentierte Gipsabdrücke von Schulter-, Arm- oder Kniegelenken, innen hohl und mit Glasbruchstücken ausgelegt wie ein organisches, natürlich gebrochenes Mosaik. Die zerbrechliche Hülle der Skulptur wird mit Glasbruch haltbar und widerstandsfähig gemacht. 

Handzeichnungen von Blüten, per Computer in Schichten gescannt und dreidimensional simuliert, werden Schicht für Schicht mit Silikon auf Glasscheiben gedruckt, bis ein schwerer, transparent schimmernder  Glaskubus entsteht, der das gezeichnete Objekt  dreidimensional erscheinen lässt und gleichzeitig dem Blick des Betrachters entzieht. Gallertartige Urwesen, wabernde Formationen, Kakteen, Gefäße, Kapseln schweben hinter Glas, die auf die Doppeldeutigkeit der Wahrnehmung und die Vielfalt organischer Mikrokosmen verweisen.

In einer anderen Werkphase baut sie Multiples aus Glasscheiben auf. Jede Scheibe einzeln mit Acrylfarbe betupft oder bedruckt vermittelt den Eindruck organischer Strukturen. Seesternchen, kleine Explosionen, Kontraktionen und alles im Fluss... 

So wie das fotografische Werk der Künstlerin. Gerda Schlembach fotografiert den Blick durch ein Fenster in die Natur durch Stoffrollos hindurch, so dass die Schatten der Dinge bestehen. Andere florale Strukturen  vergrößert sie, setzt sie hinter klares Glas mit satiniertem Rand, so dass dieser wie ein Passepartout erscheint. Oder sie druckt sie gleich auf Backlit. Dann wiederum fotografiert sie organische Prozesse in einer Blumenvase, das Wachsen und Wuchern in einer trüben Unterwasserwelt, die sie vergrößert und in Leuchtstoffkästen fixiert.

Akribisch wie ein Forscher nimmt sie Kontakt mit dem Flüchtigen auf, fängt es ein, verbirgt es, wohl wissend, dass es sich nicht festhalten lässt. Dass sie dabei die Gesetze von Fotografie und Skulptur neu erfindet, sei nur nebenbei gesagt. 

Bis 31.12., Galerie Schütte,  Essen-Kettwig, Hauptstr. 4, di-fr. 14.30-19.00, sa 11-14 Uhr

Listen to your eyes ... Genie!

2010-12-15T16:20:00.001+01:00

Wie bringt man 20 hochgradig individualisierte Künstler dazu, mit ein oder zwei Exponaten eine opulente Gruppenschau zu bestücken? Bilder herzugeben oder eigens anzufertigen, die variabel auf- und abgehängt werden dürfen, nämlich dann, wenn sie verkauft worden sind, um Platz für ein neues Objekt zu machen? 

Das Versprechen vom Glück liefert das verbindende Thema der Schau, dargestellt in und erlebt durch die Kunst.  Und wenn der Betrachter sich in der Galerie fühlt, als ob das Glück von Dauer sei, sei's drum! Gute Kunst macht glücklich, obwohl die Bilder eher das Gegenteil zeigen von dem, was das Glück verspricht.

Intensiv leuchtende Farben gibt es zu sehen, bunte, satte oder sorgsam geglättete Flächen, haptisch einladend und frisch in Öl, Acryl oder Lack auf Holz, Leinwand oder Aluminium. Dazu gibt es Objekte, die inhaltlich und materialtechnisch vergleichbare Qualitäten suggerieren: Ein Aluminiumobjekt in Lack oder Aluminium, spiegelnd glänzend, geschnürt zu unregelmäßig organischer Form. Oder ein roter Stier aus Gartenschläuchen gedreht, der mit dem Kopf durch die Galeriewand drängt. Ein Börsenversprechen oder die Suggestion von Macht zeigen sich hier in alltäglich banalem Material. 

Neu im Programm, hoch gehandelt und  international ausgestellt ist Wolfgang Köster mit Ölbildern auf Aluminium von Stars des Show-Busisness. Marilyn Monroe und Don Quichote begegnen sich oder Kate Moss und eine Kerze, lesbar als Gerhard Richter- oder Barock-Zitat. Instant-Stories als Abziehbilder bearbeitet er, bevor er sie in ihren Leerstellen malt als edle Variante und schwere Ironie eines leichten Kunst Konsums. Alpay Efe ein junger Künstler, der mit altmeisterlicher Technik und zeitgenössischer Thematik überrascht, malt Eva im Gehäuse als Lucas Cranach-Zitat. Overknees sind das fast einzige Kleidungsstück. 

Bekannte Lehrer wie Anzinger, Penck, Daniel Kiefer weist der in New York lebende Hondori auf. Gemalte Collagen des Menschen im öffentlichen Raum, wobei sich Kultureinflüsse aus Indien und Amerika in leeren Gesichtern spiegeln. "Where is your longing for rebellion" fagt Lucia Dellefant, wenn sie stereotypisierte Stadtkulissen in futuristische Atmosphäre fasst, während ein paar Schritte weiter Martin Herler Menschen wie Marionetten auf Rolltreppen zeigt. Stillstand und Bewegung werden eins auf engem Raum, ähnlich wie die Kois von Jan Grothkopp sich im Bildraum kaum orten lassen. 

Unterschiedlich gerinnt der Traum vom Glück: Als sexistische Kautschuk- und Lederphantasie bei Ivo Lucas, als interkultureller Kleinbürgertraum bei James Larsen, in floralen utopischen Landschaften bei Derek Curtis oder in abgründigem Trance bei Roman Weiss. "Lost Hollywood", eine junge Frau in Plastik und Neon gehüllt liegt mit Walkman auf der Straße, der Betrachter friert, sieht er auf der Fotografie ihre nächtliche Gänsehaut. 

Abgründiges erwarten lassen auch die Fotografien von Wolfgang Kleber, dem ältesten Künstler der Galerie. Eine Frau, nur halb bekleidet, allein im Auto am Baldeneysee, der heimische Ort als Tatort oder Schauplatz einer "amour fou"?

Vieles noch gibt es zu sehen. Lassen Sie sich das Video zeigen, wie Sebastian Heiner malt: mit Kübeln voll Farbe und Fliegenklatsche. Den Künstler zog es von Bielefeld an den Puls sozialer Veränderung, nach Peking und Shanghai.

Bis 15.1.2011, kunst-raum, Rüttenscheider Straße 56, di-fr 12-19, sa 10-16 Uhr

Weiß ist keine Farbe

2010-11-30T13:19:00.000+01:00

Weiß ist keine Farbe, Weiß ist Philosophie. Als Summe aller Spektralfarben symbolisiert sie Entgrenzung, Immaterielles, Transzendenz, Reinheit, Unschuld, Vollkommenheit, Wahrheit und Licht, aus dem sie alles Sichtbare gebiert. Als Farbe des Glücks, der göttlichen Ordnung und Kraft ist sie als höchste lithurgische Farbe der katholischen Kirche bekannt. Die Braut, das weiße Opferlamm, die Taube, der weiße Stier, als welcher Zeus Europa erschien, die Assoziationen und symbolisch mythologischen Zuschreibungen scheinen endlos wie die Mutter aller Farben selbst. Leichter, empfindlicher und reiner als alle anderen ist von ihr in unserem Kulturkreis keine negative Bedeutung bekannt.

Kann eine Ausstellung scheitern, die dieser Farbe gewidmet ist? Niemals. Doch wer glaubt, dass Weiß nur gefällig oder willfährig ist, irrt. In diesem Sinne wurde in der Galerie GAM eine Ausstellung zusammengestellt, ausgerichtet von 26 Künstlern, n style=die eine bis drei Arbeiten aktualisiert oder eigens zu diesem Thema anfertigt haben. Was unterschiedlich aussehen könnte, ergibt ein schönes, stimmiges Bild, das neben der Spannbreite der Farbe ein Charakteristikum besonders betont: die Leichtigkeit und Entrücktheit dieser Unfarbe, ihre Kraft, mit der sie Buntes, Grelles, Lautes überstrahlt.

Ein neues Licht wirft die Ausstellung besonders auf die Künstler, deren Werk sonst von anderem Inhalt und intensiver Farbe lebt. Figuratives, Abstraktes, Expressives, Ironisches, Sarkastisches gibt es zu sehen, vom Menschen, der  Landschaft oder in reiner Form, kurz gesagt viel Schönes in dieser Atmosphäre, bestimmt von der Farbe Weiß. Und Kaufbares dazu, denn die Preise sind human.

Helge Jespen, Marcela Böhm, Jörg W. Schirmer, Gerd Kanz, Ayse Arslan, Michaela Schulze-Wehninck, Dagmar Rauwald, Michael Goller, Gaby van Emmerich, Armin Scheid, Barbara Ring, Gabriele Kaiser-schanz, Eberhard Ross, Helge Emmaneel, Thomas Zika, Gabriele Kaiser-Schanz, Jürgen Paas, Dieter Kränzlein, Anja Schreiber, Ralf Bohnenkamp, Robin Horsch, Annette Laudert, Andreas Titzrath, Julia Willms, Peter Schör, Shinchi Tsuchiya, David Alcántara, Danielle Schulte am Hülse, Frederik Jan van Berg und Wiebke Bartsch sind dabei.

Nicht vergessen, obwohl die Tüten fast ausverkauft sind, sollte man die diesjährige Weihnachtsaktion der Galerie. Zum Jubiläum der Galerie kommen 10 Jahre "Wundertüte", kaum zu glauben, wie schnell die Zeit vergeht. Die 26 Künstler und Künstlerinnen der Ausstellung sind mit jeweils zwanzig DinA4 großen, in verschlossenen Umschlägen versteckten, signierten Arbeiten repräsentiert, pro Kunstwerk à 36 Euro zum Thema der Farbe Weiß. Die Kasse klingelte ohne Unterlass, war nach zwei Stunden voll, der Tisch mit den Tüten fast gähnend leer. Doch auch hier gilt: Wer sucht, kann noch fündig werden...

Bis 15.1.2011, GAM, Kahrstraße 59, di-fr 12-18, sa 10-16 Uhr

Die große Nackte, der kleine Voyeur...

2010-11-30T13:08:00.001+01:00

Die große Nackte, der kleine Voyeur, ein Bergmassiv, das im Innenraum liegt, weite Landschaften, dazu Perspektiven, die schwanken, kippen, wegdriften... Nein, man ist nicht in einem surrealen Gemälde unterwegs! Ein solches Etikett gefällt Gama nicht, ebenso wenig wie das der Leibziger Schule, das man seiner Kunst gerne überstülpt. Dafür sind seine Bilder zu lebensnah, obwohl alles fiktiv und vieles bedrückend ist. Eines jedoch stimmt. Psychologisch, sexistisch, phobisch oder unterbewusst aufgeladen sind sie nicht, sondern vielmehr einer ausufernden Phantasie und strengen Disziplin geschuldet. Beide vereint er, im Leben und in seinem Werk, beides hilft ihm, seinen Weg zu finden und sein individuelles Label unverkennbar auf dem Kunstmarkt zu platzieren.

Rätselhaft und unergründlich sind diese ins Großformat ausufernden Bilder. Ein Format, das übrigens seinem Umzug in ein großzügiges Berliner Atelier zu danken ist, ebenso wie das seit einem Jahr erst entdeckte Medium der Zeichnung. Dort erzählt er auf kleinen  Blättern, was gern ins Unendliche wächst. Stories von Zwergen, Riesen und anderen Menschen in unmöglichen Situationen. Auf Fliegenpilzen stehend, ohne Kopf oder Unterleib, mit Tieren oder Pflanzen in Umgebungen mit seltsamem Gebüsch. Viele tragen Pantinen wie ein Harlekin oder einfach einen Farbklecks auf dem Kopf, den man für eine Mütze halten kann.

Die Farben? Gedeckt, lasierend, gestisch, neon leuchtend, opak gedämpft oder schummrig im Lokalkolorit. Die Malweisen beherrscht er. Manche Partien muten wie entlastendes Understatement an: Wenn Flächen lose hingewischt oder figurativ angedeutet sind. Gama gehört zu den Menschen, denen das Leben nicht viel anhaben kann. Nicht weil er verwöhnt ist, sondern weil er diszipliniert nach vorne schaut. Weil er ehrgeizig ist, kämpft, sich nicht aus der Ruhe bringen lässt und arbeitet, wie man es sich hier kaum vorstellen kann. "12 Stunden am Tag reichen nicht." Smart und bescheiden, ist er, doch einer, der weiß, was er will. Und es bekommt.

1977 in einem Dorf der Mongolei geboren, wandert er mit 17 Jahren nach China aus. Lernte Chinesisch in  4 Jahren, eine Sprache, die seiner Muttersprache so wenig wie das Deutsche dem Japanischen gleicht. Von 12.000 Bewerben gehörte er zu denen, die als erste auserwählt wurden. Malerei zu studieren am Lehrstuhl für Europäische Malerei an der Kunstakademie in Peking. Der Drill begann und schadete nicht. Eine perfekte figurative Darstellungstechnik eignete Gama sich an, Körper, Raum, Farbe,

Proportion. Dann stellte sich die Frage: Wohin? Klar war, es musste Deutschland sein, Berlin. Dort kam er mit einer Hand voll Euro an, malte, lernte, hatte das Glück entdeckt zu werden. Rechtzeitig von den richtigen Galeristen und Sammlern. Der Erfolg ließ nicht lange auf sich warten, zumal Gama es verstand, Lücken im Kunstmarkt treffsicher zu erkennen und zu besetzen. Die exotische Ethnonische der Leipziger Schule vielleicht? Die er so gut kennt,  weil er es geschafft hat, den zweifachen Kulturschock fruchtbar zu machen für sich und die Kunst. Heute ist Gama deutscher Staatsbürger. Und er fühlt sich wohl hier.

Bis 12.1.2011, Galerie Frank Schlag, Meisenburgstraße 173, di-fr 14-19, sa 11-16

Ein Koreaner zu Gast bei Klose

2010-11-24T16:53:00.000+01:00

Nicht nur in China, auch bei den Koreanern gilt Kopieren als hohe Kunst. Jahrelang habe er nur Vögel, Berge und Bambus gemalt, bis er die Landschaft als ganze habe darstellen können. Mit Demut und Hingabe kopiert der Schüler den Meister, lernt, übt und verinnerlicht die kulturelle Tradition, bis er schließlich den Lehrer verlässt. Erst dann ist der Schüler reif für die Meisterschaft, wenn er sich von der Geschichte löst, sie integriert in ein eigenes Werk.
Kang Yongmyeon ist auf dem Weg dorthin fast angekommen, "Taking a lesson from the past" lautet der Ausstellungstitel in der Galerie Klose. Dass der Mann aus Seoul sich mit Tradition auseinandersetzt, kaschiert er gut, jedenfalls sieht man es seinem Werk mit den so unterschiedlichen Techniken zunächst nicht an: Kunststoff, Holz, Bronze, Glas, von innen beleuchtet, von außen bemalt, kaum glauben deren Herkunft aus einer Hand. Krieger, aus Holzbalken hervortretende Köpfe und Gesichter, ein Buddha, Tiere in den unterschiedlichsten Konstruktionen und Kompositionen. In ihrer in Wellen gefalteter Oberflächenhaut, mit zackiger Kontur und gezücktem Schwert, grell bunt aus glänzendem Acryl und per LED von innen strahlend, sehen diese Krieger eher wie geklonte aus. Dazu gesellen sich Pferd, Hase und Polarbär, Plastiken aus pigmentierten schrundigen Acrylfetzen wie gedrippte Pollock-Gemälde Lage über Lage systematisch aufgebaut. Ein großer Kopf aus Bronze und Mosaikstückchen und 100 kleine, handgeschnitzte aus Holz, jedes mit individuellem Ausdruck.
Koreanische Materialtradition und die alten Ikonen aus Mythologie und Natur werden transformiert in neue, die sich hier etablieren werden. Als Kunstzeichen aus Korea, die man zu schätzen weiß. So wie der Künstler die deutsche Galerie, die Landschaft und Menschen hier. Er meint, was er sagt, sagt es aufmerksam und mit Sorgfalt. Genauso produziert er Kunst, so schaut er auf das Leben und den Alltag um ihn herum.

Ebenso neu im Programm, ist der in Berlin lebende Ire Mike Mac Keldey, dessen fotorealistische Portraits so lange übermalt werden, bis sie reduziert sind auf den physiognomischen Fingerabdruck einer Person, ein charakterisierendes Muster in einem Moment vor dem Verschwinden in Ölmalerei.  

bis 1.12., Galerie Klose, Zweigertstr.3-7, mo-fr 10-18.30, sa 10-15 Uhr

Kunst-Messen an der Ruhr

2010-11-24T16:51:00.000+01:00

Die C.A.R. (Contemporary Art Ruhr) hat sich etabliert und mit ihr der Name, der heute kaum noch einer Erklärung bedarf. “Sympathisch, kontinuierlich, nicht ohne Kanten“ ist die Messe gewachsen, so der Dortmunder Galerist Axel Schoebe von ART-isotope, der seinen Stand im Erdgeschoss des Sanaa-Gebäudes aufbaut, ebenso wie die Galerie Kabuth aus Gelsenkirchen. Seit Messegründung residieren sie hier mit Malerei und Skulptur, innovativem, durchaus nicht nur gefälligem Programm. Meterhohe Skulpturen, Raumzeichen in labilem Gleichgewicht zeigen sie und kleine, Batterie betriebene, aus Fundstücken filigran gefertigte.
Wo man früher auf die Förderung von Kohle und so gar nicht auf Kunst eingestellt war, blühen heute Kunstmessen, heterogen und eigenwillig wie die Region, in die sie gepflanzt worden sind, als zukunftsweisendes Zeichen sozialen Wandels. Als ehemals exotischer Fremdkörper auf weltkulturgeschütztem Zechengelände zieht die C.A.R. mittlerweile Menschen an: Messebesucher aus Belgien, Holland, dem Rheinland, aus Köln von der Art Fair 21, Quadriennale Besucher aus Düsseldorf und nicht zuletzt neben einigen Sammlern authentische Kulturhauptstadtbesucher- und bewohner, die sich ein solches Event nicht entgehen lassen, und mit Kind und Kegel vorbeigeschlendert kommen.
Warum dieser neutrale, nicht unkritische Blick? Weil man es hier nicht nötig hat, sich aus falsch verstandenem Lokalpatriotismus über den Klee zu loben, ebenso wenig wie man sein Licht unter den Scheffel stellt. Man ist offen für eine nüchterne Bilanz, und die sieht, besonders im Kulturhauptstadtjahr, positiv aus. Eine um 30% gestiegene Besucherzahl, die Verdoppelung der Aussteller im Vergleich zum Vorjahr mit Zuwachs aus Ungarn, Paris und Los Angeles sprechen für sich. Zu hoffen bleibt, dass dieser Trend auch die nächsten Jahre hält, was er verspricht.
Besonders zufrieden haben sich die Essener Galerien mit einem Gemeinschaftsstand in der Halle V. gezeigt. Die anfängliche Skepsis wich eindeutiger Begeisterung. An die 20 Bilder und Objekte hat der Kunstraum verkauft und auch die anderen Galerien wie Klose, Obrist, Schütte, Schlag, Heimeshoff und Kiefer waren mehr als zufrieden mit dem Verkauf und der konzentrierten Präsentation qualitativ hochwertiger Kunst. Dazu die Kommunikation mit Kunden, neue Kontakte sowie die unerwartet hohe Besucherzahl. “Wahre Ströme waren es anfangs“, doch nicht alle schienen im ersten Stock des Sanaa Gebäudes angekommen zu sein. Samstag war man dort weitgehend unter sich. Hier wurde ein unzureichendes Ausstellerverzeichnis moniert, das den Besucher mehr umherflanieren als gezielt nach Bekanntem suchen ließ.
Die Qualität der Kunst? Gut war sie und dabei so heterogen wie woanders auch, aber im Preis-Leistungsverhältnis mehr als solide, besonders im Vergleich zu anderen Messen mit deutlich höherem Preisniveau.
Als sinnfällige, nützliche Kooperation erwies sich der von Mercedes gesponserte Shuttle-Service, der es möglich machte, trockenen und nicht ermüdenden Fußes die Strecken von einer zur nächsten Kunsthalle zu überbrücken. Um frisch zu bleiben für die Landschaftsbilder, die neben der Kunst aufziehen: Novembernebel über grasbewachsenem Zechengelände, schwarzweiße Wolkenberge zwischen Fördertürmen, verwitterte Farb- und Materialspuren auf Wänden aus Beton. Das Gelände ist schön, es ist spröde und immer noch wild. Und die vielfach ausgezeichnete Architektur, industriell oder in puristischem Design, bedarf in ihrer kontrovers monumentalen Ästhetik keinerlei Kommentars.
Verbesserungsvorschläge? Auch die gibt es, und zwar nicht nur von mir. Größere Stände, gleichmäßigeres Licht, professionellere Kundenbetreuung, ein systematisches Ausstellerverzeichnis... aber man ist auf dem Weg!

Ähnliches gilt für die Kuboshow in den Herner Flottmann Hallen. So der Besucher sie fand, hatte er zunächst das Gefühl, über einen Flohmarkt zu spazieren. Auf braungrauen Stellagen und ungestrichenen Wänden hing figurative Kunst, vorwiegend Malerei, deren Qualität jedoch deutlich besser war als die Präsentation. Auch hier herrschte Zufriedenheit mit Besucherzahlen und dem Verkauf.

Kois und die Braut in Weiß

2010-11-24T16:32:00.000+01:00

Drei Ausstellungen unterschiedlicher Technik und  kunstgeschichtlicher Ausrichtung hat Colmar Schulte-Goltz in seinem Haus kuratorisch erfahren mit eleganter Hand elegant zusammengeführt: Malerei, Fotografie, Radierung.

Jörn Grootkopp, Jahrgang 69, Meisterschüler Max Uhligs mit  Studium an der HfBK Dresden und internationaler Ausstellungstätigkeit,  hat früh schon Kunstpreise und Stipendien im In- und Ausland abgeräumt.  Warum das so ist, belegt diese Ausstellung: Stilisierte Ästhetik,  innovative Technik, subtil humorvolle Gesellschaftskritik im figurativen  Gewand, es sind einige der Kriterien, die sich die Galerie auf die  Fahne schreibt. 

Die Braut in Weiß, der Bräutigam in Schwarz, mit strahlendem Lächeln  muten sie wie Statisten ihrer eigenen Hochzeit an. Dass Weiß in Asien  die Farbe der Trauer ist, sei nur nebenbei erwähnt, denn der  Exportschlager der Braut in Weiß hat sich mittlerweile auch in China  etabliert. Er, dessen malerisch verwischten Zügen man die europäische  Herkunft ansieht, hält sie so wie sie ihn, nämlich stolz wie ein neu  erworbenes Statussymbol. Und das sind die beiden füreinander auch, denn  der festliche Schritt über kulturelle Grenzen hinweg in ein privates  Leben zu zweit ist heute gewagter und risikoreicher denn je. 

Als Assistenzfiguren für der Unvergesslichkeit eines großen Ereignisses  fungieren Kinder. Gedankenverloren spiegeln sie das große Glück,  glaubhafter als die erwachsenen Gäste, denen schon eher ein skeptisches  Lächeln unterläuft. Sie alle malt der Künstler in seiner brandneuen  Serie “Honeymoon“, die hier mit den Kois konfrontiert wird, japanischen  Zuchtfischen, Staussymbol der gehobenen Schicht. Ohne Wasser, Bassin und  Grenzen schweben sie im luftleeren Raum, kreisen umeinander und  formieren sich, ein Mikrokosmos, gesteuert von unsichtbarer Hand. 

Dazu kommen Bilder von “Anna“ und “Eva“, alltägliche Impressionen aus  der Zeit, als sich des Künstlers Atelier über einem Club Prrivée befand.  Das Spiel mit Individuellem, Typisiertem und Privatem kennzeichnet ihre  Portraits sowie eine distinguierte, dezente Form aktueller Aktmalerei. 

Die Malweise? Schichten lasierender Ölmalerei, monochrom fast mit viel  Weiß, kaschieren den figurativen Gegenstand bis er verschwimmt, sich  verliert in der Abstraktion und Kontur gewinnt in der Dunkelheit. Dann  erst leuchten die Farben und differenzieren ihren Ausdrucksdruckswert.

Paris und die Liebe zur Fotografie 

Im oberen Stockwerk der Galerie werden mit Wolfgang Klebers Arbeiten  Fotografien einer Liebe zu Paris gezeigt. Ein Zeitraum von 1968 bis 2010  wird erfasst, die frühen Impressionen in Schwarz-Weiß, die der letzten  Jahre in Farbe. 

Seit 1968, zunächst zum Zweck der Dokumentation als  Industriefotograf u.a. des Hoch-Tief Konzerns, später vom Willen zu  unabhängigem Kunstschaffen gepackt, durchstreift der Künstler die Stadt.  Weitläufige Straßen, verwinkelte Gassen, private Szenen, Einblicke in  das eigene Schaffen werden gezeigt. Die Arbeit mit dem Model in  Interieurs, vor Spiegeln, Vorhängen und Fensterausschnitten fängt er  ein, komprimiert zeitgenössische Details, schnittige Fahrzeuge,  stilvolle Fassaden, windschiefe Theaterentrees oder intime  Zimmerausschnitte. Die Swinging Sixties auf dem Champs-Élysées, das  Liebespaar beiläufig vor dem Ausschnitt einer Weihnachtsdekoration, das  öffentliche Leben auf dem Place de la Concorde, der Künstler ist der  Stimmung, der Atmosphäre, der eigenen Biografie auf der Spur.

Zu Blöcken gehängt verdichten die Fotografien den Lauf der Zeit und die  Veränderung der Stadt. Der Künstler als 22-Jähriger, der sein Model  nicht bezahlen kann, das Bild im Bild ergibt ein mehrfach gespiegeltes privates Panorama im gesellschaftlichen Raum. Die Museumsbilder zeigen  Kopisten bei ihrer minutiösen Arbeit oder ermattete Museumsbesucher im  Schatten einer nicht vorhandenen griechischen Skulptur. Flics,  Fensterputzer, Privat- und Businessleute beleben die "Straßen der  Stadt", den damit umfangreichsten Block der im modernen Print gefassten Fotografien zu einem Preis von 320 Euro. 

Die neuen Arbeiten zeigen neben Details den Panoramablick. Das Auge  schweift in klassischer Zentralperspektive von oben über das Blau der  Stadt, die Fassade von  Notre-Dame, zoomt sich in die Kuppel des  Invalidendoms oder über den Eiffelturm, eine mystische Ikone vor  dramatisierter Wolkenformation. Selten kommt es vor, dass der Fotograph  mit Photoshop nachgeholfen hat. Bei alldem spielt er mit dem  herkömmlichen Parisklischee, der Stadt der Liebe und der des  einschneidenden sozialhistorischen Wandels. 

Ergänzt wird das Bild mit wunderbaren, unbekannten Radierungen von Cézanne, Renoir, Manet, Chagall und Max Liebermann. Selbstbildnisse,  spielende Kinder, das Portrait von Baudelaire werden in zeittypischer Rahmung gezeigt. 

bis 15.10, kunst-raum/ Schulte-Goltz + Noelte, Rüttenscheider Str. 56, di-fr 12-19, sa 10-16 Uhr

Das Geheimnis des malenden Affen

2010-11-24T16:22:00.000+01:00

Nichts gibt es auf den Bildern, was es sonst gibt, alles ist Kunst, obwohl Motive aus dem Leben gegriffen und figurativ detailliert vermalt worden sind. 

Mutation, Transformation, Kombination, unmöglich, surreal,  absurd und dennoch wirken diese abgründigen Fiktionen wirklichkeitsnah.  Denn die Eingriffe, die Pavel Feinstein mit nahe an der Realitätsgrenze  vornimmt, sind ebenso treffsicher wie monumental mit einem  Irritationsgrad, der plausibel und deswegen nahezu natürlich wirkt.  Manche dieser Wirklichkeitsverschiebungen fallen auf den ersten Blick  kaum auf, sind auf den zweiten kaum zu beschreiben und auf den dritten  nachhaltig beunruhigend. 

Diese Ausstellung des in Moskau geborenen, seit  1980 in Berlin lebenden Künstlers hängt - wo könnte es anders sein? - in  Klaus Kiefers Raritätenkabinett. Und natürlich ist alles altmeisterlich  fein vermalt, technisch gekonnt, humorig sarkastisch, von großer  Akribie und hoher Suggestion. Auch für den, der versucht, sich diesen  Bildern zu entziehen, weil er das reale Unheimliche, das bedrohlich  Numinose, das, was ihn in Traum und Wirklichkeit jederzeit anfallen  kann, nicht erträgt. 

Pavel Feinstein, dem großen Altmeister der Gegenwart,  wurde diesen Sommer im Osthaus-Museum Hagen eine große, gut besuchte  Ausstellung mit rund 80 Bildern beschert. Dass einige davon und darüber  hinaus heute noch bei Klaus Kiefer zu sehen sind, ist dem Einsatz des  Galeristen und dessen eigener Sammlertätigkeit zu danken. 

Aktdarstellungen, Porträts, Stillleben mit  verhüllten Fischen, Figurenbilder mit malenden Affen und an biblische  Historien erinnernde Szenen sind zu sehen, in denen Feinstein  Meister wie Goya zitiert und sich ironisch sarkastisch mit der Kunst und seinen jüdischen Wurzeln auseinandersetzt. 

Die Opferung Isaacs ist eine wüste, bizarre Szenerie, eine in  sich verschlungene Figurenkonstellation, in der ein Mann mit Hut lüstern  das Messer zückt. 

Ein Affe, traurig melancholisch, mit Pinsel und Palette hat auf der  Leinwand gerade den ersten blutroten Strich gesetzt. Anfang oder Ende  des Bildes? Eine Persiflage auf die Malerei, in der alles möglich ist?  Gesellschaftskritik oder deren ultimativer Abgesang? 

Was hier noch der Sprache zugänglich ist, bleibt auf anderen Bildern im  Rätselhaften. Ein auf einer Schale liegender bandagiertes fischartiges  Fabeltier glotzt den Betrachter mit menschlichen Augen an. Das Messer  steckt senkrecht im Schweizer Käse, eine Birne ist aufgeschlitzt. 

“Klaustrophobische Kammern  sind es, in denen Gläser, Schalen, Früchte in rätselhaften Arrangements  auf Tischen stehen, als hätte  ein verrückt gewordener  Monomane immer wieder von Neuem und vergeblich versucht, die Stillleben  von Paul Cézanne und Pieter Claesz nachzustellen. Wie  die Erde um die Sonne kreist Pavel Feinsteins Bildwelt um den Gedanken  der Opferung, der ja latent in jedem Stillleben mitschwingt, und die  unerfüllte, vielleicht ja unerfüllbare Sehnsucht nach Erlösung. Pavel  Feinstein ist der Maler einer unerlösten Welt, eitel, und grausam,  lüstern und sündig wie die Affen. Unerlöst“ (verändert nach Manfred  Schwarz, in: Die Zeit vom: 26.08.2010)

bis 31.12., Galerie Klaus Kiefer, Rüttenscheider Str. 56, di-fr 11-18.30, sa 10-14 Uhr

Virtuelle Natur auf Leinwand gebannt

2010-11-24T16:12:00.000+01:00

Wie Fotografien oder filmische Szenen muten die von Hand gemalten Bilder an, reglos wie ein eingefrorener Moment, Naturausschnitte in weichem und hartem Schwarz-Weiß. Zweige, dichtes Geäst, fließende Blätter sieht man, hermetisch geschlossen in undurchdringbarer, dennoch geordneter Formation. Ein großformatiges Bild öffnet durch Blattwerk den Blick auf einen See mit aufblitzenden Lichtern in nachtschwarzer Dunkelheit.  Eine Aufnahme, meint man, geschossen  durch ein  Nachtsichtgerät. Das könnte es auch sein in der ersten  Phase im Bildbearbeitungsprozess.

Fotorealistisch exakt  gemalt ist jedes Detail, plan und glatt die Oberfläche auf Leinwand oder auf Aluminium hinter Wachs. Einige kleine Arbeiten, in tiefe Rahmen gefasst, werden wie Preziosen präsentiert, Sammlerstücke, die Unterschied und Besonderheit eines jeden Details belegen in einem scheinbar fragilen Idealzustand ästhetischer Perfektion.

Geboren 1971 gehört Thomas Henninger einer Künstlergeneration an, die in der Anwendung digitaler Bildproduktion technologisch bestens bewandert ist. Und so klont er, der sich vor dem Malen der Bildhauerei verschrieb, seine Bilder per Mausklick am Computer. Er setzt mit dem Cursor den ersten Strich, dann ein Detail im Hintergrund, dessen Perspektive der Künstler einnehmen kann, um das, was im Vordergrund fehlt, zu ergänzen. Um herumzuwandern im virtuellen Bildraum, der dreidimensional und voller Überraschungen ist, weil jede Ecke des Bildes so, aber mit jedem Handgriff auch anders ist, grenzenlos in der Menge möglicher Details.
Romantisch sind diese Bildwelten nicht, sondern eher vom kühlen Hauch perfekter Konstruktion durchweht. Sie sind voll von perspektivischen Frakturen und Spiegelungen, die Erinnerungen aufrufen, um sie zu transformieren in Fiktionen darüber, wie Wirklichkeit sein könnte, aber niemals war. Was diese Gemälde verkörpern, ist ein ganz neues Ideal. Die Sehnsucht des Individuums jenseits von Religion und Transzendenz im Medium virtueller Welten sein eigener Schöpfer zu sein. Eine prometheische Vision ins 21ste Jahrhundert gebeamt? Das wäre zu viel. Denn im Dickicht dieser technisch versierten Bilder wartet das Obskure, das die Berechenbarkeit einer komplexen Welt in Frage stellt.

Bis 8.1.2011, Galerie Fox, Mülheim, Liverpoolstr. 15, 0208-3787734

Gallery Guide 4/2010 online

2010-11-04T14:03:00.000+01:00

Der aktuelle Gallery Guide zum vierten Quartal im Kulturhauptstadtjahr ist hier in der Onlineversion zu finden, viel Freude beim Blättern:

Open publication - Free publishing

Essener Galerien auf der C.A.R. Contemporary Art Ruhr

2010-10-28T11:27:00.000+02:00

Freitag, 29.10.2010 ab 20h, ist die Vernissage der C.A.R. Contemporary Art Ruhr. Mit einem gemeinschaftlichen Auftritt fördern in diesem Jahr erstmals auch die Essener Galerien diese noch junge und aufstrebende Kunstmesse der Ruhrstadt. In der Halle 5 sind die acht folgenden Essener Galerien anzutreffen:
Galerie Ricarda Fox / K29
mit Thomas Baumgärtel, Ottmar Hörl, Oliver Jordan, Laurentz Thurn u. Hilke Turré
www.k29-essen.de

Galerie  Heimeshoff - Roger Schimanski 
mit Gisoo Kim, Wang Shugang
www.galerie-heimeshoff.de 

Galerie KK Klaus Kiefer 
mit Michaela Classen, Heike Feddern, Pavel Feinstein, Johannes Grützke 
www.galerie-kk.de 

Galerie  Klose 
mit Joanna Jesse, Kirsten van den Bogaard, Jörg W. Schirmer;                    Kwangsung  Park 
www.galerie-klose.de 

kunst-raum  schulte-goltz + noelte 
mit Alpay Efe,  Jörn Grothkopp, Martin Herler, James Larsen, Stephan  Marienfeld , Roland Schmitz
http://www.kunst-raum.net

GAM Obrist Gingold Galerie 
mit One-Artist-Show Marcela Böhm
www.obrist-gingold.com

Galerie Frank Schlag & Cie GmbH 
mit Eva  Schwab, Katrin Heichel, Dorothee Golz, Caro Suerkemper, Andrea C. Hoffer
www.german-modern-art.com  

                   Galerie  Schütte 
mit One-Artist-Show Nina Brauhauser
www.galerie-schuette.de

Website der C.A.R. Contemporary Art Ruhr

Holzdrucke von Felix Droese bei Frank Schlag

2010-10-13T19:54:00.000+02:00

Droese wäre nicht Droese, wenn er nicht sarkastisch, drastisch, deutlich, Gesellschaftliches mit Privatem, Alltägliches mit Skurrilem, Allgemeines mit Besonderem verbände. Denn seine Weltsicht formuliert Einsicht und gleichzeitig Überblick über die Geschichte der Welt und die Gesellschaftsform, die sie prägt. Als Aktions- und Vollblutkünstler, geprägt durch die Studentenbewegung und einen bekennenden Hang zur alltäglichen Anarchie, entwickelt er einen provokanten, medienwirksamen, einen demokratischen Kunstbegriff. Als erster Aldi eigener Künstler, der in Akkordarbeit von Künstlerhand signierte, aber nicht den Druck vom Werk des Künstlers, sondern dessen Passepartout, auf dem es gerahmt für stolze 12.99 Euro unter die Kunden kam. Um Stunden später bei e-bay für 50 Euro versteigert zu werden.
Frank Schlag kennt den Künstler schon lange und richtet ihm derzeit mit 30 Drucken vom Holz aus der Zeit von 1985-2010 die zweite große Einzelausstellung aus. Dabei haben die beiden so “manch seltenes Fundstück zu Tage gekramt“, Vieles entdeckt, was man bislang nicht sah, weil es schlummert im privaten Fundus des Künstlers. “Während Paul Klee jedes Blatt signierte, bevor es fertig war“, läuft es bei dem Biennale- und Documenta-Künstler andersherum, denn ein akribischer Archivar seiner Arbeit ist Droese nicht. “Man findet einen riesigen Druckstock, vielleicht den passenden Druck oder umgekehrt“, erläutert der Beuys-Schüler seinen kreativen Organisationsprozess.
Auf einem Holzblock, er hängt schwarz und schwer und raumhoch an der weißen Wand der Galerie, sieht man die Silhouette eines LKW, durch die geöffnete Ladetür Füße und den Knauf eines Gewehrs. Daneben hängt der Druck und zeigt, wie Farbe eigenwillig ihre Spuren zieht. Eine Szene beim Transport von Kunst, die der Künstler in Italien beobachtet hat.
Worum es in dieser Ausstellung geht? Um Kunst und Kapital, Geld und dessen Versenkung, um Frauen, Natur und Gewalt in Geschichte und Gegenwart. Und darum zu zeigen, wie die Entwicklung des Künstlers sich in seinem grafischen Werk manifestiert.

Bis 19.11.2010, Galerie Frank Schlag, Meisenburgstraße 173, di-fr 14-19, sa 11-16

Fotografien gegen den inneren Widerstand

2010-10-13T19:46:00.000+02:00

Der Arbeitsauftrag war ebenso klar wie vieldeutig. “Obstructions“, Blockaden, innere Widerstände sollten gefunden und fotografisch umgesetzt werden. Man fuhr nach Rotterdam. Jeder Student aus der Fotografieklasse Thomas Zika ( Freie Akademie der Bildenden Künste in Essen) bekam einen individuellen Begriff, ein “psychologisch aufgeladenes Mantra“, das es fotografisch umzusetzen galt. Eine Selbsterfahrung wurde daraus, die grenzerweiternd war, Motivation und Ansporn zugleich, den blinden Fleck auf der inneren Landkarte zu aufzuspüren. Kein einfacher Prozess war es, aber einer, der kreativen Spielraum ermöglichte und half, die eigene Position zu festigen.

Herausgekommen sind Fotografien, klar und vieldeutig wie das Thema: spannungsreich aufgeladene psychische Situationen, angedeutete Geschichten, narrative Fragmente, die der Betrachter weiterspinnen und zu Ende denken kann, so dass sich das Bild von seinem Fotografen löst und übergeht in den Besitz dessen, der es interpretiert. Sozusagen zu einer anderen eigenen Geschichte wird.

Ungewöhnlich ist, dass die Arbeiten nicht nach Urheberschaft sortiert gehängt worden sind, sondern so, dass sie miteinander korrespondieren und dabei das gemeinsame Projekt stärker betonen als das individuelle Moment.
Dargestellt werden unheimliche, rätselhafte, nächtliche, städtische Situationen, Objekte, die gefunden, arrangiert und dekontextualisiert worden sind, so dass sie Raum geben für neue Geschichten. Eine Frau sitzt vor einem Knochenberg, dessen Farbe und Struktur an Blüten erinnert; im nächsten Bild kauert sie, mit weißen Bandagen gefesselt, ästhetisch sinnfällig auf einem Stuhl, ohnmächtig, handlungsunfähig, stillgestellt.
Ein junger Mann läuft nachts nackt durch den Wald. Das Foto ist aufgenommen mit Selbstauslöser in Großaufnahme im Gegenlicht. Wem begegnet er?
Zwei ausgediente Stühle türmen sich, beleuchtet wie auf einer leeren Bühne: Was ist passiert? Was folgt? Krimi, Katastrophe oder einfach das Ende der Show?
Die Arbeiten sind von: Johannes Dreuw, Felizitas Gemetz, Ole-Kristan Heier, Chiara Nardini, Hanne Nowak, Denise Ogan, Sonia Olivereau, Roland Regner, Ralf Schwarz, Kristine Thviashvili, Thomas Zika ist der Leiter des Projekts.

Bis 31.10.2010, Galerie K29, Ricarda Fox, mi, do, fr, von 15-19, sa u. so von 12-18 Uhr, Kreuzeskirchstraße 29

Botticelli Engel in Jeans

2010-10-12T23:03:00.000+02:00

Schüchtern sieht sie aus, das blutjunge Modell, ein Botticelli Engel in Jeans. “Das war sie, als ich sie kennen lernte“ bestätigt der Künstler und verweist auf ein Bild, das zwei Jahre später entstand. Dieselbe Frau in ähnlicher Pose sitzend im Stuhl, aufrecht, entspannt, nun in hautenger Lederhose und den Blick selbstbewusst auf den Betrachter fixiert.
Es sind bestimmte Typologien in einem charakteristischen Moment in zeittypischer Pose erfasst, psychologische Situationen, in denen sich das Modell dem Künstler stellt. Peter Handel interessiert sich für die Veränderungen und Entwicklungen, die eine Person nimmt. Er studiert sie in Gestik, Ausdruck, Mimik, in Abfolgen von Fotos, aus denen er, auch gemeinsam mit seinem Gegenüber, die Vorlage selektiert. Schön sind die Frauen, die er malt, sitzend, kauernd, im Ausschnitt, als Portrait, Teil eines Stillebens oder Interieurs erfasst.
Intensiv gelingen dem Künstler untypische Momente von zeitloser Schönheit, wenn er Utensilien seines Ateliers, eine Fotovorlage an die Leinwand gepinnt, ein gläsernes Behältnis mit Pinseln oder eine Palette randvoll mit Farbe mit Frauendarstellungen zu Stillleben vermalt. Besonders in kleinen Formaten konzentriert sich Zeit atmosphärisch dicht wie ein geronnener Moment.
Neben dem weiblichen Portrait fächert die Ausstellung andere Aspekte im Werk Peter Handels auf. Figurative Straßenansichten im Sonnen- und Gegenlicht sowie abstrakte, gestisch informelle Bilder, die im Blow-Up die Systematik seines Pinselduktus belegen. Dazu wird eine neue Serie von Bildern gezeigt, die sich mit dem Körper in Bewegung, mit Schärfe- Unschärferelationen und dem Thema Zeit auseinandersetzen.
Hier verschwimmt der Raum in der Fläche zugunsten wogender Bewegungsabläufe im Tanz. Pate gestanden hat eine Caravaggio Inszenierung von Mauro Bigonzetti in Berlin. In vergrößerten Video-Stills hat Handel am Computer die Unschärfen menschlicher Bewegung im Licht studiert und Ausschnitte daraus als Vorlagen für seine Malerei neu generiert.
Altmeisterlich perfektioniert mutet die Technik an. Plan ist die Leinwand, plan wie ein Druck das fertige Bild. Auf Holz bringt er zusätzlich Gewebe auf, um einen gleichermaßen massiven wie glatten, neutralen Grund herzustellen; um Feinheiten wie Lichtnebel, Haut- Haar-, Materialstrukturen leuchtend und illusionistisch genau umzusetzen. Mit transparenten Farbschichten, Harzöl, Pigmenten, Salmiakgeist gehärteten Feinhaarpinseln arbeitet er, präzise wie ein Alchimist am Seziertisch, um Stimmungen und Momente im Medium der Malerei zu konservieren.
Auf der KIAF waren seine Bilder ausverkauft.

Bis 3.11., Galerie Klose, Zweigertstr. 3-7, mo-fr 10-18.30, sa 10-15 Uhr

"Wolken ziehen vorüber"

2010-10-12T22:31:00.000+02:00

Erschrecken kann die Ausstellung den, der erst auf den zweiten Blick den Humor dieser abgründigen Objekte erkennt. Denn er verbirgt sich sarkastisch hinter scheinbar harmlosen Fassaden, haptisch einladend zwar, denn die meisten dieser skurrilen Arbeiten sind aus Stoff gebaut. Die assoziationsreichen Titel sind es, die den Betrachter schmunzeln oder zusammenzucken lassen, stellen sie doch, lakonisch mildernd oder den ersten Schreck steigernd, einen Kommentar zu traumatisch erfahrenen Situationen dar.
Alles, was vom Menschen übrig ist, sind Hüllen. Leere, hängende, schlaffe Stoffhüllen mit Accessoires gespickt. Variationsreich, handgenäht oder improvisiert zusammen getackert enthalten sie Hinweise auf all das, was man lieber nicht sieht. Verdrängtes, Verstörendes, Vergängliches, Beängstigendes, Brisantes, Banales. Zusammen mit den Titeln lösen sie Fantasien aus, Geschichten, die man ambivalent erleben und ohne Ende weiterspinnen mag.
Im Eingangsbereich in einem Plastikeimer voll mit Beton balanciert auf einem Bein eine mit weißer Spitze bekleidete kopflose Figur. Ein gelbliches Kunststoffgebiss fletscht die Zähne, in angebrachten Ornamenten assoziiert der Betrachter Verbrennung und Qualm. Der Titel? Terror.
In einem Puppenbett aus Holz liegt Kinderkleidung, auf dem weißen Teppich davor, ein aus flauschigen Fransen gezwirbeltes Skelett. Der Titel: Gestern und Morgen.
Im Kabinettraum schwebend hängen fünf Delfine aus Stoff, werfen Schatten, bewegen sich, darunter eine liegende nixenartige Mädchenfigur aus Textilien. Ein ironischer Kommentar zu Ophelia, der hässlich schönen Wasserleiche, die Projektionen und Wünsche bis heute nährt?
Eine anderes Mädchen, bzw. ihre Stoffhülle liegt auf dem Boden, von der Wand über ihr baumeln krakenartige Fangarme, mit kleinen Discokugeln besetzt. Das Bedrohliche, hier ausgelöst durch ein fotografisch appliziertes Gesicht, wird durch den Titel gebrochen. Der lautet lakonisch “Disco“.
Wiebke Bartsch heißt die in Braunschweig geborene Künstlerin, Meisterschülerin von Timm Ulrichs, bekannt durch sarkastischen Humor und kompromisslose Aktionskunst. “Wolken ziehen vorüber“ so die Ausstellung, ist mit 24 vieldeutigen Objekten und einem Konvolut von Zeichnungen eine der umfangreichsten der Künstlerin in der letzten Zeit.

Bis 5.11., GAM Obrist Gingold Galerie, Kahrstraße 59, di-fr 12-18, sa 10-15

Entmaterialisierte Räume mit Plastikmodellen gescannt

2010-10-12T22:03:00.002+02:00

Nina Brauhauser präsentiert Fotografie in der Galerie Schütte, eine Inszenierung, die wahrhaft gelungen ist. Die kleinen Räume, flirrend im neonscharf gestochenen Licht, nehmen die Wirkung der Bilder auf und umgekehrt strahlen diese in den Raum zurück. Entmaterialisieren ihn. Deuten an, wie es sich anfühlen kann, der Schwerkraft zu entgehen, Orientierung durch Zeit und Raum und Gegenstand hinter sich zu lassen. Das Gefühl der Unendlichkeit im Raum hat Brauhäuser durch Flächen erzeugt. Indem sie kleine Modelle aus Dreieck und Viereck, aus synthetischem Material und unbunten Farben baut, in neutralem Weiß, Grau und Schwarz mit einem kleinen Schuss Gelb, Grün, Blau. Die Winkel der Flächen werden leicht gegeneinander geneigt, bis sie kippen und die gerade Geometrie ins Wanken gerät. Clean, neutral, belanglos muten solch technisch reduzierte Verfahren an, wäre da nicht der gekonnte konzeptionelle Eingriff durch die Erfahrung mit Fläche, Farbe und Form, die einer solchermaßen minimalistischen Kunst zueigen ist.
Aufgrund ihrer Erfahrung weiß sie, wie dicht, wie weit sie Flächenkörper neigen muss, damit durch das Scannen im Licht Schattierungen, weiche Farbverläufe, zart gezackte Kanten und leichte Brüche des allzu starr geometrisch Konstruierten entstehen. Damit spitze Dreiecke aussehen wie utopische Flugkörper oder ein Parallelogramm wie eine geheimnisvolle Pforte. So dass Spirituelles Einzug halten kann in die Kunst.
Die Künstlerin ist mit Linie und Winkel groß geworden. Ihr Vater ist Kricke-Schüler, sie selbst Meisterschülerin der Folkwang-Akademie. Die Aura der gerade 30-Jährigen scheint ätherisch und ihr künstlerischer Aufstieg sicher. Denn sie ist gefragt, mit fünf Ausstellungen parallel und in kurzer Folge. Derzeit macht sie bei einer Ausstellung in Litauen mit, der Niederrheinische Kunstverein und das Museum Kalkar stehen neben weiteren Galerieausstellungen auf dem Programm.
Verblüffend ist, mit welch einfachen Mitteln sie große Kunst generiert und dabei Verfahren der Fotografie vom Kopf auf die Beine stellt. Nicht mit Tageslicht und Zoom nähert sie sich ihrem Objekt, sondern rückt dieses in statischem Licht und ohne Linse vor dem Scanner zurecht, bis jeder Winkel sitzt und das Bildmotiv stimmt.
Präsentiert werden die Arbeiten hinter entspiegeltem Glas, sich selbst genügend und selbstreferenziell.

Bis 13.11., Galerie Schütte, Essen Kettwig, di-fr 14.30-19, sa 11-14 Uhr Hauptstraße 4

Stephan Berg und Harald Welzer im Gespräch

2010-09-17T09:00:00.006+02:00

Das Kulturwissenschaftliches Institut hat seine Reihe "Kunst im KWI" reaktiviert, und zeigt aktuell eine Ausstellung mit Fotoarbeiten von Andy Scholz. Am kommenden Dienstag, 21. Oktober, 19.30 Uhr, findet im KWI die Finissage der Ausstellung statt: Prof. Dr. Stephan Berg, Leiter des Kunstmuseum Bonn, und Prof. Dr. Harald Welzer, KWI, sprechen über die Arbeit von Andy Scholz.

Im Zentrum der Ausstellung stehen Fotografien, die während des Umbaus auf der Baustelle des Museum Folkwang entstanden sind. Dabei ist aber die Wiedererkennbarkeit des spezifischen Baus nachrangig, vielmehr findet Scholz eine allgemein abstrakte Bildsprache, die das Besondere und Eigenartige im Alltäglichen herausschält. So sagt Scholz: „Der Fokus ist das, ... was uns umgibt, was wir bauen, was wir schaffen, und ganz besonders die Frage: Was verbirgt sich dahinter, dazwischen, darunter und darin.“ 

Boys and girls

2010-09-09T13:39:00.001+02:00

Leuchtend die Farbe, expressiv die Form, "Boys and Girls"lautet der Titel der Schau. Eine wohl inszenierte Ausstellung ist die Kombination der Malerei von  Stephan Geisler mit der Skulptur des Lüpertz-Schülers Jörg W. Schirmer. Zwei ausdrucksstarke Positionen begegnen sich und zeigen, welch produktive Verbindung unterschiedliche Medien eingehen können, wenn sie sich stimmig zu einem Gesamtkunstwerk ergänzen.

Stephan Geisler ist Newcomer im Programm der Galerie, ein Anfänger ist er deswegen nicht. Grafik, Design, Malerei hat er studiert und testet virtuos deren Grenzen aus. Als Malgrund auf der Leinwand dient Stoff. Gemustert, strukturiert, zu Fetzen zerknüllt saugt er Farbe auf, stößt sie ab, zieht sie an und hindert deren freien Verlauf. Es ist ein "Abarbeiten der Grenze des Materials", ein Prozess, der den Künstler zwingt, die Dynamik seiner Motive genau im Auge und auf dem Bild festzuhalten. Schnappschüsse und "schnelles Shooting des Models", dann setzt die systematische Auseinandersetzung ein, die auch dazu führen kann, dass der Maler das Interesse an seinem Motiv verliert. Nichts geht dann mehr, denn zu kompromisslos formuliert Geisler seine Emotion im Bild. Sinnlichkeit, Lust, Erotik, Rückzug und Dynamik drückt er in medienwirksamen Haltungen aus, Boys and Girls, die verführen und alles andere als schüchtern sind. In Posen, Drehungen, aufreizenden Winkeln stehen sie da, manche in Ausschnitten fast lebensgroß. Verfremdende Schriftzüge ziehen über her, eröffnen dem Bild eine neue Deutungsdimension.
Was bei Geisler die Emotion, ist bei Schirmer die Ironie. Auch seine Figuren, kleine bis raumhohe, gehen den Betrachter offensiv an: Ein Riesenfuß, eine überlanges, weich geschwungenes Bein, eine Hüfte, eine hantige Hand, Torsi geschliffen, gekrümmt, gedreht. Wie mit einem Zoom verzerrt Schirmer Perspektiven und plastische Volumina, staucht, streckt, dehnt sie, bis sie dem Ausdruckswillen seiner Hand unterliegen. Brüchiges, morsches oder edles Birkenholz verwendet er, weicht es ein und auf, kontrolliert Maserung und Materialstärke im Auflösungsprozess. Danach setzen Trocknung und Bearbeitung mit Hammer, Meißel, Säge ein, dann folgt der Firnis mit Farbe oder Lasur. Wie sicher der Essener Künstler sein sperriges Handwerk beherrscht, zeigt jede der ausgestellten Arbeiten in lässigem Understatement und subtiler Ironie.
Eine greift auf Heidi Klum zurück, die lasziv ihre Bikinihalterung schnacken lässt. Eine andere verweist auf eine klassische Akthaltungen, Kunst- oder aktuelle Werbeposen. Über allem schwebt warnend der Krisenengel, ein Hermaphrodit aus Holz, einem modernen Zwitterwesen gleich.

Bis 28.09., Galerie Klose, Zweigertstr. 3-7, mo-fr 10-18.30, sa 10-15 Uhr

Comics und Illustration kunstfähig gemacht

2010-08-19T13:04:00.001+02:00

Dass Illustration Kunst sein kann und das ihr übergestreifte Etikett einer niederen Kunstgattung keinesfalls verdient, zeigt die Galerie GAM mit 7 Künstlern, die in den 90ern Studenten des Folkwangprofessors Otto Näscher waren, und die sich ihre Meriten mittlerweile international erworben haben. Gezeigt wird auch, dass die Illustration über einen Pool von Darstellungsmitteln verfügt, die von der "hohen Kunst" noch immer vergessen und vernachlässigt werden. Die Prognose sei gewagt, dass der Reichtum illustrativer, Computer generierter Techniken von jungen Künstlern zunehmend entdeckt werden wird und dass damit die formalen Grenzen zwischen hoher und niederer Kunst fallen zugunsten einer sich wechselseitig beeinflussenden Bildsprache.

Witz, Schlagfertigkeit und Präzision zeichnen die Bildsprache der Illustratoren aus, von denen viele im Café Click ihre ersten Versuche starteten und diese erfolgreich nach Hollywood, Babelsberg oder bekannte Comicverlage trugen. Christian Schellewald machte "Shrek 3" oder "Kung Fu Panda" zu Leinwandhits, der Essener Rainer Stock animiert Kulissen, so die zu dem Film "Das Parfüm", Jan-Michael Richter alias Jamiri den sarkastischen Ruhrpott-Comic, Helge Jespen Zeitschriften wie den Playboy oder Stern oder Gaby van Emmerich mit mehrfach prämierten Zeichnungen für Kinderbücher.

What's up? Das gute alte Dschungelbuch mit Mogli ist eine Sensation aus stürzenden Perspektiven, sich verschlingenden Figuren und aufgerissenen Augen, die aus dem Dickicht des Dschungels in exzellent verdichtetem Tuschstrich hervorblitzen. Einzeln gibt es die Blätter nicht, die Gesamtedition liegt bei ca. 30.000 Euro.

Das Story-Board zu dem Film "Das Parfüm", dort traut man der Darstellung und der eigenen Wahrnehmung nicht. Paris wird von seiner morbidesten Seite gezeigt mit maroden Holztüren und minutiösen Strukturen, von denen man annimmt, dass sie fotografiert oder eincollagiert sind. Beides sind sie und noch mehr, nämlich von Hand am Computer gemalt, ein Verfahren, das Korrekturen schnell und Variationen endlos macht. Dennoch zeigt auch hier die technisch produzierte Linie den individuellen Stil ihres Zeichners.
Beispielsweise den von Jamiri, dessen Comic-Kompendium "Auf Ruhr" lang vor der Ernennung zur Kulturhauptstadt produziert worden ist. Dennoch treffen sie den Hype um die geplagte Metropole prophetisch, ironisch und haargenau. "Das Ruhrgebiet hat mehr Bäume, Baustellen, Museen, mehr Autos und schönere Frauen als anderswo..."
"Gezeichnet, gepixelt, gedruckt", lautet der Titel der Ausstellung, hingehen und ansehen meine Empfehlung mit genügend Zeit für die vertiefenden Kataloge und das in der Galerie ausliegende Zusatzmaterial.

Bis 28.08.2010, GAM Galerie Obrist, di, do, sa 10-15 Uhr, mi, fr 12-19 Uhr

Highlights zur Kulturhauptstadt

2010-07-22T11:37:00.002+02:00

"Highlights zur Kulturhauptstadt" begrüßen die Besucher in der Galerie "kunst-raum". Mit 27 Positionen präsentiert Colmar Schulte-Goltz eine breit angelegte, sich ständig erneuernde Übersichtsschau, denn jedes verkaufte Bild wird durch ein neues desselben Künstlers ersetzt. Neben bekannten Positionen präsentiert der Galerist Neueinsteiger: Den Essener Lokalmatador Wolfgang Kleber, der neben Schwarzweiß-Fotografien der 50er Jahre unbemerkt solche hängt, die gerade entstanden sind. Ein Grund mehr genau hinzuschauen, denn jedes Bild der Ausstellung spielt mit den unscharfen Sehgewohnheiten der Besucher: Indem es historische Kontexte und Darstellungstechniken vermischt, indem es in scheinbar konventionellem Malstil kritisches Potenzial versteckt oder in moderner Technik überholte Traditionen leer laufen lässt.
Neu hinzugekommen sind Künstler, die 2010 im "kunst-raum" ihr Debüt feierten oder noch feiern werden. Angela Schilling hat dieses Jahr Einblick in ihr Werk gezeigt mit silbern metallischen Crash-Skulpturen, entstanden aus Kollisionen von Vögeln mit Autos. Sie erweitert sie jetzt mit Pistolengipsreliefs, der Titel "Love at first sight". Auf andere Künstler dürfen wir ebenfalls gespannt sein. Michael Decker, Alpay Efe, Jan Holthoff, Patrizia Lohmann und Vittorio Zombardi sind ebenfalls neu dabei.
Zombardi verwandelt bereits jetzt die hohen, weißen Räume in eine Galerie der Schönheiten in Hochovalen in Öl auf Holz, indem er Stars seiner Zeit in historische Kontexte von gestern transportiert. Lady Gaga erscheint als mondäne Rokokodame, Bo Derek als Heiligenfigur des 18. Jhdt., wobei der Italiener Gestik und Mimik der Stars haargenau erfasst. Alpay Efe stellt wartende Jugendliche, vermutlich türkischer Herkunft in einer Subway-Szene vor dramatischen Lichteffekten dar und kontrastiert eine barock anmutende Malweise mit aktuellen Problemen von Migration. Der Baselitzschüler Klaus Schneckenbach geht in seinen Skulpturen ironischer vor: Ein "Iron-Man", martialisch tätowiert und aus rohem Holz geschnitzt, trägt auf dem Rücken ein Kind. Zum Schutz gegen die Außenwelt oder schützt er das Kind im Mann?
"Jede große Ausstellung braucht einen Turm" und so baut Roland Schmitz seinem Galeristen einen 2.60 m hohen, knallroten aus Edelstahl im Latexgewand. Im Schaufenster tummelt sich derweil das "Leipziger Allerlei", magere, ausgedörrte Hunde, fast schon Hyänen des Kunstmarktes, die einen großen unverdaulichen Haufen davon übriglassen. Vieles noch gibt es zu sehen, gehen Sie ganz einfach hin!

Bis 28.8. 2010, kunst-raum, Rüttenscheider Str. 56, di-fr 12-19, sa 10-16 Uhr

Ricarda Fox mit neuen Ausstellungen

2010-07-22T11:32:00.001+02:00

Zwei neue Ausstellungen, die unterschiedlicher nicht sein könnten und sich dennoch thematisch ergänzen, zeigt Ricarda Fox: Arbeiten junger Folkwang-Studenten des Fachbereichs Illustrationen zum Kulturhauptstadtprojekt "Promethiade" im K29 und parallel dazu neue Arbeiten der in Baden-Baden lebenden Künstlerin Hilke Turré in Mühlheim.

"Light my fire - auf der Suche nach Prometheus" heißt das Projekt von Prof. Martin tom Dieck und stellt eine zeitgemäße Illustration des Prometheus-Mythos mit öffentlichkeitswirksamer, plakativer Wirkung her. Die Frage, "wie sich im Prisma kalter Schlote und ambivalenter Helden eine Schöpfungsidee bricht" war Ausgangspunkt der ausgestellten Skizzen und Entwürfe von Folkwang-Studenten, die in der Galerie  K29 gezeigt werden.

Verschiedene Darstellungstechniken kann man den auf grafische Wirkung bedachten Blättern entnehmen: Expressive bei Julian Baer, über dessen hockendem Engel Feuer schwebt, bei Jana-Lina Berlanbusch, deren Punker Technik aufsaugt, bei Valentina Boneva, Regine Schulz und Patricia Murawski. Glutrot glühende Gesichter, der Mensch, der nach der Sonne greift, ein Affe, der eine brennende Banane wie eine Fackel hält, ein Skelett, das seinen Schatten an Fäden balanciert. Abstrahierter wirken die Spielkarten von Florian Kremers, die Arbeit von Sarah Burek und das Weltentheater von Xenia Kelsch.

bis 31. Juli 2010, K29, Kreuzeskirchstraße 29, Essen

Hilke Turré - Balancen
Leicht in Farbe, Material und Rhythmus, harmonisch in Ausdruck und Form wirken die neuen Plastiken der Ravensburger Künstlerin Hilke Turré im sommerlichen Licht der Galerie Fox in Mülheim. Gezeigt wird ein aktueller Abschnitt im Schaffen der 65-jährigen Ravensburger Künstlerin, der eine neue, materialreduzierte Phase markiert.
Wirkten ihre Materialcollagen bisher hermetisch wie in einem Kokon verschlossen, öffnen sie sich nun in den Raum mit tänzerisch balancierenden Schritten. Turner, Skateboardfahrer, Menschen am Trapez, im Gespräch und kommunikativen Haltungen engagiert, allein, in Gruppierungen gehängt oder auf Sockeln postiert. Das Akrobatenthema der klassischen Moderne mit Bezug auf Picasso und Max Beckmann wird aufgegriffen, aktualisiert, entmaterialisiert. Die Figuren schreiten, strecken, dehnen sich auf gebogenem Bronzegestänge, das mit farbigen Stoffen mit bunten Mustern und Ton umwickelt in Form und Spannung gebracht wird.
Widersprüchliche Materialien gehen neue Verbindungen ein. Stofffetzen fransen aus der Tonummantelung heraus, verbergen ihre hohen Preise und seltenen Muster, die die Künstlerin aus der gesamten Welt bezieht. Die scheinbare Leichtigkeit der Objekte stellt sich bei genauem Hinsehen als ein wohl komponiertes Gefüge dar, das nur durch die exakte Ausbalancierung spannungsreicher Einzelelemente im Gleichgewicht bleibt.
"Nur ein Mensch von höchster und glücklichster geistiger Ausgeglichenheit versteht es, auf eine Weise fröhlich zu sein, die ansteckend wirkt, das heißt unwiderstehlich und gutmütig." Dieses Zitat von Dostojewski ist der Ausstellung vorangestellt.

Bis 10. September 201o, Galerieferien: 25.08. - 08.09, Liverpoolstraße 15,
Mülheim, 0208-3787734

Schönheit und Sinnlichkeit

2010-07-22T11:21:00.001+02:00

Er liebt die Frauen und sie mögen ihn, in einer Beziehung geprägt durch Respekt und Toleranz. Eine ebenso distanzierte und intime Beziehung ist es, die der Spanier Ramon Lombarte in seinen Bildern formuliert, eine, die weiblichem Selbstverständnis entspricht, obwohl sie aus männlicher Sicht an Frauen gerichtet ist. Eine selbstbewusste Haltung von Schönheit, Stolz, Verführung und Abgrenzung nehmen die Damen und Senoritas an, die dem Temperament des Tangos oder spanischem Flamenco entspricht.

Die Galerie Klose hat Bilder aus aller Welt rekrutiert. Aus Deutschland, Spanien, europäischen und US-amerikanischen Ländern, aus Privat- und Museumsbesitz kommen sie, verkäufliche und unverkäufliche, eher hochpreisige, handwerklich perfekt gemalte, klein und mittelformatige Bilder, die sich zu einer Retrospektive der letzten zehn Jahre zusammenfügen. Jede einzelne Arbeit bekennt sich zur Ästhetik der Schönheit, zu Farbe, Licht und Lebensgenuss pur, ein Grund vermutlich, warum das optimistische Menschenbild des Künstlers in den USA noch besser ankommt als hier. Schicht für Schicht lasierend in Öl, ohne individuellen Duktus trägt er die Farbe auf. Manche haben einen 7-jährigen Entstehungsprozess hinter sich und sind wie Preziosen in aufwändigen Gold- und Holzrahmen präsentiert. Die feine Arbeitsweise in kontrastivem Hell-Dunkel erinnert an das italienische "chiaroscuro" ebenso wie an die klassische oder moderne Malerei eines Edward Hopper.

Lombartes schöne Frauen sonnen sich im Licht, in schattigen Räumen, in lasziver Sinnlichkeit, die aus jeder Geste spricht, auf der Bühne im Dunkel eines Varietés, im Meer bunter Blüten oder neben einem kubanischen Cadillac. Immer wieder fängt der Maler erotisch aufgeladene Momente in starken Schlagschatten und meisterhafter Farbe ein, in der Frau sich unbeobachtet glaubt im öffentlichen und privaten Raum, den sie wie eine Bühne bespielt, zu dem sie gehört. Ein Raum, den sie mit ihrer ihr eigenen Atmosphäre füllt.

Bis 17.08., Galerie Klose, Zweigertstr. 3-7, mo-fr 10-18.30, sa 10-15 Uhr

Für die Katz

2010-07-20T11:24:00.003+02:00

Eine  Ausstellung von Wiebke Elzel wird in der Galerie Schütte präsentiert, mit nur 7 fotografischen Arbeiten eine ebenso konsequente wie übersichtliche und reduzierte Schau der Rautert Schülerin mit Wohnsitz in Berlin.

Ein Mann auf einem Dachboden, inmitten von Kartons und einer Unmenge von Fotografien, die sich auftürmen, wühlt in dokumentarischem Material. Eine Frau fotografiert aus dem Fenster eines Dachzimmers, in dem an der Tapete Fotografien von immergleichen und dennoch unterschiedlichen Wolkenmotiven heften. Auf einer anderen Fotografie liest sie einen Brief, ein anderes Mal ist das baufällige Zimmer menschenleer, auf einer nächsten Fotografie ein Brief, der weiße Motive wie Milch, Wolken, Schnee aufzählt, dann ein existenzialistisch reflexives fotografiertes Textfragment, das das Thema der Ausstellung und ihres  Mediums, der Fotografie, formuliert. Wird es jemals gelingen, die Unmenge der Brücken einer Stadt, ihre Details zu erfassen? Was soll die Fotografie mit ihrem prätentiösen Willen zur Dokumentation und was überhaupt leistet die Kunst? 

Den logischen Höhe-, Ausgangs- und Endpunkt, Schlussfolgerung und Grundlage von Wiebke Elzels Arbeit zugleich, bringt eine Dia-Installation zum Ausdruck. 

Veranschaulicht wird die Sisyphosarbeit einer jeden künstlerischen Anstrengung. In 88 verschwommenen Einzelbildern aus monoton klickendem Gerät auf die Wand projiziert sucht man ein Motiv für Entwicklung, Fortschritt, Veränderung. Es erschließt sich dem, der Geduld und Interesse  mitbringt. Aus grauem Grund in Endlosschleife schlüsselt sich metaphorisch eine fotografierte Netzstruktur auf. Indem Elzel Leerstellen schließt und den Blick auf die Pixel eines fotografierten Berges zoomt und damit das Abbild vom Abbild endgültig zum Abbild erklärt.

Vom Zwang zum Erzählen, zum Definieren der Welt durch Text und Bild handelt die Ausstellung und der Unmöglichkeit sie anders als in Fragmenten zu erfassen. Der Titel “For the birds“ bedeutet so viel wie: für die Katz.

bis Ende August, Galerie Schütte, Essen-Kettwig, Hauptstraße 4, di-fr 14.30-19.00, sa 11-14 Uhr, 02054-871966

Rock, Pop und Punk

2010-07-20T11:20:00.001+02:00

 Dennis Hopper in den 80er Jahren, entspannt in einem Moment, in dem er die Kamera offensichtlich nicht bemerkt, Nina Hagen in schräg-schrill verdrehter Yogaposition, Blixa Bargeld wie durch ein Froschauge in Schrägperspektive herangezoomt, Nick Cave festgehalten genau in der Sekunde, bevor die Tür vor  dem Fotografen zugeschlagen wird. Auch die anderen Größen der Rock, Punk-, Independence-Szene der 80er, Einzelne wie Iggy Pop, Robert Smith von The Cure, Blixa Bargeld, Sadé und Gruppen wie die Pretenders, Depeche Mode, die Ärzte, Einstürzende Neubauten werden in ungewohnten Augenblicken gezeigt: beim Fegen, Aufräumen, Chillen, der Vor- und Nachbereitung eines Gigs, hektisch überdreht, erschöpft oder einfach nur relaxed. Das Auge der Kamera scheinen sie nicht zu bemerken, zu konzentriert sind sie auf sich selbst.

Was bedeuten die 80er in der Musikgeschichte hat Torsten Obrist sich gefragt und parallel zum Folkwang Museum eine Ausstellung organisiert, “Flashback /Echo“, die exemplarisch das Werk Wolfgang Burats untersucht. Der 1955 in Osnabrück geborene Künstler, Mitbegründer und Mitherausgeber der Musikzeitschrift “Spex“, hat die 80er Jahre erlebt, verfolgt und ins Bild gesetzt und dabei selber stilprägend  gewirkt, indem er am Mainstream vorbei fotografierte. In Schwarzweiß-Bildern, die die Helden nicht in Szene setzen, sondern mit Bezug auf deren Image, genau dieses in schnappschussartigen Bildern aufweichen und brechen. Nicht der Profi, sondern das Fallen der Maske interessierte ihn, jenseits von Glamrock und Machbarkeitswahn. Es ist eine journalistische Fotografie, ein persönlicher, ungestellter Stil, den Burat zeigt, der sich entwickelt, wenn man in stille Nischen und nicht nur auf die Bühne schaut.

Bis 14.8., GAM Galerie Obrist am Museum, Kahrstr. 59, di,do,sa 10-15, mi,fr 12-19 Uhr

Realismus pur

2010-07-16T17:08:00.002+02:00

Wahrnehmungstäuschung pur wird in der Galerie Klose gezeigt, hyperrealistische Skulpturen der international bekannten, 65-jährigen Amerikanerin Carole A. Feuerman und ironisch realistische Bilder in Mischtechnik des Bremer Künstlers Jub Mönster. Beide Positionen geben Anlass zum Wundern darüber, ob das, was wir sehen, der Wirklichkeit oder den Wahrnehmung täuschenden Techniken der Kunst entspringt.

Hautporen, Sommersprossen, Adern, Wassertropfen, Fingernägel, Behaarung, selbst die Badekappen der Schwimmerinnen lassen “Echtheit“ vermuten, doch sie sind es nicht. Die Biennale Künstlerin Carole A. Feuerman erweist sich als Perfektionistin im Täuschen über die Natur, denn natürlich ist an ihren Arbeiten nichts - allenfalls der haptische Impuls des Betrachters, die farbigen, fast lebensgroßen, lebendig anmutenden, Figuren und Figurenausschnitte zu ertasten. Die Arbeiten aus Kunststoff und Bronze strahlen Konzentration und Dynamik aus, obwohl die jungen Mädel an der Schwelle zum Erwachsensein in sich ruhen und mit geschlossenen Augen einem Moment privaten Glücks nachspüren. 

Die Künstlerin konnte von der Galerie neu ins Programm genommen werden, doch Vorsicht, ihre Arbeiten sind teuer.

Jub Mönsters Gemälde überraschen durch experimentierfreudige Technik und die ebenso subtile wie augenfällige Verfremdung alltäglicher Kontexte. Realistisch gemalte Staffagefiguren, detailreich und klein, wandern, Schlagschatten werfend, umher in flächig reduzierten, ebenso alltäglichen wie surrealen Räumen. Ein Badestrand ruft Assoziationen an Kasernierungen auf, die Flaschenabfüllfabrik ein bunter, entspannter Alptraum im Räderwerk der Menschen verschlingenden Metropolis. Richard Oelze im Bergsteigeroutfit, Georg Baselitz, ein Knabe von heute, sie malt Mönster auf dem  Kopf, aber eben nicht so, als seien sie ein Plagiat des großen Meisters Pinselstrich. 

Ironie geht ein, wo die Kunst sich schon am Ende glaubte. Ein Besteck-Stillleben, Messer, Gabel, großer Löffel, kleiner Löffel nebeneinander aufgereiht, lässig aus Mönsters Hand mit Kuli schraffiert, lässt die Blautöne Delfter Keramik blass erscheinen. Fensterrollos, Resopal- und Schiefertafeln oder Fußbodenbeläge aus des Künstlers Atelier, kein Material scheint sicher zu sein, nicht als Malgrund eingesetzt und bildfertig verarbeitet zu werden. Auch dies ist ein Grund, warum Mönsters Arbeiten trotz hoher bis surrealer Verfremdung natürlich und selbstverständlich erscheinen.  

Bis 28. 6. , Galerie Klose,  Zweigertstr. 3-7, mo-fr 10-18.30, sa 10-15 Uhr

300 Seelöwen und übermalte Nackte in Mülheim

2010-07-03T13:20:00.003+02:00

4000 Gartenzwerge in München, 7000 Dürer Hasen in Nürnberg und nun 300 seriell gefertigte Seelöwen aus Plastik für Mülheim vor dem alten Styrumer Wasserturm! Freundlich und einladend blickten sie die interessierten Bürger an, von denen sie erworben werden können für einen Preis von 220 Euro plus signiertem Zertifikat, das für deren Echtheit bürgt. Das Bodenobjekt des Nürnberger Künstlers Ottmar Hörl im Rahmen der Kulturhauptstadt schlägt eine künstlerische Brücke zum neuen Ausstellungsbereich im Wassermuseum, das sich mit virtuellem Wasser beschäftigt.

Und das soll Kunst sein? Dieser Frage muss sich der gelernte Maschinenbauingenieur, heute Kunstprofessor in Nürnberg und freischaffender Konzeptkünstler häufig stellen. Undiskutiert, unumstritten ob des künstlerischen Eigenwerts bleiben seine Arbeiten nicht, denn Provokation ist Teil des Konzepts. "Fakt ist, dass ich mit meinen Arbeiten polarisiere. Die einen finden mich total scheiße, die anderen gut, aber ich halte Polarisierung generell für gesund, weil darüber erst Diskussion entsteht. Uneingeschränkte Zustimmung ist einschläfernd." Beteiligung der Bevölkerung an Kunst durch "Plastik als Organisationsprinzip" oder durch schwarz übermalte Kunstdrucke auf Leinwand ist Teil des Konzepts des früh und international erfolgreichen Künstlers. Ironische Interventionen an der Schnittstelle zwischen Natur, Kunst und Gesellschaft sind seine Stärke. Denn Humor bedeutet die Fähigkeit, "zwischen den Zeilen zu lesen", um einen distanzierenden Freiraum für Reflexion und Kritik zu schaffen.
"Frechheit siegt" heißt die Ausstellung bei Ricarda Fox. Was die Kunstgeschichte mit Mühe und unter dem Deckmantel mythologischer Symbolik freigelegt hat, zieht Hörl wieder an.
Indem er den nackten Grazien von Rubens schwarze Socken verpasst, Ingres' Venus einen Bikini oder eine Diana mit Leggins durch den Wald stapfen lässt. Doch nicht nur auf Klassiker der Renaissance und des Barock bezieht er sich, sondern auch auf den größten deutschen Gegenwartskünstler Richter, dessen brennende Kerzen Hörl erlöschen lässt.
Das alles irritiert: Den kunstgeschichtlichen Fundus des Betrachters, denn der ist immer weiter und zugleich enger, als er meint. Die Wahrnehmung, denn Vertrautes erscheint fremd und Fremdes vertraut. Und nicht zuletzt die Debatte über den Sinn Kunst: Was genau an dieser Übermalung ist denn Kunst? Und: Was ist Kunst, wenn nicht das, nämlich die Realisierung einer Idee?

Bis 6.7.2010, Ricarda Fox, Mülheim, Liverpoolstr. 15, 0208-3787734

Farbenergie aus geometrischer Form

2010-07-03T13:09:00.004+02:00

Mit Chen Ruo Bing beweist Frank Schlag wieder einmal mehr sein Gespür für Innovation aus Fernost. Abstraktion ist auf dem Vormarsch, und zwar nicht die gestische der Kalligraphie, die in China und Japan traditionell verwurzelt ist, sondern eine ungegenständliche, in Farbfeldern pulsierende, strahlende, ähnlich der, die wir hierzulande von Marc Rothkow oder Gotthard Graubner kennen.

Und tatsächlich: Der 1970 in China geborene Absolvent der Academy of Fine Arts Hangzhou hat zunächst Kalligraphie und chinesische Malerei studiert. Mit 22 Jahren zog er nach Deutschland, dann in die Kunstakademie Düsseldorf und dort in die Klasse seines Lehrers G. Graubner ein. Ein zweijähriges Artist in Residence Stipendium folgte in der Josef und Annie Albers Foundation in Connecticut, dann eine zielstrebige Ausstellungstätigkeit und der Erfolg auf dem Kunstmarkt mit ebenso einfach wie unscheinbar wirkenden kleinen und großen Formaten.

Fast 30 Exponate sind in der Galerie Schlag zu sehen. Flächig gemalte, energetisch aufgeladene, gelbe Farbfelder, aus der Mitte her leuchtend, ausstrahlend auf den meist hellgrauen Grund finden wir vor, gebündelte Farbenergie aus geometrischen Formen, die ihre Regelmäßigkeit und damit jeden definierbaren Formbezug ironisch ad absurdum führen. Denn die Ränder sind unregelmäßig und durch den Bildrand abgeschnitten und all das, was der Betrachter assoziiert, bleibt subjektiv. Objektiv, unbestreitbar ist die Leuchtkraft der Farbe, die Bewegung aus der Mitte zu den Rändern hin zeigt, die Energie einfängt und ausstrahlt, und die Malerei vom Gegenständlichen in reine Materie überführt und entmaterialisiert. Eine Farbenergie, die ausgeht vom Bildkörper und ausstrahlt ins Innere dessen, der auf sie reagiert.

Galerie Frank Schlag & Cie., Meisenburgstr. 173, Essen

Metaphysisch entrückte Gemälde von Walter Eisler

2010-06-17T12:46:00.002+02:00

Diese verlassenen Wohn- und Industriebauten, sie liegen ganz einfach da: geduckt im Schatten der Vorstädte, isoliert in gleißendem Licht, eingereiht in unwirtliche Straßenzüge, wo nichts passiert, noch nicht oder nicht mehr.
Ob früh morgens oder Abend, das farbige Licht, die Stimmungen bleiben zwielichtig, die Ortschaften regungslos, ohne jede Spur von Betriebsamkeit. Herrschaftliche Wohnhäuser, Schalthäuser, ein geschlossener Supermarkt, menschenleere Nischen unter Highwaytrassen, überall schleichen sich schräge Perspektiven und wundersame Verrückungen ein.  Manche dieser plastisch gemalten, in die Fläche gezwungenen, steinernen Kolosse sehen abweisend aus, andere, als wollten sie erwachen zum Leben, das offensichtlich stattfindet anderswo. ­ Merkwürdig ferne, still entrückte Zustände drücken sie aus diese verstummten Zeitzeugen der Vergangenheit.
Die Motive, "architektonische Fundstücke", entdeckt Eisler auf Reisen, die hier ausgestellten stammen aus den USA und Europa. Metaphorische Bedeutung entfalten sie spätestens dann, wenn die zum Teil angedeuteten, metaphysischen Stimmungen visuell ausgesprochen werden; wenn der Künstler einen backsteinernen Turm, an dem Bauarbeiter von verschiedenen Seiten ziehen, kippen lässt und ein Königsportrait zur Hälfte zum Vorschein kommt. Das königliche Schach, ein Spiel um Leben und Tod, fungiert hier als existenzielles Gleichnis der Welt.
De Chirico und Hopper haben Pate gestanden, doch sind  diese  Bilder des 1954 in Leipzig geboren Künstlers weit entfernt von Epigonentum. Zu zeitgenössisch, virtuos und strahlend der Farbeinsatz, zu eigentümlich und eigen ist die persönliche Handschrift des Künstlers. In den Selbstportraits sieht man ihn in der fragenden, selbst reflektierenden Pose der Klassiker, im Dreiviertel Portrait mit Hut und Pinseln, ein skeptisch zweifelnder Künstler, der sich von dem prägenden Einfluss seines Vaters Bernhard Heisig ebenso befreit hat wie von dem seines Lehrers Volker Stelzmann.    

Bis 28.08, Galerie Klaus Kiefer, Rüttenscheider Str. 56, di-fr 11-18.30, sa 10-14 Uhr

Karsten Kronas im Raum.201

2010-06-05T23:05:00.000+02:00

Unter dem Titel "Beyoglu Blue" zeigt Raum.201 Fotografien von Karsten Kronas.

Bis 22.07.2010, Raum.201, Rellinghauserstraße 201, 45136 Essen, So. 14-19 Uhr

Romantisches Naturschauspiel

2010-06-05T22:55:00.004+02:00

Diese weich fließenden flauschigen Nebel hat der Künstler nicht geplant. Doch als sie aufzogen in seinem sonst hartkantigen fotografischen Werk, gab er ihnen Raum: Wald, Wiesen und Dörfer zu schlucken, Meere oder Gebirgszüge zu verhüllen, so dass der Betrachter vor den Weiten einer grenzenlosen Landschaft schwankt. Und sich vielleicht einlässt auf die “Essenz“, die Peter Schlör in seinen archetypischen Fotografien zu erfassen sucht.
 

C.D.Friedrich steigerte die Erfahrung romantisch mystischer Ferne, indem er seinen Gemälden magische Kulissen in stimmungsvollem Licht ausbreitete, Menschen zur Staffagefigur verkleinerte, um die Natursehnsucht im Bild zu steigern und mit religiöser Bedeutung zu unterlegen. Doch der Mannheimer Künstler, der C.D. Friedrichs Werk bestens kennt, weist jeden Verweis darauf und die religiöse Ikonografie zurück. Peter Schlör kommt es auf das “Wesen der Landschaft“ an, deren erhabene Größe und flüchtige Erscheinung er in Fotografien von archaischer Ausdruckskraft bannt. Gesteinsformationen wie Dinosaurierhaut, zart weiße Wolken vor schwarzem Grund, Formen von Natur- und Kulturlandschaften stilisiert er mittels digitaler Fotografie zu zeitlosen Kulissen. Künstlich, in reduziertem Schwarz-Weiß liegen sie da, weil Farbe, so der Künstler, Wahrnehmung eben nicht konzentriert, sondern emotional unterwandert.

Die meisten seiner kontrastreichen Aufnahmen hat Peter Schlör auf den Kanaren gemacht. Langes Warten auf passendes Licht gehört dazu, obwohl das Material digital bearbeitet wird. Denn “nur so gelingt ein kunstvolles Bild“, befreit und bereinigt von allem Überflüssigen, Beliebigen, eine Fotografie, die ihre zeitgenössischen technischen Mittel nutzt und nicht nostalgisch im Analogen verweilt.

In dem begleitenden Katalog kann man den mehrfachen Abstraktionsprozess übrigens gut nachvollziehen.

Bis 3.07., GAM Galerie Obrist am Museum, Kahrstraße 59, Di, Do, Sa 10-15 Uhr, Mi, fr 12-19 Uhr

"Emscher rockt!"

2010-05-22T12:14:00.003+02:00

“Emscher rockt“ - aus der Sicht des Künstlers Oliver Jordan schon lange, denn von hier ging kultureller Wandel aus, der die Region seit den 70ern nachhaltig prägt. Die ihn zuerst artikulierte war die Pop- und Musikszene mit legendären Konzerten und Stadtteile aktivierender Kulturarbeit. Umtriebiges Zentrum war Altenessen. Von hier nahmen Rockmusiker des Reviers ihren Lauf, wuchsen über die Grenzen zu internationalen Stars heran. Die Bewegung, die sie einst förderte, blieb zurück, wurde “eingemeindet“ in die Kulturarbeit der Zeche Zollverein Carl, dem heutigen Ursprung und historischen Meilenstein der “Kulturhauptstadt“.

Dem rockenden Urgestein der 80er Generation ein Denkmal zu setzen, ist das Ziel von Oliver Jordan und seiner Galeristin Ricarda Fox sowie den Mädels und Jungs der heutigen Graffitiszene. 10 Meter hoch, 52 m breit soll das monumentale Wandgemälde auf der Rückseite des Malakow-Turms sein, mit Portraits von John Lennon, Bob Dylan, Jimmy Hendrix, den echten Meistern der Musikkultur und den international mitmischenden Essener Größen wie Mille Petrozza (Kreator), Rafael Cortez, Peppi Dominic (wortmord).

Entwürfe und fertige Bilder zu diesem Projekt sind in der Galerie ausgestellt und sehen schon als Skizzen in Bleistift, Kohle, Öl mehr als vielversprechend aus. Neben unbändiger Energie und ohnmächtiger Wut zeigen sie die Verletzlichkeit der maskulinen Größen im Showgeschäft. In der Macht einer rotzigen Bühnen-Geste, im noch ungebändigten Protest gegen die Welt wird das Ringen um Identität gezeigt im Zerrspiegel eigener Ideale und einer sperrigen Wirklichkeit.

Wer Emotionen mag, die Bilder in heftigem Farbgestus und expressiver Lineatur sind voll davon, wird froh sein, dass Oliver Jordan und Ricarda Fox den Kampf um die Mythen und Visionen der Musikkultur nicht aufgegeben haben und ihn gegen allen Widerstand organisieren. Möge er bald im Großformat verewigt sein! Die Hoffnung bleibt, dass die Kulturhauptstadt möglichst bald des Künstlers Vertrag unterzeichnet, nachdem bereits alle relevanten Ämter und Gremien grünes Licht gaben!

Bis 30.06.2010, K29 - Ricarda Fox, Kreuzeskirchstr.29,di-fr 15-19 Uhr u.n.V.

Tonnenschwere Bilder und Steinkissen

2010-05-22T12:12:00.000+02:00

Ein Kissen aus Stein lädt zum Verweilen, ein Bild an der Wand zum Betasten seiner rauen Oberfläche ein, spiralförmig gewundene Skulpturen erzwingen Bewegung, will der Betrachter den Sinn dieser Objekte im wahren Sinn des Wortes begreifen.
Dieter Kränzlein ist Steinbildhauer der ganz besonderen Art, ohne Attitüde, ohne jede große Geste nach außen. Eine spektakuläre Form, auf Hochglanz poliertes Material benutzt er nicht, denn seine Objekte beeindrucken durch sich selbst, durch Ruhe, Ausgewogenheit und die natürliche Beschaffenheit des Materials. Das allerdings fördert er durch ebenso aufwändige wie unscheinbare Weise mit hoher Kunstfertigkeit zutage.
Federleicht wirkt so ein pulsierendes Bild aus Stein und doch sind die Werke sperrig, manche von ihnen bis zu einer Tonnen schwer. Aus Viereck und Kreis, reduzierten geometrischen Grundformen und aus Muschelkalkstein konstruiert der Künstler sie und geht in seiner Arbeitsweise mit jedem Schritt auf die ursprüngliche Form und Beschaffenheit seines steinernen Fundstücks ein. Dann erfolgt die Bearbeitung der Oberflächenstruktur. Feine Linien und Kerben, schnurgerade, mit leichtem Schwung oder rechtwinklig gekreuzt gräbt er ihnen ein, bis die Haut der Skulptur aussieht wie die Kreuzschraffur aus eines alten Meisters Hand oder eine der Studien Mondrians zum “Broadway-Boogie-Woogie“. Dabei entwickelt sich die Farbe ganz aus dem Inneren des Materials, bis sie leicht glänzend, meist jedoch matt auf der Oberfläche und den einsehbaren Tiefenschichten des Steines steht.
Der Arbeitsprozess sorgt manches Mal für Überraschungen. Wenn Grau- und Brauntöne wie auf einem abstrakten Bild fließend ineinander übergehen oder spröde Stellen dem feinen Meißel Einhalt gebieten, weil sonst ein Bruch im Stein entsteht, durch den die Arbeit ihre Haltbarkeit verlieren könnte.
Der 1962 in Stuttgart, heute in Bissingen lebende Künstler absolvierte seine Ausbildung zum Steinbildhauer von 1982-85, von 1985-89 arbeitete er als Privatschüler von Franz Dàkay, seit 1989 ist er freischaffend tätig.

Bis 19.06. 2010, GAM Galerie Obrist, Kahrstraße 59, di-fr 12-19, sa 10-15 Uhr

Fake and Real

2010-05-22T11:36:00.003+02:00

Drei Positionen zeitgenössischer Fotografie stellt die Galerie Gerd Schütte vor, drei Mal die Frage, nach Lüge und Wahrheit, Authentizität und Virtualität des kunsthistorisch immer noch jungen Mediums. Warum dieses Thema noch aktuell ist, das ist die nächste Frage, zumal die Fotografie kurz nach ihrer Entstehung mit der Hinwendung zur malerischen Abstraktion reagierte, um genau diesem Anspruch auf Authentizität und Wahrheit zu entgehen. Doch nicht das Medium bedarf der Korrektur, sondern die Wahrnehmung selbst, denn sie erzeugt mit ihrem scheinbar allzu menschlichen Bedürfnis nach Illusion ein falsches Bild der Wirklichkeit.
In den Arbeiten von Ville Lenkerri, Mathieu Bernard-Reymond und Andrew Phelps ist nichts jemals richtig oder völlig falsch, denn Illusionäres und Reales vermischen sich so, dass ohne logisches Denken gar nichts mehr geht. Haben sie Geduld, denn die Hinweise zum Entschlüsseln des fotografierten Fake and Real sind bisweilen sehr gut versteckt!
Ein römischer Platz, eine Bergwelt im Himalaya, ein Schlachtfeld im Krieg, real oder getürkt, zu unterscheiden ist es nur an einer hauchfeinen Naht. Geografische, historische Panoramaansichten, wahrheitsgetreu simuliert, setzt Ville Lenkerri so ins Bild, dass sie den Raum des Betrachters scheinbar überfluten.
Andrew Phelps, in Österreich lebender Amerikaner, zeigt surreal wirkende, von Einschüssen, Ornamenten und Zerfall zerfurchte Straßenaufnehmen Bagdads, die wir aus dem Fernsehen wiederzuerkennen glauben. Irritiert reagieren wir, sobald wir begreifen, dass das tatsächlich Kulissen sind. “Warum glauben wir, was zu glauben wir beschlossen haben?“ Und wie sieht dort wohl die Wirklichkeit aus?
Mathieu Bernard-Reymond stellt skulptural wirkende schwarz-weiß fotografierte Landschaften aus, ein Bergmassiv oder eine Gebirgsformation aus Eis, deren Zacken vage an eine krisengeschüttelte Dax-Kurve erinnern. Das waren sie auch! Der französische Künstler setzt Diagramme und Wirtschaftsgrafiken als plastische Bestandteile in seinen Landschaften ein.

bis 5.06.2010, Galerie Schütte, Essen-Kettwig, Hauptstraße 4, di-fr 14.30-19 + di bis 22, sa 11-14 Uhr, 02054-871753

Am 22.05.2010, 18 Uhr, Kuratorengespräch: Rémi Faucheux im Gespräch mit Ville Lenkkeri und Andrew Phelps in der Galerie, ab 20 Uhr: Abschlussfest von next 1 in der Folkwang Universität Essen werden, Klemensborn 39

Blumenkinder, Bergsteiger und Wirtschaftswunder

2010-05-21T13:22:00.003+02:00

Farbe pur, prachtvolle Blüten im Großformat, Blumenkinder und solche des Wirtschaftswunders, Bergsteiger-, Aktbilder und betörende Portraits aus dem Reich der Mitte ziehen mit Martin Herlers Arbeiten in den kunst-raum ein! Sie treiben die Stimmung hoch und nebeln traurige Momente ein, die als Subtext unter diesen schönen Bildern schwelen. Denn Martin Herler wäre kein Künstler der Galerie des Colmar Schulte-Goltz, wenn er nicht Kritisches hinter dem Bekenntnis zur Ästhetik des Schönen verbergen würde.
Kunsthistorische Gattungen werden vom Künstler gekonnt zitiert, fröhlich leergemalt und neu besetzt: Mit dem Schein und den falschen Versprechen einer turbulenten Konsum- und Werbewelt, die immer schneller, weiter und bunter ist als die Klientel, die ihr nachfolgt und an sie glaubt.
Martin Herler ist Jungstar und Ben Willikens’ Meisterschüler, ohne dem Purismus des großen Lehrers aus München nur einen einzigen Pinselstrich zu widmen. Zu eigenständig und farbig formuliert er seinen individuellen Duktus, der Reales und Fiktives verbindet, Altes verwischt und mit Neuem verschmilzt, der vor keinem Material als Malgrund Halt macht, auch nicht vor kitschigen Tüchern und Textilien, die der Künstler in einer geerbten Villa fand. Wenn er malt, z.T. nach Musik, die seine Kompositionen lenkt, scheint alles zu eigener Farbe zu gerinnen, die sich wie ein Schleier vor kunsthistorische Traditionen legt, ohne sie jemals zu negieren.
In seinen Portraits von Familien im Wirtschaftswunderland dekuvriert Herler einen Mythos, der heute nicht mehr zieht. Erstarren lässt Herler das Grinsen der fröhlichen Hausfrau, der lustigen Kinder und beflissenen Väter, zu schön malt er die nackten Körper und schnellen Autos, die Idylle im Garten, am See im Grünen, zu hoch den unbeschwerten Schwung auf der Schaukel oder das Gewehr der chinesischen Patrioten. Mit der Ästhetik der weich fließenden Farben friert er jeden falschen, dissonanten Unterton ein.
Authentisch und am wenigsten aufrührerisch wirken die Portraits und Blumenbilder, dort wo die Farbe sichtbar gesteigert ist. Denn hier leuchten die Fassaden so unverblümt schön, dass das Misstrauen keiner weiteren Steigerung durch Ironie bedarf.

Bis 4.07. 2010, kunst-raum Schulte-Goltz+Noelte, Rüttenscheider Str. 56, di-fr 12-19, sa 10-16 Uhr

Ausstellungseröffnungen in Essen am kommenden Wochenende

2010-05-06T10:49:00.004+02:00

Am Freitag, 7. Mai, 19 Uhr eröffnet die Galerie K29/ Ricarda Fox (Kreuzeskirchstraße 29) die Ausstellung "Oliver Jordan. Emscher rockt! 2".
Am gleichen Abend, 19 Uhr, eröffnet GAM Galerie Obrist (Kahrstraße 59) die Ausstellung "Dieter Kränzlein. Arbeiten in Stein".
Am Samstag, 8. Mai, 17 Uhr, eröffnet die Galerie Schütte (Hauptstraße 4 in Kettwig) die Ausstellung "Fake & Real. Fotografien von Ville Lenkkeri, Mathieu Bernard-Reymond und Andrew Phelps". Diese Ausstellung findet im Rahmen der Reihe "next1. Discussing Photography" statt.
Am Sonntag, 9. Mai, 11 Uhr findet im Raum 3 (Kunstwerkerstraße 98) die Matinee und Ausstellungseröffnung "Karen Irmer & Angela Stauber. Himmel sehen" statt.

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